Rembrandt Harmens van Rijn을 유명하게 만든 이유는 무엇입니까? 그의 이름은 교육받은 모든 사람에게 알려져야 합니다. 이것은 17 세기에 발생한 네덜란드 회화의 뛰어난 시대 인 황금 시대의 가장 큰 대표자 중 한 명인 재능있는 네덜란드 예술가, 조각사, 탁월한 chiaroscuro의 대가입니다. 이 기사는 이 재능 있는 사람의 삶과 일에 대해 알려줄 것입니다.

여행의 시작

렘브란트 반 레인(Rembrandt van Rijn)은 1606년 7월에 이 세상에 왔습니다. 그는 부유한 방앗간 주인의 집안에서 태어났습니다. 그는 아홉 번째 아이였고 가족 중 막내였습니다. 그의 부모는 깨달은 사람들이었습니다. 그들은 그 소년이 선천적으로 지능과 재능을 타고났다는 것을 일찍부터 알아차렸고, 수공업 대신에 그를 "과학 분야"로 보내기로 결정했습니다. 그래서 렘브란트는 라틴어 학교에 들어가 글쓰기, 읽기, 성경 공부를 했습니다. 14세에 그는 학교를 성공적으로 마치고 당시 유럽 전역에서 유명했던 라이덴 대학교에 입학했습니다. 청년은 그림을 가장 잘 그렸고, 그의 부모도 역시 지혜와 선견지명을 보여주었습니다. 그들은 대학에서 아들을 데리고 예술가 Jacob Isaac Svanenbuerch의 견습생으로 삼았습니다. 3년 후, Rembrandt van Rijn은 그림과 회화 분야에서 큰 성공을 거두었고 암스테르담 회화 학교를 이끌었던 Peter Lastman 자신도 그의 재능을 발전시키기 시작했습니다.

당국의 영향

Rembrandt van Rijn의 초기 작품은 네덜란드 화가 Pieter Lastman, 독일 예술가 Adam Elsheimer, 네덜란드 예술가 Jan Lievens와 같은 권위의 영향을 받아 형성되었습니다.

Lastman의 다양성, 색상 및 세부 사항에 대한 관심은 Rembrandt의 "The Stoneing of St. Stephen", "The Baptism of a Eunuch", "Scene from a Eunuch"와 같은 작품에서 분명하게 드러납니다. 고대 역사", "사울 앞의 다윗", "음악의 우화".

렘브란트의 친구인 얀 리벤스(Jan Lievens)는 1626년부터 1631년까지 공동 작업실에서 그와 함께 작업했습니다. 그들의 작품은 여러모로 겹치고, 스타일도 너무 비슷해 경험 많은 평론가들조차 대가의 손길을 헷갈리곤 한다.

우리 기사의 주인공은 Adam Elsheimer의 안내를 받아 캔버스에 기분과 감정을 전달하는 데 있어 명암대비의 중요성을 이해했습니다. 독일 화가의 영향은 "어리석은 부자의 비유", "엠마오의 그리스도", "성전의 시므온과 안나"작품에서 분명하게 드러납니다.

개성의 표현. 성공

1630년 Harmen van Rijn이 사망하고 그의 재산은 Rembrandt의 형들에게 나누어졌습니다. 젊은 예술가는 한동안 아버지 집에 있는 작업장에서 일했지만 1631년에 재산을 찾기 위해 암스테르담으로 떠났습니다.

왕국의 수도에서 그는 워크샵을 조직하고 초상화 예술을 전문으로 시작했습니다. 빛과 그림자의 능숙한 사용, 특징적인 얼굴 표정, 각 모델의 독창성 등 이 모든 것이 작가의 특별한 스타일 형성을 특징으로 합니다. Rembrandt van Rijn은 대규모 주문을 받기 시작했고 상업적인 성공을 거두었습니다.

1632년에 그는 단체 초상화 주문을 받았습니다. 그 결과, "툴프 박사의 해부학 수업"이라는 창작물이 빛을 보게 되었습니다. 렘브란트가 거액의 보수를 받은 뛰어난 작품은 그를 영화롭게 했을 뿐만 아니라 마침내 예술가의 창조적 성숙함을 확인시켜 주었다.

