Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669), der größte niederländische Künstler, Maler, Radierer und Zeichner. Er wurde in eine Leidener Müllerfamilie hineingeboren, wo er bis etwa 1632 arbeitete und dann nach Amsterdam zog. Im Jahr 1634 heiratete Rembrandt ein Mädchen aus einer wohlhabenden Familie, Saskia van Uylenburch, deren Bild er in vielen Porträts mit außergewöhnlicher Zärtlichkeit und Liebe verewigt hat.

Seit den 1640er-Jahren ist Hell-Dunkel in Rembrandts Werk, insbesondere in Gemälden zu religiösen Themen, wichtig geworden und sorgt für eine spannungsgeladene emotionale Atmosphäre. Der Künstler interessiert sich für das verborgene Wesen von Phänomenen, die komplexe Innenwelt der dargestellten Menschen.

1642 versetzt das Schicksal Rembrandt einen schweren Schlag – Saskia stirbt. Im selben Jahr malte er sein herausragendstes und berühmtestes Gemälde „Nachtwache“, dessen kompositorische Lösung nichts mit einem traditionellen Gruppenporträt gemein hat.

Seine neuesten Arbeiten verblüffen durch die Präzision seines handwerklichen Könnens.

Rembrandt schuf wunderbare Werke in fast allen Genres und nutzte vielfältige Schreibtechniken (Malerei, Zeichnung, Radierung). Als größter Meister beeinflusste er viele berühmte Künstler. Der Ruhm um Rembrandts Namen verblasste nicht und nach seinem Tod erlangte er wahre Anerkennung als einer der herausragenden Maler aller Zeiten.

Rembrandts Gemälde:

Der große niederländische Künstler Rembrandt lebte in der Ära der höchsten Errungenschaften von Galileo und Newton. Zu seiner Zeit und im selben Land schufen Descartes und Spinoza ihre philosophischen Werke. Sein Jahrhundert war die Ära großer Dramatiker – Shakespeare, Lope de Vega, Calderon, Moliere und berühmter Maler – Rubens, Velazquez, Poussin. In der Ära Rembrandts und vor allem dank seines Genies wurde die Malerei in Holland zu einem der auffälligsten Phänomene der städtischen Kultur, einem Vertreter der ästhetischen Ideale einer neuen Klasse – der Bourgeoisie und einem Träger fortschrittlicher Ideen.

Rembrandts Werk war in seinem Wesen zutiefst humanistisch und in seiner einzigartigen künstlerischen Form perfekt und wurde zu einem der Höhepunkte der Entwicklung der menschlichen Zivilisation. Rembrandts in Genre und Thematik unterschiedliche Werke sind durchdrungen von Vorstellungen von Moral, spiritueller Schönheit und Würde gewöhnlicher Mensch, Verständnis der unfassbaren Komplexität seiner inneren Welt, der Vielseitigkeit seines intellektuellen Reichtums, der Tiefe seines emotionale Erlebnisse. Die Gemälde, Zeichnungen und Radierungen dieses bemerkenswerten Künstlers verbergen viele ungelöste Geheimnisse und bestechen durch die aufschlussreichen psychologischen Eigenschaften der Charaktere, die philosophische Akzeptanz der Realität und die überzeugende Rechtfertigung unerwarteter künstlerischer Entscheidungen. Seine Interpretation von Geschichten aus der Bibel, alten Mythen, alten Legenden und der Vergangenheit seines Heimatlandes als wirklich bedeutsame Ereignisse in der Geschichte des Menschen und der Gesellschaft, tief empfundene Lebenskonflikte bestimmter Menschen öffneten den Weg für eine freie und vielwertige Interpretation traditioneller Bilder und Themen.

Rembrandt übernahm in der Nachfolge der Utrechter Caravaggisten die Entdeckungen von Caravaggio und spielte eine wichtige Rolle bei der Schöpfung künstlerisches Bild wird dem Hell-Dunkel zunächst als kraftvoller Faktor emotionaler Wirkung zugeschrieben, dann als lebensspendende, spiritisierende Kraft, die die gesamte Struktur des Werkes aktiv prägt.

Rembrandts kreative Methode basierte auf der ursprünglichen Nutzung der Natur als Künstlerlabor: „Lerne... der reichen Natur zu folgen und zu zeigen, was du in ihr findest.“ Himmel, Erde, Meer, Tiere, Art und böse Menschen- alles dient unserer Ausübung... Tausende von natürlichen Ressourcen schreien zu uns und sagen: Komm, wissensdurstig, betrachte und vermehre uns.“

Die der Realität entnommene künstlerische Form war laut Rembrandt nicht unbedingt das Endziel des Malers, der in seinem Schaffensprozess frei blieb. Nach seinem Urteil „...ist das Bild fertig, sobald der Künstler seine Absicht darin erkannt hat.“ Diese Rembrandt-Idee von der künstlerischen Handlungsfreiheit des Meisters wurde in der Folge zu einer der bedeutendsten Errungenschaften der europäischen Malerei.

Einer von ihnen zufolge wurde Rembrandt am Vorabend der endgültigen Befreiung der nördlichen Niederlande von der spanischen Herrschaft und der Gründung der Republik der Vereinigten Provinzen geboren, die den inoffiziellen Namen Holland erhielt. IN frühe Jahre Als Künstler wurde seine Heimat zu einem der wichtigsten Zentren Europas für die Bildung der bürgerlichen Gesellschaft. In einem (dank des Seehandels und der Eroberung von Kolonien) wohlhabenden, sich schnell entwickelnden, relativ toleranten und demokratischen Staat aus Industriellen, Kaufleuten und Bankiers suchten viele europäische Wissenschaftler, Denker, Dichter und Künstler Zuflucht vor der Inquisition und der Verfolgung. „In welchem ​​anderen Land“, schrieb der französische Philosoph Descartes 1631, „kann man solch umfassende Freiheit genießen?“ Im Holland des 17. Jahrhunderts war der Künstler formell wirklich frei von den Ansprüchen eines gekrönten Kunstmäzens, von den Forderungen der Kirche, da der Calvinismus die religiöse Malerei ablehnte, aber gleichzeitig den praktischen Interessen der neuen Gesellschaft diente, stellte er fest er selbst wurde in den Kreis hineingezogen Marktbeziehungen: Kunstwerke wurden zu einer Ware, deren Nachfrage von der Mode und dem Geschmack der Kunden abhing. Der Meister, der es wagte, sich ihren Forderungen zu widersetzen, war dem Vergessen und der Armut geweiht. Ein markantes Beispiel dafür war das Schicksal Rembrandts.