뮤즈 신

사교 방문 중에 패셔너블한 젊은 예술가가 시장 사스키아의 딸에게 소개됩니다. 렘브란트의 마음을 사로잡은 것은 소녀의 외적인 특징(그녀는 예쁘고 명랑했지만 미인으로 간주되지는 않았다)보다는 상당한 지참금이었고, 만난 지 6개월 만에 젊은이들은 약혼했고 1년이 지났다. 나중에 그들은 합법적으로 결혼했습니다. 결혼을 통해 우리 기사의 주인공은 사회의 가장 높은 계층에 들어갈 수 있었습니다.

신혼 부부는 잘 살았습니다. Rembrandt van Rijn은 걸작 "Danae"를 만들 때 아내가 그를 위해 포즈를 취하는 것을 포함하여 아내의 초상화를 많이 그렸습니다. 당시 그의 수입은 엄청났습니다. 그는 암스테르담의 가장 유명한 지역에 저택을 구입하고 고급스러운 가구를 갖추고 인상적인 예술 작품 컬렉션을 만들었습니다.

그 결혼으로 4명의 자녀를 낳았지만 단 한 명만 살아남았습니다. 막내아들 1641년에 태어난 티투스. 1642년 사스키아는 병으로 사망했다. 그녀는 주인의 행운을 가져간 것 같습니다.

사라져가는 영광. 인생의 문제

1642년부터 예술가는 사악한 운명에 시달렸습니다. Rembrandt van Rijn은 그의 재능의 정점에 도달했습니다. 그러나 그의 캔버스는 점점 인기가 줄어들고 있으며 점차 고객과 학생을 잃고 있습니다. 전기 작가들은 주인의 고의로 이것을 부분적으로 설명합니다. 그는 고객의 지시를 따르기를 단호히 거부하고 마음이 말하는 대로 창조합니다. 위대한 화가의 명성이 쇠퇴하는 두 번째 이유는 이상하게도 일반 사람들이 이해하고 평가할 수 없는 그의 기술과 기량 때문입니다.

렘브란트의 삶은 변화합니다. 그는 점차 가난해지고 호화로운 저택에서 도시 외곽의 겸손한 집으로 이사합니다. 그러나 그는 계속해서 예술 작품에 막대한 돈을 지출하고 있으며, 이는 그의 완전한 파산으로 이어집니다. 어른이 된 아들 티투스(Titus)와 렘브란트의 여주인인 헨드릭예(Hendrikje)는 딸 코넬리아(Cornelia)를 낳았고, 재정 문제를 스스로 해결합니다.

"Frans Baning Cocq 선장의 회사"- 4m 캔버스, 주인의 가장 큰 그림, "목욕하는 여인", "플로라", "빨간 베레모를 쓴 티투스", "목자들의 숭배"- 이들은 다음 작품입니다. 인생의 어려운시기에 그가 쓴 주인 .

이후 창작물

안에 최근 몇 년기사에 전기가 실린 삶 Rembrandt van Rijn은 창의력의 정점에 도달했습니다. 그는 동시대 사람들보다 200년 앞서 있었고, 사실주의와 인상주의 시대의 19세기 미술 발전 방향을 예측했습니다. 독특한 특징그의 후기 작품은 기념비주의, 대규모 구성 및 이미지의 명확성이 특징입니다. 이와 관련하여 그림 "호머의 흉상을 가진 아리스토텔레스"와 "줄리어스 시민의 음모"가 특히 특징적입니다. 캔버스 "귀환"에는 깊은 드라마가 스며 듭니다. 탕자", "Artaxerxes, Haman 및 Esther"및 "The Jewish Bride". 주인은 그의 생애 말년에 많은 자화상을 그렸습니다.

진정한 예술 걸작의 그림을 그린 렘브란트 반 레인(Rembrandt van Rijn)은 1969년 빈곤으로 사망했습니다. 그는 암스테르담의 Westerkerk 교회에 조용히 묻혔습니다. 그것은 몇 세기 후에야 높이 평가되었습니다.

렘브란트 하르멘스 반 레인(Rembrandt Harmens van Rijn): 천재의 그림

지구에서의 짧은 여행 동안 렘브란트는 약 600점의 그림을 그렸고 약 300점의 에칭(금속 판화)과 거의 1,500점의 드로잉을 만들었습니다. 그의 작품 대부분은 암스테르담 미술관인 Rijksmuseum에 보관되어 있습니다. 그의 가장 유명한 그림은 다음과 같습니다.

• "해부학 수업"(1632).
• "사스키아와 함께 있는 자화상"(1635).
• "다나에"(1636).
• "야경"(1642).
• “탕자의 귀환(166(7?)).

렘브란트는 역사상 가장 위대한 예술가 중 한 명입니다. 아직까지 그의 독특한 스타일을 복제할 수 있는 사람은 아무도 없습니다. 밀러의 재능 있고 재능 있는 아들은 귀중한 유산, 즉 세계 예술의 걸작을 남겼습니다.

네덜란드 화가 렘브란트 하르멘스 반 레인(Rembrant Harmens van Rijn, 1606~1669).

1620년 레이덴 대학에 입학한 렘브란트는 곧 그 대학을 떠나 그림을 공부하기 시작했습니다. 1625-1631년 그는 고향에서 일했습니다. 그의 초기 주요 작품은 종교적인 주제의 그림과 초상화였습니다.

1632년은 렘브란트에게 행복한 해였습니다. 그는 암스테르담으로 이주하여 부유한 도시 거주자인 Saskia van Uylenburg와 결혼했으며, "툴프 박사의 해부학 수업"이라는 그림은 젊은 화가에게 보편적인 인지도를 가져다주었습니다.

그의 인생에서 가장 번영하는 10년이 주인을 위해 시작되었습니다. 그에게는 많은 학생이 있었습니다(렘브란트의 학교). 이 기간 동안 그는 "사스키아와 함께한 자화상"(1635), "다나에"(1636) 등의 걸작을 썼습니다.

1930년대 렘브란트의 극도로 쾌활한 예술. 르네상스와 바로크 거장의 경험과 고전 주제에 대한 혁신적인 접근 방식을 결합합니다.

성공의 시기는 1642년에 갑자기 끝났습니다. 암스테르담 사격 길드 회원들의 단체 초상화인 장엄한 작품 "Night Watch"는 예술가의 혁신을 높이 평가하지 않는 고객들에 의해 거부되었고 그를 날카로운 비판을 받았습니다.

렘브란트는 거의 모든 학생들이 명령을 받는 것을 중단했습니다. Saskia는 같은 해에 사망했습니다.

40년대부터. 렘브란트는 그의 작품에서 연극적 효과를 포기했고 그의 그림에서는 신비주의적이고 명상적인 원리가 강화되었습니다. 예술가는 종종 그의 두 번째 아내인 Hendrikje Stoffels의 이미지에 의지했습니다.

그림 "성가족(The Holy Family)"(1645), 일련의 자화상, 최고의 풍경은 깊이, 차분함, 정서적 풍부함이 특징입니다. 그러나 실패는 계속해서 렘브란트를 괴롭혔습니다. 1656년에 그는 파산 채무자로 선고되었고 그의 재산은 경매에서 팔렸고 가족은 암스테르담 유대인 지구에 있는 소박한 집으로 이사했습니다.

시청에서 의뢰한 그림 "줄리어스 시빌리스의 음모"(1661)는 "야경"의 운명을 공유했습니다. 1663년에 화가는 그의 아내와 아들을 묻었습니다.

시력이 나빠졌음에도 불구하고 렘브란트는 계속해서 그림을 그렸습니다. 그의 작품의 독특한 결과는 캔버스 "탕자의 귀환"(1668-1669)이었습니다.

렘브란트, 하멘스 반 라인(Rembrandt, Harmenz van Rijn) (1606-1669) - 17세기에 살았던 가장 위대한 예술가, 화가, 제도가, 동판화가. 네덜란드에서.

1606년 7월 15일 라이덴에서 부유한 방앗간 주인 Harmen Gerrits와 그의 아내 Neeltge Willems van Zeitbroek는 렘브란트라는 이름의 여섯 번째 아이를 낳았습니다. 공장은 도시를 가로지르는 라인강에서 멀지 않은 곳에 있었기 때문에 Harmen Gerrits는 van Rijn으로 불리기 시작했고 온 가족이성에 이 추가를 받았습니다.