Der Vater des Künstlers war der Mühlenbesitzer Harmen Gerrits van Rijn, der zum Calvinismus konvertierte. Seine Mutter stammte aus einer katholischen Patrizierfamilie. Rembrandt, der jüngste Sohn, sollte eine gute Ausbildung erhalten. Im Alter von sieben Jahren wurde er auf eine Lateinschule geschickt und mit vierzehn Jahren wurde er Student an der Universität Leiden, die er ein Jahr später verließ, um sich ernsthaft mit der Malerei zu beschäftigen. Rembrandt verbrachte fast drei Jahre in Leiden im Atelier des wenig bekannten Künstlers Jacob van Swanenburg, studierte dann in Amsterdam bei dem damals modischen Maler Pieter Lastman und eröffnete nach seiner Rückkehr nach Leiden 1625 zusammen mit seinen Kollegen eine eigene Werkstatt Landsmann Jan Lievens. Seine frühen Werke zu evangelischen Themen (Die Vertreibung der Kaufleute aus dem Tempel, 1626, Moskau, Staatliches Museum der Schönen Künste, benannt nach A.S. Puschkin; Die In den Tempel gebracht, 1628, Hamburg, Kunsthalle) verraten noch immer den Einfluss von Lastman wem Rembrandt die beeindruckende Theatralik der Komposition, die etwas bewusste Ausdruckskraft der Posen, Gesten und Mimik der Figuren sowie die dekorative Helligkeit der Farbgebung annahm.

Im Jahr 1628 wurde der 22-jährige Rembrandt als „sehr berühmter“ Meister, als berühmter Porträtmaler anerkannt; er bekam Kunden und Studenten. Das Gemälde „Judas gibt die Silberstücke zurück“ (1629, London, Privatsammlung) löste eine begeisterte Kritik des berühmten Kunstkenners Constantin Huygens, Sekretär des Statthalters Friedrich Hendrik von Oranien, aus: „... dieser Körper, der vor erbärmlicher Angst zittert, ist was.“ Ich bevorzuge guter Geschmack aller Zeiten.“ In seiner Autobiographie (1628-1631) nannte Huygens Rembrandts Namen als ersten unter den niederländischen Künstlern dieser Zeit und stellte die trotzige Kühnheit seiner Werke der gesamten bisherigen Tradition der Malerei gegenüber.

Seit 1631 war Rembrandts Leben für immer mit Amsterdam verbunden – einer geschäftigen Hafen- und Industriestadt, in die Waren und Kuriositäten aus aller Welt strömten, in der die Menschen durch Handels- und Bankgeschäfte reich wurden und in die die Ausgestoßenen des feudalen Europas strömten, um danach zu suchen Zufluchtsort, und wo das Wohlergehen wohlhabender Bürger mit bedrückender Armut einherging. Rembrandts Amsterdamer Periode begann mit dem überwältigenden Erfolg von „Die Anatomiestunde des Dr. Tulp“ (1632, Den Haag, Mauritshuis), das die Tradition niederländischer Gruppenporträts veränderte. Rembrandt stellte der üblichen Demonstration von für den Künstler posierenden Personen des allgemeinen Berufsstandes die Dramaturgie einer frei beschlossenen Szene gegenüber, deren Teilnehmer – Mitglieder der Zunft der Chirurgen, ihrem Kollegen zuhörend, durch intellektuell und spirituell aktive Einbindung vereint sind der Prozess wissenschaftliche Forschung. Der Kontrast eines bewegungslosen toten Körpers, der im Vordergrund als blasser Fleck hervorgehoben wird, und einer malerischen, frei konstruierten Gruppe unterschiedlich charakterisierter Charaktere verleiht dem Bild eine äußerst dramatische Farbgebung.

Die dreißiger Jahre in Rembrandts Leben waren eine Zeit des Ruhms, des Reichtums und des Familienglücks. Er erhielt viele Aufträge, war von Studenten umgeben und sammelte leidenschaftlich Werke italienischer, flämischer und niederländischer Maler, antike Skulpturen, Mineralien, Meerespflanzen, antike Waffen und Objekte orientalischer Kunst. Bei der Arbeit an Gemälden dienten dem Künstler häufig Exponate aus der Sammlung als Requisiten.

Im Jahr 1634 heiratete Rembrandt seine geliebte Saskia van Uylenburgh, die seine Muse und Vorbild wurde. Bei Saskia, einer jungen Patrizierin, die aus einer wohlhabenden Adelsfamilie stammte, umfasste seine Kunst bezaubernde intime Frauenbilder, die Wärme und Lebensfreude ausstrahlten, von einer aufregenden Erwartung des Glücks durchdrungen waren und die greifbare irdische Schönheit des weiblichen Körpers lobten, der in seiner Attraktivität attraktiv ist Natürlichkeit („Lächelnde Saskia“, 1633, Dresden, Gemäldegalerie; „Danae“, 1636, 1646-1647, St. Petersburg, Staatliche Eremitage).

Rembrandts Werke aus dieser Zeit sind äußerst vielfältig; Sie zeugen von einer unermüdlichen, manchmal schmerzhaften Suche nach einem künstlerischen Verständnis des spirituellen und sozialen Wesens von Mensch und Natur und zeigen Tendenzen auf, die den Künstler immer wieder Schritt für Schritt in Konflikt mit der Gesellschaft bringen. In der Gemäldeserie „Passion“, die 1633–1639 für den Statthalter Friedrich Hendrik von Oranien (München, Alte Pinakothek) entstand, erreichte er laut Rembrandt selbst „mit großer Mühe“ den Ausdruck „höchster und natürlichster Beweglichkeit“. “, unter dem in Holland im 17. Jahrhundert die Bewegung der Seele verstanden wurde. Bei der Lösung des Themas des erlösenden Leidens, der Selbstaufopferung und der reinigenden Intensität der Gefühle wendet sich der Künstler religiösen Themen zu („Die Erhebung des Kreuzes“, 1634; „Das Opfer Abrahams“, 1635, beide – St. Petersburg, Staatliche Eremitage) greift auf spektakuläre barocke Techniken zurück – schnell wachsende Formen, diagonale Konstruktionen, scharfe Winkel, Lichtströme, theatralisches Entreißen der Hauptfiguren aus der Dunkelheit, bis hin zur Idealisierung und Dramatisierung von Bildern. Bei Auftragsporträts ist er zurückhaltend, achtet auf Accessoires, arbeitet die Gesichtszüge sorgfältig aus, achtet klar auf die Ähnlichkeit des Bildes mit dem Original und identifiziert individuelle Merkmale („Porträt eines Wissenschaftlers“, 1631, St. Petersburg, Staatliche Eremitage). ).

In Porträts „für sich“ und Selbstporträts experimentiert der Künstler frei mit Komposition und Hell-Dunkel-Effekten, verändert die Tonalität der Farbgebung, kleidet seine Modelle in fantastische oder exotische Gewänder, variiert Posen, Gesten, Accessoires („Flora“, 1634). , St. Petersburg, Staatliche Eremitage).

Das trotzig kühne „Selbstbildnis mit Saskia“ (um 1635, Dresden, Kunsthalle) strahlt mit seiner frivolen Komposition und entspannten Malweise, einer bezaubernden Palette aus schillernden Gold-, Grün-, Oliv- und Rosatönen, wilde Freude und Jubel aus , ein Aufruf, das Leben zu genießen, weit entfernt von den zurückhaltenden Normen der calvinistischen Moral. Es wird angenommen, dass Rembrandt in diesem Gemälde erstmals das Thema des Evangeliumsgleichnisses vom verlorenen Sohn thematisierte.