렘브란트에게 좋은 교육을 준 부모는 그가 과학자나 공무원이 되기를 원했습니다. 그는 라틴 학교에서 공부한 후 1620년부터 레이덴 대학교에서 공부하고 졸업하지 않고 떠났습니다. 어린 시절부터 나타난 그림에 대한 갈망은 그를 지역 화가 Jacob van Swanenburg의 작업장으로 이끌었습니다. 그는 렘브란트에게 그림과 그림의 기초를 가르치고 그에게 예술사를 소개했습니다. 그와 3년 동안 공부한 후 렘브란트는 1623년 암스테르담으로 이주하여 유명한 화가 피터 라스트만(Pieter Lastman, 1583~1633)과 함께 공부를 계속했습니다. 그러나 훈련은 6개월밖에 지속되지 않았다. 1624년 렘브란트는 라이덴으로 돌아와 그곳에서 친구인 얀 리벤스(Jan Lievens)와 함께 그림 작업장을 열었습니다.

17세기에 네덜란드에서는 스페인에 대한 승리 이후 가톨릭교가 ​​금지되었습니다. 개신교는 교회의 그림 같은 장식을 허용하지 않습니다. 따라서 이전에 회화의 최대 고객이었던 교회는 이러한 역할을 상실하고 있으며, 부유한 시민인 대중부르주아 계층이 전면에 나서고 있다. 버거 하우스를 장식하기 위한 그림은 이제 새로운 목표를 충족해야 합니다. 크기가 변하고, 새로운 주제가 등장하며, 회화장르의 구분이 생기고, 일상장르, 풍경화, 정물화, 인물화에 대한 관심이 심화되고, 집단초상화의 유형이 전개된다. 렘브란트는 과거와 동시대의 예술가들로부터 배우고 회화와 조각 기술을 습득했습니다. 그는 주조, 판화, 사본을 통해 이탈리아 예술을 연구하고 이탈리아 예술의 인본주의적 시작을 인식합니다. 17세기에 시작된 바로크 양식 역시 그의 작품에 큰 영향을 미쳤으나, 이 양식의 세련미와 화려함, 강조된 연극성은 렘브란트의 탐구와는 거리가 멀다. 그는 17세기 유럽 회화의 사실주의 운동의 창시자인 미켈란젤로 메리시 다 카라바조(1573~1510)의 작품의 팬이었습니다.

이미 렘브란트의 라이덴 시대 초상화에서는 인간의 내면 세계에 대한 작가의 관심이 눈에 띕니다. 공개에 집중 마음의 상태묘사된 그는 사소한 세부 사항을 생략했습니다( 늙은 전사의 초상, 좋아요. 1630년, 상트페테르부르크, 국립 에르미타주 박물관). 그는 최초의 서술형 그림을 만들었습니다( 사원에서 상인 추방, 1626, 모스크바, 푸쉬킨 박물관 im. A.S. 변경됨, 1627, Berlin-Dahlem), 중앙에 과학자들이 있는 캔버스( 현자들의 대화, 1628, 멜버른, 내셔널 갤러리; 테이블에 과학자, 1628, 런던, 내셔널 갤러리; 과학자의 초상, 1631, 상트 페테르부르크, 국립 에르미타주 박물관). 그는 조각 기술을 주의 깊게 연구하여 많은 그림, 판화, 에칭을 만듭니다.

1631년 말, 유명한 초상화가이자 역사화 작가인 렘브란트는 최대 무역 도시인 암스테르담으로 이주했습니다. 암스테르담에서 렘브란트가 그린 최초의 그림 중 하나인 발라 그림 Tulpa 박사의 해부학 강의(1632, 헤이그, 마우리츠하위스), 단체 초상화의 전통에 속함. 작가는 모든 캐릭터의 초상화 유사성을 전달하지만 각 초상화가 동일한 위치를 차지하는 그룹 초상화의 전통과 달리 여기에서는 모든 캐릭터가 정서적으로 툴파에 종속됩니다. 그 그림은 큰 관심을 불러일으켰고, 렘브란트는 암스테르담의 패셔너블한 젊은 초상화 화가 중 한 사람이 되었습니다.

1634년에 렘브란트는 귀족이자 부유한 귀족이었던 사스키아 반 윌렌부르그(Saskia van Uylenburg)의 전 Leeuwarden 시장의 딸과 결혼했습니다. 결혼 후 그는 구매 큰 집. 고급스러운 물건으로 집을 꾸미는 예술가는 Raphael, Giorgione, Dürer, Mantegna, van Eyck의 작품과 Titian Michelangelo의 작품 조각을 포함하는 풍부한 컬렉션을 만듭니다. 렘브란트는 페르시아 미니어처, 꽃병, 조개껍데기, 진품 골동품 흉상, 중국과 일본 도자기, 베네치아 유리, 고가의 동양 직물, 여러 나라의 의상, 태피스트리, 악기.

30년대 렘브란트는 번영하고 성공했으며 부유한 예술가였으며 이는 그의 작품에도 반영되어 있습니다. 많은 그림에서 그는 사랑하는 아내 사스키아( 웃고 있는 사스키아의 초상, 1633, 드레스덴, 미술관; 플로라, 1634, 상트 페테르부르크, 국립 에르미타주 박물관; 삼손의 결혼식, 1638, 드레스덴, 주립 미술관). 특히 주목할 만한 것은 유명하다. Saskia가 있는 자화상 무릎(1635, 드레스덴, 주립 미술관). 그는 반쯤 변한 사스키아를 안고 무릎에 앉아 그녀를 보는 사람에게 등을 돌리는 와인 한 잔을 들고 쾌활한 신사임을 보여줍니다. 사진이 꽉 차있네요 활력, 에너지와 그의 아내에 대한 사랑이 스며 들었습니다. 성경을 주제로 한 유명한 그림은 같은 시기로 거슬러 올라갑니다( 벨사살의 잔치, 1634, 런던, 내셔널 갤러리; 희생 아브라함, 1635, 상트페테르부르크, 국립 에르미타주 박물관), 풍경( 연못과 아치형 다리가 있는 풍경, 1638, 베를린-달렘; 폭풍우가 몰아치는 풍경, 1639, Brunswick, Duke Anton Ulrich 주립 박물관), 기념 초상화, 에칭. 렘브란트가 그림과 드로잉 기법을 완성하여 그의 작품에 최고의 표현력과 깊이를 부여한 시기입니다. 전통적인 글쓰기 방법과 주제를 드러내는 접근 방식을 연구하면서 그는 작품에서 이러한 전통에서 점점 더 멀어지고 있습니다. 촘촘한 물감층 위에 투명과 반투명 물감을 얇게 덧입혀 캔버스의 단일한 회화적 면을 만들어 내는 매끄러운 유약 붓터치 대신, 그는 점차 세밀한 디테일을 버리고 날카롭고 임파스토적인 필치로 그림을 그린다.

40년대 초반까지 렘브란트는 인기 있고 높은 보수를 받는 화가였습니다. 1930년대에 그는 약 60점의 의뢰받은 초상화를 그렸습니다. 그에게는 약 15명의 학생이 있습니다. 이 시기 렘브란트의 가장 유명한 그림 중 하나는 다음과 같습니다. 다나에(1636-1646, 상트페테르부르크, 국립 에르미타주 박물관). 신화 속 주인공을 네덜란드의 부유한 시민 집의 호화로운 벽감에 배치한 그는 벨벳 캐노피, 우아하게 수놓은 베개를 능숙하게 묘사하고 황금빛 광선과 다나에의 아름다운 알몸에 범람하는 부드러운 파도를 존경합니다.

그는 명성이 절정에 달했던 가족의 행복의 시기에 그림 작업을 시작했습니다. 그러나 이후 몇 년 동안 많은 변화가 있었습니다. 렘브란트의 세 자녀는 그의 마지막 아들인 티투스(Titus)가 태어난 지 몇 달 뒤, 그의 사랑하는 아내 사스키아(Saskia)가 죽고(1642) 곧 어머니와 자매들을 잃었습니다. 그의 아내의 마지막 초상화 중 하나는 다음과 같습니다 마지막 사스키아의 초상화(1643년, 베를린 – 달렘).