Tragische Veränderungen in Rembrandts persönlichem Schicksal (der Tod neugeborener Kinder seiner Mutter im Jahr 1642 - die Krankheit und der Tod von Saskia, die ihm einen neun Monate alten Sohn Titus hinterließ), die Verschlechterung seiner finanziellen Situation aufgrund seiner hartnäckigen Zurückhaltung Die Freiheit des Geistes und der Kreativität zu opfern, um den wechselnden Geschmack der Bürger zu befriedigen, verschärfte und entlarvte den allmählich heranreifenden Konflikt zwischen Künstler und Gesellschaft. Im Jahr 1642 überraschte er seine Zeitgenossen mit einem riesigen monumentalen Gemälde, das von der Schützenzunft in Auftrag gegeben wurde, und schuf anstelle des traditionellen Gruppenporträts von Schützen (die schmausend waren oder dem Betrachter vom Kompaniekapitän präsentiert wurden) eine pathetisch klingende Szene einer feierlichen und feierlichen Zeremonie freudiger Auftritt der Verteidiger der Rechte und Freiheiten einer unabhängigen Stadt. Zum Missfallen der Kunden nahmen neben den Schützen, die von der jubelnden Menge verdrängt wurden und sich teilweise gegenseitig verdeckten, namenlose und geheimnisvolle Charaktere (ein hell erleuchteter Zwerg mit einem Hahn, ein Junge, der quer durch die Truppe läuft) ihren vollen Platz ein Zusammensetzung. Bis 1715 befand sich das Gemälde im Hauptsaal des Amsterdamer „Hauses der Schützen“, für das es geschaffen wurde. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts erhielt es aufgrund des dunklen Lacks, der viele Details im Schatten versenkte, den Namen „Nachtwache“ (1642, Amsterdam, Rijksmuseum). Nach der Restaurierung in den Jahren 1946–1947 sah das Publikum vor der Kulisse eines majestätischen Bogens ein farbenfrohes, mit Luft gefülltes, von kraftvollen Licht- und Schattenblitzen durchdrungenes Gemälde, das dem heroisch-romantischen Pathos der Inszenierung entsprach - ein Symbol für Sieg und Triumph. Im Wesentlichen ist „Night Watch“ ein historischer Film, der von der Idee durchdrungen ist, Erinnerungen an die jüngste heroische Vergangenheit des Landes zu romantisieren, ein Versuch, hohe bürgerliche Ideale zu bekräftigen, die die Niederländer zu diesem Zeitpunkt bereits zu vergessen begannen.

Die Werke der 1640er Jahre zeugen von der allmählichen spirituellen Trennung des Künstlers vom umgebenden Leben und der Stärkung der humanistischen Ausrichtung seines Schaffens. Die Wahl der biblischen Themen wird nun von der Suche nach einem Thema bestimmt, das die komplexe Bandbreite menschlicher emotionaler Erfahrungen vermittelt („Davids Abschied von Jonathan“, 1642, St. Petersburg, Staatliche Eremitage; Radierung „Christus heilt die Kranken“, 1649 ), Wärme und Hingabe an die mütterliche Liebe, spirituelle Nähe wirklich lieber Menschen, die Schönheit der aufrichtigen patriarchalischen Lebensweise eines bescheidenen, unprätentiösen Lebens („Die Heilige Familie“, 1645, St. Petersburg, Staatliche Eremitage; „Christus in Emmaus“, 1648 , Paris, Louvre).

Die auf der immer komplexer werdenden Entwicklung von Halbtönen basierende Farbgebung der Bilder wurde emotionaler und klangvoller, Licht und Schatten wurden bunt und aktiv. In Danae, neu geschrieben im Geiste neuer Quests, spielt der leuchtende, goldene, transparente Nebel, der die Komposition umhüllt, die Rolle einer echten Figur – des goldenen Regens, unter dessen Deckmantel Jupiter in das Mädchen eindrang, das von ihrem Vater, König Acrisius, in einem Kupferturm eingesperrt war , von dem vorhergesagt wurde, dass er durch die Hand seines Enkels sterben würde. Rembrandt verlieh der mythischen Schönheit die Züge einer echten irdischen Frau, die sehnsüchtig auf ein verbotenes Date wartet. Rembrandt wendet sich zunehmend der Landschaft zu und schafft in Malerei und Grafik ein romantisches, aufgeregtes, faszinierendes, wenn auch manchmal äußerlich friedliches Bild der Natur (Radierung „Drei Bäume“, 1643; „Landschaft mit Ruinen“, um 1643, Kassel, Gemäldegalerie ).

Vorbild für die attraktiven Frauenbilder der 1650er-Jahre („Womanbathing in a Stream“, 1654, London, National Gallery; „Hendrickje at the Window“, 1656–1657, Berlin, Staatliche Museen) war Rembrandts zweite Frau und treue Freundin Hendrikje Stoffels, die 1649 als junges Mädchen das Haus des Künstlers betrat und mit ihm die schwierigen Belange der Unternehmensführung und der Erziehung von Titus teilte.

Die schwierigen 1650er und 1660er Jahre – eine Zeit des völligen Ruins und der Verarmung des Künstlers – erwiesen sich als die fruchtbarste und reifste Zeit seines Schaffens. In diesen Jahren schuf Rembrandt eine Galerie, die in puncto Handwerkskunst und Vollständigkeit ihresgleichen sucht psychologische Merkmale Porträts-Biografien von Menschen unterschiedlichen Alters, Ranges und Intellekts. Eines der besten Werke dieser Zeit ist das Porträt des Fabrikanten, Philanthropen und Dichters Jan Six (1654, Amsterdam, Six Collection), gemalt in einer exquisiten Farbpalette aus sanftem Grau, Hellbraun, Rotscharlach, Perlweiß, Schwarz und Weiß Goldtöne, die einen Mann darstellen, der über sein Alter hinaus reif und weise mit Lebenserfahrung ist. Die Bilder gebrechlicher alter Menschen, die erhebliche Sorgen und Nöte ertragen mussten, sind durchdrungen vom Bewusstsein für den bleibenden Wert einfacher menschlicher Qualitäten – moralische Reinheit, Freundlichkeit und Weisheit im Leben („Porträt eines alten Mannes in Rot“, um 1652- 1654; „Alter Jude“, 1654, beide – St. Petersburg, Staatliche Eremitage; „Porträt einer älteren Frau“, 1650-1652, beide – Moskau, Staatliches Museum der Schönen Künste ALS. Der Künstler stellt ältere Menschen dar, die regungslos in ebenso ruhigen Posen sitzen, mit sanft beleuchteten, nachdenklichen, freudlosen Gesichtern, die aus der Dämmerung hervorragen, und fest gefalteten Händen. Dichte pastose und leicht transparente Striche verweben sich zu einem in vielen Farbtönen gemalten Licht- und Schattenspiel, das gekonnt subtile Gesichtsausdrücke vermittelt und die Bewegung der Gefühle und Gedanken des Porträtierten widerspiegelt. Die farbenfrohe, lichtdurchflutete Rotbraun-Farbgebung verstärkt die emotionale Ausdruckskraft von Porträts und vermittelt ein Gefühl wärmender menschlicher Wärme.

Rembrandts letztes Gruppenporträt – „The Syndics“ (1662, Amsterdam, Rijksmuseum) – besticht durch die Einfachheit und Lakonizität der Komposition, die die Charaktere zu einer engen Gemeinschaft vereint, die Individualität der Eigenschaften jedes der fünf Ältesten der Zunft der Amsterdamer Tuchmacher und ihrer Bediensteten sowie die äußerst zurückhaltende Pracht Farbpalette.

In der Kunst des Zeichnens und Radierens erreichte Rembrandt in dieser Zeit höchste technische Perfektion und die Kraft des künstlerischen Einflusses, die der Malerei nicht nachstand (Radierungen „Doktor Faustus“, ca. 1652; „Drei Kreuze“, 1653; „Die Lehre Christi“, ca. 1656).

Auch im letzten Jahrzehnt seines Lebens verschonte das Schicksal den großen Meister nicht: Hendrikje Stoffels starb 1663 und hinterließ ihm eine kleine Tochter, Cornelia, und Titus starb 1668.

In diesen Jahren schuf Rembrandt seine bedeutendsten und tiefgreifendsten Werke zu biblischen Themen, Porträts und Selbstporträts, die Fragen zum Sinn des menschlichen Lebens, zur Vergeltung für gute und böse Taten, zur Tragödie der Einsamkeit und zur Vergebung aufwerfen. Der verborgene dramatische Zusammenprall von Verrat und Adel im Gemälde „Artaxerxes, Haman und Esther“ (1660, Moskau, Staatliches Museum der Schönen Künste, benannt nach A. S. Puschkin) wird durch den intensiven Kampf leuchtender, heißer Töne und dunstiger Dunkelheit, die hartnäckig aus dem Bild hervordringt, zum Ausdruck gebracht Tiefe der Szene und schafft ein atemberaubendes, kraftvolles Bild der Tragödie des sterbenden Lichts.

Rembrandts in seinen künstlerischen Werten einzigartiges Gemälde „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ (um 1663, St. Petersburg, Staatliche Eremitage) wird als leidenschaftlicher Aufruf zur Vergebung wahrgenommen, als poetische Hymne der Liebe zum Nächsten, die das vollendete Gospelthema, das den Künstler viele Jahre lang beschäftigte. In der monumentalen Erhabenheit der Figuren, die aus den dichten Schatten ans Licht treten, in der Harmonie von flammendem Rot und sanften goldenen Rosa-Ocker-Tönen liegt ein spürbares Gefühl des Friedens, das sich auf Vater und Sohn ausbreitet, die in einem einzigen Impuls verschmolzen sind der Vergebung und Reue.

Vielleicht inspirierte die Geburt seiner Enkelin Titia, der Tochter von Titus, Rembrandt zur Arbeit an dem Gemälde „Simeon im Tempel“ (1669, Stockholm, Nationalmuseum). Im Schicksal des evangelischen Ältesten, der dazu bestimmt war, das Christuskind zu sehen und erst dann zu sterben („Du sollst deinen Diener in Frieden gehen lassen, o Meister, nach deinem Wort, denn meine Augen haben dein Heil gesehen“), der Der Künstler schien sein eigenes Schicksal erahnt zu haben. Rembrandt hatte keine Zeit, das Gemälde fertigzustellen, gab aber die Hoffnung auf, eines Tages verstanden zu werden. Es dauerte zwei Jahrhunderte, bis das vergessene kreative Erbe dieses brillanten Künstlers als größtes Phänomen in der Geschichte der Weltkunst gewürdigt wurde.

Tatiana Starodub

Rembrandt Harmensz van Rijn (1606–1669) war ein niederländischer Maler, Zeichner und Radierer. Kreativität ist durchdrungen von dem Wunsch nach einem tiefen, philosophischen Verständnis der Realität und der inneren Welt des Menschen mit dem ganzen Reichtum seiner spirituellen Erfahrungen.

In seinem Wesen realistisch und humanistisch, markierte es den Höhepunkt der Entwicklung der niederländischen Kunst des 17. Jahrhunderts und verkörperte hohe moralische Ideale, den Glauben an Schönheit und Würde in einer eindeutig individuellen und perfekten künstlerischen Form. gewöhnliche Menschen.

Rembrandts künstlerisches Erbe zeichnet sich durch seine außergewöhnliche Vielfalt aus: Porträts, Stillleben, Landschaften, Genreszenen, Gemälde zu biblischen, mythologischen und historischen Themen. Rembrandt war ein unübertroffener Meister des Zeichnens und...

Der zukünftige große Künstler wurde in eine Müllerfamilie hineingeboren. Nach einem kurzen Studium an der Universität Leiden im Jahr 1620 widmete er sich der Kunst. Er studierte Malerei bei J. van Swanenburch in Leiden (von 1620–1623) und P. Lastman in Amsterdam im Jahr 1623. In der Zeit von 1625 bis 1631 war er in Leiden tätig. Ein Beispiel für Lastmans Einfluss auf das Werk des Künstlers ist das Gemälde „ Allegorie der Musik", gemalt von Rembrandt im Jahr 1626.

In Gemälden“ Apostel Paulus„(1629 – 1630) und“ Simeon im Tempel„(1631) Rembrandt war der erste, der Hell-Dunkel als Mittel zur Steigerung der Spiritualität und emotionalen Ausdruckskraft von Bildern einsetzte.

In denselben Jahren arbeitete Rembrandt intensiv an dem Porträt und studierte die Mimik des menschlichen Gesichts. Die kreative Suche des Künstlers in dieser Zeit kommt in einer Reihe von Selbstporträts und Porträts der Familienmitglieder des Künstlers zum Ausdruck. So stellte sich Rembrandt im Alter von 23 Jahren dar.

1632 zog Rembrandt nach Amsterdam, wo er bald die wohlhabende Patrizierin Saskia van Uylenbruch heiratete. Die 30er Jahre des 17. Jahrhunderts waren für den Künstler Jahre des Familienglücks und enormen künstlerischen Erfolgs. Auf dem Gemälde ist das Familienpaar abgebildet. Verlorener Sohn in einer Taverne"(1635).

Gleichzeitig bemalt der Künstler die Leinwand. Christus während eines Sturms auf dem See Genezareth"(1633). Das Gemälde ist insofern einzigartig, als es die einzige Meereslandschaft des Künstlers ist.

Malerei " Anatomie-Lektion von Dr. Tulpa„(1632), in dem der Künstler das Problem eines Gruppenporträts auf neue Weise löste, der Komposition eine entscheidende Leichtigkeit verlieh und die Personen im Porträt mit einer einzigen Aktion vereinte, brachte Rembrandt großen Ruhm. Er erhielt viele Aufträge und zahlreiche Studenten arbeiteten in seiner Werkstatt.

In Auftragsporträts wohlhabender Bürger vermittelte der Künstler sorgfältig Gesichtszüge, kleinste Details der Kleidung und den Glanz luxuriösen Schmucks. Das ist auf der Leinwand zu sehen“ Porträt des Burggrafen", geschrieben im Jahr 1633. Gleichzeitig erhielten Models oft passende soziale Merkmale.

Seine Selbstporträts und Porträts nahestehender Menschen sind in ihrer Komposition freier und vielfältiger:

• » Selbstporträt", geschrieben im Jahr 1634. Das Gemälde ist derzeit im Louvre ausgestellt.

• » Lächelnde Saskia". Das Porträt wurde 1633 gemalt. Heute befindet es sich in der Dresdner Kunsthalle.

Diese Werke zeichnen sich durch lebendige Spontaneität und Hochstimmung der Komposition, freie Malweise, große, lichtdurchflutete, goldene Farbgebung aus.

Eine mutige Herausforderung an klassische Kanonen und Traditionen im Werk des Künstlers lässt sich am Beispiel der Leinwand erkennen. Die Entführung von Ganymed", geschrieben im Jahr 1635. Das Werk befindet sich derzeit in der Dresdner Kunsthalle.

Gemälde „Danae“

Die monumentale Komposition war eine lebendige Verkörperung der neuen ästhetischen Ansichten des Künstlers. Danae„(geschrieben 1636), in dem er sich mit den großen Meistern der italienischen Renaissance auseinandersetzt. Der Künstler widersprach den allgemein anerkannten Darstellungskanonen und schuf ein wunderschönes Bild, das über die damaligen Vorstellungen von wahrer Schönheit hinausging.

Rembrandt malte die nackte Figur von Danae, weit entfernt von den klassischen Idealen weiblicher Schönheit, mit kühner, realistischer Spontaneität, und der Künstler kontrastierte die ideale Schönheit der Bilder italienischer Meister mit der erhabenen Schönheit der Spiritualität und der Wärme der intimen Gefühle eines Menschen .

Der Maler drückte in seinen Gemälden subtile Nuancen emotionaler Erfahrungen aus. David und Jonathan„(1642) und“ Heilige Familie"(1645). Hochwertige Reproduktionen von Rembrandt-Gemälden können zur Dekoration in vielen Stilrichtungen verwendet werden.

Im Jahr 1656 wurde Rembrandt für zahlungsunfähig erklärt und sein gesamter Besitz wurde öffentlich versteigert. Er musste in das jüdische Viertel von Amsterdam ziehen, wo er den Rest seines Lebens verbrachte.

Gemälde „Rückkehr des verlorenen Sohnes“.

Kaltes Missverständnis der niederländischen Bürger umgab Rembrandt letzten Jahren sein Leben. Der Künstler schuf jedoch weiter. Ein Jahr vor seinem Tod begann er mit der Erstellung seines brillanten Gemäldes. Rückkehr des verlorenen Sohnes„(1668 – 1669), in dem alle künstlerischen, moralischen und ethischen Fragen verkörpert wurden.

In diesem Gemälde schafft der Künstler eine ganze Reihe komplexer und tiefer menschlicher Gefühle. Die Hauptidee des Bildes ist die Schönheit des menschlichen Verständnisses, des Mitgefühls und der Vergebung. Der Höhepunkt, die Spannung der Gefühle und der anschließende Moment der Auflösung der Leidenschaften werden in ausdrucksstarken Posen und geizigen, lakonischen Gesten von Vater und Sohn verkörpert.

Und sein im Artikel vorgestelltes Werk stellt Ihnen einen der größten Künstler aller Zeiten vor. Rembrandt Harmens van Rijn (Leben – 1606–1669) – berühmter niederländischer Maler, Radierer und Zeichner. Seine Arbeit ist von dem Wunsch durchdrungen, das Wesen des Lebens sowie die innere Welt des Menschen zu verstehen. Rembrandt interessierte sich für den Reichtum spiritueller Erfahrungen, den Menschen innewohnend. Das Werk dieses Künstlers ist der Höhepunkt der niederländischen Kunst des 17. Jahrhunderts. Es gilt auch als eine der wichtigsten Seiten der künstlerischen Kultur weltweit. Auch wer fern der Malerei ist, kennt seine Werke. Rembrandt ist ein großartiger Künstler, dessen Leben und Werk Sie sicherlich interessieren werden.

Rembrandts künstlerisches Erbe

Außergewöhnlich vielfältig künstlerisches Erbe was er uns hinterlassen hat. Rembrandt malte Porträts, Landschaften, Stillleben und Genreszenen. Er schuf Gemälde zu mythologischen, biblischen und historischen Themen sowie andere Werke. Rembrandt ist ein unübertroffener Meister der Radierung und Zeichnung.

Leben in Leiden

Rembrandts Leben im Jahr 1620 war von einer kurzen Studienzeit geprägt. Anschließend beschloss er, sein Leben ganz der Kunst zu widmen. Zu diesem Zweck studierte er zunächst in Leiden bei J. van Swanenburch (um 1620-23) und dann in Amsterdam bei P. Lastman (1623). Zwischen 1625 und 1631 arbeitete der Künstler in Leiden. Rembrandt schuf hier seine ersten Werke.

Es ist anzumerken, dass seine Werke aus der Leidener Zeit vom Streben nach schöpferischer Unabhängigkeit des Autors geprägt sind, obwohl in ihnen der Einfluss von Lastman sowie Vertretern des niederländischen Caravaggismus spürbar ist. Ein Beispiel ist das Werk „Bringing to the Temple“, das um 1628–29 entstand. In „Der Apostel Paulus“ (ca. 1629-30) sowie in „Simeon im Tempel“ (1631) griff der Künstler erstmals auf Hell-Dunkel zurück, um die emotionale Ausdruckskraft und Spiritualität der Bilder zu verstärken. Gleichzeitig arbeitete Rembrandt intensiv an dem Porträt. Er studierte Gesichtsausdrücke.

1630 Jahre im Leben Rembrandts

Ein wichtiges Ereignis im Leben des Meisters ereignete sich im Jahr 1632. Die Biografie des Künstlers Rembrandt war geprägt vom Umzug nach Amsterdam. Seine Biographie zu dieser Zeit lautet wie folgt.

In Amsterdam heiratete der Künstler, an dem wir interessiert sind, bald. Seine Auserwählte war Saskia van Uylenburgh, eine wohlhabende Patrizierin (ihr Porträt ist oben abgebildet). Diese Frau war eine Waise. Ihr Vater war Mitglied des friesischen Rates und Bürgermeister von Leeverden. Saskias zwei Brüder waren Anwälte. Unter den Verwandten dieser Frau befinden sich viele Regierungsbeamte und Wissenschaftler. Sie brachte einen Strahl des Glücks in das einsame Zuhause des Künstlers. Rembrandt stattete sein Haus mit vielen seltenen Gegenständen aus, wodurch es zu einem echten Museum wurde. Der Meister verbrachte viel Zeit in Trödelläden, bei Auktionen und auf Auktionen. Er kaufte Drucke und Gemälde, indische und chinesische geschnitzte Schmuckstücke, alte Waffen, Statuen, wertvolles Kristall und Porzellan. All diese Dinge dienten als Hintergrund für die von ihm geschaffenen Gemälde. Sie inspirierten den Künstler. Rembrandt liebte es, seine Frau in Samt, Brokat und Seide zu kleiden. Er überschüttete sie mit Perlen und Diamanten. Sein Leben verlief leicht und freudig, voller Kreativität, Arbeit und Liebe. Generell sind die 1630er Jahre eine Zeit des Familienglücks und großen künstlerischen Erfolgs.

Porträts der 1630er Jahre

Alle Porträts aus den 1630er Jahren zeugen von Rembrandts Subtilität und Beobachtungsgabe. Dies bringt ihn Keyser, van der Helst, Rubens und Van Dijk näher. Diese Gemälde werden normalerweise auf einem hellgrauen, flachen Hintergrund gemalt. Seine Werke haben oft ein ovales Format. Rembrandt schuf Porträts, die durch ihre enorme plastische Kraft verblüffen. Dies wird durch die Vereinfachung von Hell-Dunkel und Schwarz-Weiß-Harmonie sowie durch die Lenkung des Blicks des Modells erreicht. Alle Werke sind voller Würde und bestechen durch Komposition und dynamische Leichtigkeit. Die Gemälde der Amsterdamer Zeit haben im Vergleich zu den Leidener eine glattere Textur. Der Rhythmus der Hände hat symbolische Bedeutung(Der Künstler zeigt bewusst keine Hand). Dies sowie die Drehung des Kopfes der Figur erinnern an die Variabilität und Vergänglichkeit des Barock.

Merkmale einiger Porträts von 1630

Wenn man das Leben und Werk Rembrandts in dieser Zeit beschreibt, kommt man nicht umhin, sich auf die von ihm geschaffenen Porträts zu beziehen. Sie sind ziemlich zahlreich. Rembrandts „Die Anatomiestunde des Dr. Tulp“ (siehe Abbildung oben) entstand 1632. Darin hat der Autor einen innovativen Ansatz zur Lösung des Problems eines Gruppenporträts gewählt, was zu einer entspannten Komposition führte. Rembrandt vereinte alle auf dem Gemälde dargestellten Personen mit einer einzigen Aktion. Diese Arbeit brachte ihm großen Ruhm.

In anderen Porträts, die nach zahlreichen Aufträgen entstanden, brachte der Künstler Kleidung, Gesichtszüge und Schmuck sorgfältig zum Ausdruck. Ein Beispiel ist das Werk „Porträt eines Burggrafen“, das 1636 von Rembrandt Garmens van Rijn gemalt wurde. Leben und Werk eines jeden Künstlers sind eng miteinander verbunden. Beispielsweise sind Porträts von Personen, die Rembrandt nahe stehen, sowie seine Selbstporträts (eines davon aus dem Jahr 1634 ist oben dargestellt) vielfältiger und freier in der Komposition. In ihnen hatte der Künstler keine Angst vor Experimenten und strebte nach psychologischer Ausdruckskraft. Erwähnenswert sind hier auch ein Selbstporträt aus dem Jahr 1634 und die „Lächelnde Saskia“ aus dem Jahr 1633.

Das berühmte Gemälde „Fröhliche Gesellschaft“ oder „Selbstporträt mit Saskia“ (Foto dieses Werks ist oben dargestellt) vollendete die Suche dieser Zeit. Es entstand um 1635. Leben und Werk des Künstlers werden in diesem Werk auf besondere Weise offenbart. Darin bricht er kühn mit den damaligen Kanonen. Das Gemälde zeichnet sich durch seine freie Malweise, die lebendige Spontaneität der Komposition sowie die lichtdurchflutete, große Farbpalette aus.

Biblische Kompositionen und mythologische Szenen 1630

In den 1630er Jahren schuf der Künstler auch biblische Kompositionen. Eines der berühmtesten ist das „Opfer Abrahams“. Es stammt aus dem Jahr 1635. Biblische Kompositionen dieser Zeit sind vom Einfluss der italienischen Barockmalerei geprägt. Seine Wirkung zeigt sich in der Dynamik der Komposition (etwas forciert), den Licht- und Schattenkontrasten und der Schärfe der Winkel.

In Rembrandts Werk dieser Zeit nehmen mythologische Szenen einen besonderen Platz ein. In ihnen folgte der Künstler nicht den klassischen Traditionen und Kanons, sondern forderte sie mutig heraus. Eines der Werke, die hier erwähnt werden können, ist „Der Raub des Ganymed“ (1635).

„Danae“

Die monumentale Komposition mit dem Titel „Danae“ verkörperte Rembrandts ästhetische Ansichten vollständig. In diesem Werk scheint er sich mit den großen Künstlern der Renaissance auseinanderzusetzen. Die von Rembrandt dargestellte Aktfigur der Danae entspricht nicht den klassischen Idealen. Der Künstler vollendete dieses Werk mit realistischer Spontaneität, sehr gewagt für die damalige Zeit. Er stellte der idealen, sinnlich-körperlichen Schönheit der Bilder italienischer Meister spirituelle Schönheit sowie die Wärme menschlicher Gefühle gegenüber.

Andere Werke

Auch in den 1630er Jahren widmete Rembrandt viel Zeit der Arbeit mit den Techniken des Gravierens und Radierens. Hervorzuheben sind seine Werke wie „The Wandering Couple“ und „The Rat Poison Seller“. Der Künstler schuf auch Bleistiftzeichnungen, die stilistisch verallgemeinert und sehr gewagt waren.

Rembrandts Werk in den 1640er Jahren

Diese Jahre waren geprägt von einem Konflikt zwischen Rembrandts innovativen Werken und den sehr begrenzten Ansprüchen seiner Zeitgenossen. Dieser Konflikt manifestierte sich deutlich im Jahr 1642. Dann löste Rembrandts Werk „Nachtwache“ heftige Proteste bei Kunden aus. Sie akzeptierten die Grundidee des Künstlers nicht. Rembrandt malte statt des üblichen Gruppenporträts eine heroisch-schwungvolle Komposition, in der die Schützenzunft bei Alarm vortritt. Das heißt, man könnte sagen, sie weckte die Erinnerungen ihrer Zeitgenossen an den Befreiungskrieg des niederländischen Volkes.

Nach dieser Arbeit ging der Auftragseingang für Rembrandt zurück. Sein Leben wurde auch durch den Tod von Saskia verdunkelt. In den 1640er Jahren verlor das Werk des Künstlers seine äußere Wirkung. Auch die Haupttöne, die es früher charakterisierten, verschwanden. Rembrandt beginnt, ruhige Genre- und Bibelszenen voller Intimität und Wärme zu malen. In ihnen offenbart er die subtilsten Nuancen von Erfahrungen, Familiengefühlen und spiritueller Nähe. Unter diesen Werken sind die „Heilige Familie“ von 1645 sowie das Gemälde „David und Jonathan“ (1642) hervorzuheben.

Sowohl in der Grafik als auch in der Malerei Rembrandts gewinnt ein sehr subtiles Hell-Dunkel-Spiel zunehmend an Bedeutung. Es entsteht eine besondere Atmosphäre – emotional intensiv, dramatisch. Hervorzuheben sind Rembrandts monumentales Grafikblatt „Christus heilt die Kranken“ sowie das um 1642–46 entstandene „Hundert-Gulden-Blatt“. Man sollte die Landschaft von 1643 auch „Drei Bäume“ nennen, voller Licht und Luftdynamik.

1650 in den Werken von Rembrandt

Diese Zeit war geprägt von schwierigen Lebensprüfungen, die den Künstler erlebten. Im Jahr 1650 begann die Zeit seiner schöpferischen Reife. Rembrandt beginnt sich immer häufiger der Porträtmalerei zuzuwenden. Er porträtiert die Menschen, die ihm am nächsten stehen. Unter diesen Werken sind zahlreiche Porträts von Hendrikje Stoffels, der zweiten Frau des Künstlers, hervorzuheben. Bemerkenswert ist auch das „Bildnis einer alten Frau“ aus dem Jahr 1654. Im Jahr 1657 malte der Künstler ein weiteres seiner berühmten Werke: „Son Titus Reading“.

Bilder von einfachen Menschen und alten Menschen

Bilder von einfachen Menschen, insbesondere von alten Menschen, ziehen den Künstler zunehmend an. In seinen Werken verkörpern sie spirituellen Reichtum und Lebensweisheit. Im Jahr 1654 schuf Rembrandt das „Porträt der Frau des Bruders des Künstlers“ und 1652–1654 das „Porträt eines alten Mannes in Rot“ (siehe Abbildung oben). Der Maler beginnt sich für die Hände und das Gesicht zu interessieren, die von sanftem Licht beleuchtet werden. Es ist, als wären sie der Dunkelheit entrissen. Die Gesichter der Figuren zeichnen sich durch eine kaum wahrnehmbare Mimik aus. Dies zeigt die komplexe Bewegung ihrer Gefühle und Gedanken. Rembrandt wechselt zwischen hellen und pastosen Strichen, wodurch die Oberfläche des Gemäldes mit Licht und Schatten und bunten Farbtönen schimmert.

Schwierige finanzielle Situation

Im Jahr 1656 wurde der Künstler für zahlungsunfähig erklärt, woraufhin sein gesamter Besitz unter den Hammer kam. Rembrandt musste in das jüdische Viertel der Stadt Amsterdam umziehen. Hier verbrachte er den Rest seines Lebens in äußerst beengten Verhältnissen.

Werke von Rembrandt Harmensz van Rijn 1660

In den 1660er Jahren entstandene biblische Kompositionen fassen Rembrandts Überlegungen zum Sinn des Lebens zusammen. In seinem Werk dieser Zeit gibt es Gemälde, die dem Aufeinandertreffen heller und dunkler Prinzipien in der menschlichen Seele gewidmet sind. Eine Reihe von Werken zu diesem Thema wurden von Rembrandt Harmens van Rijn geschaffen, dessen Biografie und Gemäldeliste uns interessieren. Unter diesen Werken ist das 1660 entstandene Werk „Assur, Haman und Esther“ hervorzuheben; und auch „David und Uria“ oder „Der Fall Hamans“ (1665). Sie zeichnen sich durch einen flexiblen Pinselstil, warme, satte Farben, eine komplexe Oberflächenstruktur und ein intensives Licht- und Schattenspiel aus. All dies ist notwendig, damit der Künstler komplexe emotionale Erfahrungen und Konflikte offenlegen und den Sieg des Guten über das Böse bekräftigen kann.

Rembrandts historisches Gemälde mit dem Titel „Die Verschwörung des Julius Civilis“, auch bekannt als „Die Verschwörung der Bataver“, entstand 1661. Es ist von Heldentum und hartem Drama durchdrungen.

„Rückkehr des verlorenen Sohnes“

In seinem letzten Lebensjahr schuf der Künstler das Werk „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“. Es stammt aus den Jahren 1668-69. Dieses monumentale Gemälde ist Rembrandts wichtigstes Meisterwerk. Es verkörpert alle für ihn charakteristischen moralischen, ästhetischen und künstlerischen Fragen späte Periode seine Kreativität. Der Künstler mit höchstem Können stellt in diesem Bild eine ganze Reihe tiefer und komplexer menschlicher Gefühle dar. Künstlerische Medien er ordnet sich der Offenbarung der Schönheit der Vergebung, des Mitgefühls und des Verständnisses unter. Der Höhepunkt des Übergangs von der Anspannung der Gefühle zur erfolgreichen Lösung der Leidenschaften wird in sparsamen Gesten und ausdrucksstarken Posen verkörpert. Auf dem Foto oben sehen Sie dieses letzte Werk von Rembrandt.

Rembrandts Tod, die Bedeutung seines Werkes

Der berühmte niederländische Maler, Radierer und Zeichner starb am 4. Oktober 1669 in Amsterdam. Harmens van Rijn Rembrandt, dessen Werke vielen bekannt und beliebt sind, hatte großen Einfluss auf die weitere Entwicklung der Malerei. Dies zeigt sich nicht nur im Werk seiner Schüler, von denen Carel Fabricius dem Verständnis Rembrandts am nächsten kam, sondern auch in den Werken aller mehr oder weniger bedeutenden niederländischen Künstler. Die Gemälde vieler Meister spiegeln den Einfluss von Künstlern wie Rembrandt van Rijn wider. Das von Jacob van Ruisdael verfasste Werk „The Swamp“ ist wahrscheinlich eines dieser Werke. Es zeigt einen mit Wasser überfluteten Wüstenteil des Waldgebietes. Dieses Bild hat eine symbolische Bedeutung.

Anschließend hatte der große Rembrandt einen starken Einfluss auf die Entwicklung der realistischen Kunst im Allgemeinen. Seine Bilder und seine Biografie sind für viele Menschen immer noch von Interesse. Dies deutet darauf hin, dass seine Arbeit tatsächlich sehr wertvoll ist. Rembrandts Meisterwerke, von denen viele in diesem Artikel beschrieben wurden, inspirieren noch immer Künstler.

Was hat Rembrandt Harmens van Rijn berühmt gemacht? Sein Name sollte jedem gebildeten Menschen bekannt sein. Dies ist ein begabter niederländischer Künstler, Kupferstecher, unübertroffener Meister des Hell-Dunkels, einer der größten Vertreter des Goldenen Zeitalters – einer herausragenden Ära der niederländischen Malerei, die im 17. Jahrhundert stattfand. Der Artikel wird über das Leben und Werk dieser begabten Person berichten.

Der Beginn der Reise

Rembrandt van Rijn kam im Juli 1606 auf die Welt. Er wurde in die Familie eines wohlhabenden Müllers hineingeboren. Er war das neunte Kind, das jüngste in der Familie. Seine Eltern waren aufgeklärte Menschen. Sie bemerkten schon früh, dass der Junge von Natur aus über Intelligenz und Talent verfügte, und beschlossen, ihn statt handwerklicher Arbeit „in die Wissenschaft“ zu schicken. So landete Rembrandt in einer Lateinschule, wo er Schreiben, Lesen und die Bibel studierte. Im Alter von 14 Jahren schloss er die Schule erfolgreich ab und wurde Student an der damals europaweit bekannten Universität Leiden. Der junge Mann war der Beste im Malen, und seine Eltern zeigten erneut Weisheit und Weitsicht. Sie holten ihren Sohn von der Universität und machten ihn bei dem Künstler Jacob Isaac Svanenbuerch in die Lehre. Drei Jahre später war Rembrandt van Rijn im Zeichnen und Malen so erfolgreich, dass Peter Lastman selbst, der Leiter der Amsterdamer Malerschule, begann, sein Talent zu entwickeln.

Einfluss der Behörden

Das Frühwerk von Rembrandt van Rijn entstand unter dem Einfluss von Autoritäten wie dem niederländischen Meister der Malerei Pieter Lastman, dem deutschen Künstler Adam Elsheimer und dem niederländischen Künstler Jan Lievens.

Lastmans Vielfalt, Farbe und Liebe zum Detail sind in Werken von Rembrandt wie „Die Steinigung des Heiligen Stephanus“, „Die Taufe eines Eunuchen“ und „Szene aus“ deutlich sichtbar alte Geschichte„, „David vor Saul“, „Allegorie der Musik“.

Jan Lievens, ein Freund Rembrandts, arbeitete von 1626 bis 1631 Seite an Seite mit ihm in einem gemeinsamen Atelier. Ihre Werke überschneiden sich in vielerlei Hinsicht und ihre Stile sind so ähnlich, dass selbst erfahrene Kunstkritiker oft die Hände der Meister verwechseln.

Der Held unseres Artikels wurde von Adam Elsheimer geleitet, der die Bedeutung von Hell-Dunkel für die Vermittlung von Stimmungen und Emotionen auf Leinwand verstand. Der Einfluss des deutschen Malers ist in den Werken „Das Gleichnis vom törichten reichen Mann“, „Christus in Emmaus“, „Simeon und Anna im Tempel“ deutlich sichtbar.

Manifestation der Individualität. Erfolg

Als Harmen van Rijn 1630 starb, wurde sein Besitz unter Rembrandts älteren Brüdern aufgeteilt. Der junge Künstler arbeitete einige Zeit in der Werkstatt im Haus seines Vaters, verließ das Haus jedoch 1631, um in Amsterdam sein Glück zu suchen.

In der Hauptstadt des Königreichs organisierte er eine Werkstatt und begann sich auf Porträtkunst zu spezialisieren. Der geschickte Einsatz von Licht und Schatten, die charakteristische Mimik, die Originalität jedes einzelnen Modells – all dies prägte die Entstehung des besonderen Stils des Künstlers. Rembrandt van Rijn erhielt zahlreiche Aufträge und erzielte kommerziellen Erfolg.

1632 erhielt er den Auftrag für ein Gruppenbildnis. Als Ergebnis erblickte die Kreation „The Anatomy Lesson of Dr. Tulp“ das Licht der Welt. Das brillante Werk, für das Rembrandt ein hohes Honorar erhielt, verherrlichte ihn nicht nur, sondern bestätigte endgültig auch die schöpferische Reife des Künstlers.

Muse

Bei einem geselligen Besuch lernt der modebewusste junge Künstler die Tochter des Bürgermeisters der Stadt, Saskia, kennen. Es waren nicht so sehr die äußeren Merkmale des Mädchens (sie galt nicht als Schönheit, obwohl sie hübsch und fröhlich war), sondern vielmehr ihre beträchtliche Mitgift, die Rembrandt anzog, und sechs Monate nach ihrem Kennenlernen verlobten sich die jungen Leute, und ein Jahr später später wurden sie rechtmäßig verheiratet. Die Heirat ermöglichte es dem Helden unseres Artikels, in die höchsten Kreise der Gesellschaft vorzudringen.

Den Frischvermählten ging es gut. Rembrandt van Rijn malte viele Porträts seiner Frau, unter anderem posierte sie für ihn, als er das Meisterwerk „Danae“ schuf. Sein Einkommen war damals enorm. Er kaufte ein Herrenhaus in der prestigeträchtigsten Gegend von Amsterdam, richtete es mit luxuriösen Möbeln ein und schuf eine beeindruckende Sammlung von Kunstwerken.

Aus der Ehe gingen vier Kinder hervor, von denen jedoch nur eines überlebte jüngster Sohn Titus wurde 1641 geboren. 1642 starb Saskia an einer Krankheit. Sie hat offenbar das Glück des Meisters mitgenommen.

Verblassender Ruhm. Die Probleme des Lebens

Seit 1642 wird der Künstler vom bösen Schicksal heimgesucht. Rembrandt van Rijn erreicht den Höhepunkt seines Talents. Seine Leinwände erfreuen sich jedoch zunehmender Beliebtheit und er verliert nach und nach Kunden und Schüler. Biographen erklären dies zum Teil mit der Eigensinnigkeit des Meisters: Er weigert sich kategorisch, dem Beispiel seiner Kunden zu folgen und schafft, was sein Herz ihm sagt. Der zweite Grund für das Schwinden des Ruhms des großen Malers ist seltsamerweise sein Können und seine Virtuosität, die der Normalbürger nicht verstehen und schätzen konnte.

Rembrandts Leben verändert sich: Er wird allmählich arm und zieht von einem luxuriösen Herrenhaus in ein bescheidenes Haus am Rande der Stadt. Doch er gibt weiterhin riesige Summen für Kunstwerke aus, was zu seinem völligen Bankrott führt. Der erwachsene Sohn Titus und Hendrikje, Rembrandts Geliebte, aus deren Beziehung er eine Tochter, Cornelia, hatte, nehmen die finanziellen Angelegenheiten selbst in die Hand.

„Die Kompanie des Kapitäns Frans Baning Cocq“ – eine 4-Meter-Leinwand, das größte Gemälde des Meisters, „Badende Frau“, „Flora“, „Titus im roten Barett“, „Anbetung der Hirten“ – das sind die von ihm gemalte Werke des Meisters schwierige Zeit sein Leben.

Spätere Kreationen

In den letzten Jahren seines Lebens erreichte Rembrandt van Rijn, dessen Biografie in dem Artikel vorgestellt wird, den Höhepunkt seiner Kreativität. Er war seinen Zeitgenossen zwei Jahrhunderte voraus und prognostizierte die Entwicklungslinien der Kunst des 19. Jahrhunderts im Zeitalter des Realismus und Impressionismus. Besonderheit Seine späteren Werke zeichnen sich durch Monumentalität, großformatige Kompositionen und Klarheit der Bilder aus. Besonders charakteristisch sind in dieser Hinsicht die Gemälde „Aristoteles mit Homerbüste“ und „Die Verschwörung des Julius Civilis“. Die Gemälde „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“, „Artaxerxes, Haman und Esther“ und „Die jüdische Braut“ sind von tiefer Dramatik durchdrungen. Der Meister malte in den letzten Jahren seines Lebens viele Selbstporträts.

Rembrandt van Rijn, dessen Gemälde wahre Meisterwerke der Kunst sind, starb 1969 in Armut. Er wurde still in der Westerkerk-Kirche in Amsterdam beigesetzt. Erst einige Jahrhunderte später wurde es geschätzt.

Rembrandt Harmens van Rijn: Gemälde eines Genies

Während seiner kurzen Reise auf der Erde malte Rembrandt etwa 600 Gemälde, schuf etwa 300 Radierungen (Gravuren auf Metall) und fast 1.500 Zeichnungen. Die meisten seiner Werke werden im Rijksmuseum – dem Kunstmuseum von Amsterdam – aufbewahrt. Seine berühmtesten Gemälde:

• „Anatomie-Lektion“ (1632).
• „Selbstbildnis mit Saskia“ (1635).
• „Danae“ (1636).
• „Nachtwache“ (1642).
• „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes (166(7?)).

Rembrandt ist einer der größten Künstler der Geschichte. Bisher ist es niemandem gelungen, seinen charakteristischen Stil zu reproduzieren. Der begabte und talentierte Sohn eines Müllers hinterließ ein unschätzbares Erbe – Meisterwerke der Weltkunst.