40년대 초, 렘브란트는 소총 분리대 대장인 프란스 반닝콕(Frans Banning-Kok)으로부터 암스테르담 소총 길드의 새 건물 본관에 분리대의 대규모 그룹 초상화를 그려 달라는 명령을 받았습니다. 유명인이 만들어지고 있어요 야경(1642, 암스테르담, 국립 미술관) (3.87–5.02m). 18개 유닛은 마을 사람들로 둘러싸인 하나의 응집력 있는 그룹입니다. 행진하는 화살은 흔들리는 깃발 아래 건물의 아치에서 조명이 켜진 광장으로 나옵니다. 그룹 초상화는 렘브란트가 시민의 이상에 대한 자신의 생각을 구현한 독특한 역사적 그림의 성격을 띠고 있습니다. 그림에 대한 동시대 사람들의 의견은 나뉘어졌습니다. 일부는 걸작을 즉시 보았고 고객을 포함한 다른 사람들은 그림이 그룹 초상화의 전통을 충족하지 못한다는 것을 발견했습니다. 따라서 그들은 그것을 의도하지 않은 다른 작은 장소에 걸어 놓고 캔버스를 사방에서 잘라 그림의 구성을 방해했습니다. 그럼에도 불구하고 그녀는 각 캐릭터에 날카로운 심리적 특성이 부여되는 그룹 초상화의 탁월한 예입니다.

50년대와 60년대는 뛰어난 걸작들이 탄생한 시기이자 작가와 당국과의 갈등이 심화된 시기였습니다. 당국은 전직 렘브란트 집의 하인이었던 헨드리케 스토펠스가 그의 사실혼 부인이 되었다는 사실에 불만을 품었습니다. 아티스트는 공식적으로 그녀와 결혼할 수 없었습니다. 왜냐하면... Saskia의 유언에 따르면 Rembrandt는 새로운 결혼을 시작하면 아들 Titus의 상속 재산의 후견인이 될 권리를 박탈당했습니다. 교회는 결혼으로 성화되지 않은 관계 때문에 헨드리케를 박해했습니다.

렘브란트는 헨드릭예를 반복적으로 묘사하고 그녀는 그의 모델이 됩니다. 풍성한 옷을 입은 헨드리케의 초상화, 1654, 파리, 루브르; 헨드리케 스토펠스의 초상, 1657-1658, 베를린 – 달렘; 그림 속 마리아의 모습 성가족, 1645, 상트 페테르부르크, 국립 에르미타주 박물관, 또한 그녀의 특징에서 영감을 얻었습니다).

렘브란트는 명령을 거의 완전히 박탈당했습니다. 이때 그는 성경과 신화를 주제로 그림을 그렸습니다. 조셉, 펜테프리의 아내에 의해 고발됨(1655, 워싱턴, 내셔널 갤러리), 엠마오의 그리스도(1648, 파리, 루브르 박물관). 렘브란트 작품의 중심에는 인간이 있다. 내면의 세계, 경험과 기쁨. 그는 초상화에 많은 관심을 기울이고 모델의 영적 세계를 드러내는 데 중점을 둡니다. 초상화 노부인(1654, 모스크바, 푸쉬킨 주립 미술관), 빨간색 옷을 입은 노인의 초상(1654년, 상트페테르부르크, 국립 에르미타주 박물관), 디도서 읽기(c. 1657, 비엔나, 미술사 박물관), 초상화 얀 식사(1654, 암스테르담, Six Collection). 다재다능함이 돋보이는 작가의 후기 자화상 역시 이러한 유형의 초상화에 속한다. 심리적 특성: 자화상(1652년경, 비엔나, 미술사 박물관), 자화상(1660, 파리, 루브르 박물관). 렘브란트는 당시 매우 드물었던 그림 의뢰를 받았습니다. 아리스토텔레스 명상 호머의 흉상(1653, 뉴욕, 메트로폴리탄 미술관).

재정적 번영을 누렸던 시기에 호화로운 집을 구입한 렘브란트는 그 금액의 절반만 지불했습니다. 특히 Saskia가 사망한 후 남은 부채로 인해 예술가는 점차 파산하게 되었습니다. 채권자들은 정식 소송을 제기하고 법원의 구금 명령을 구합니다. 예술가에 대한 박해 캠페인에는 Saskia의 일생 동안 Rembrandt가 갈등을 겪은 Saskia의 친척도 포함됩니다. 그들은 예술가가 아내의 재산을 낭비하고 있다고 주장했습니다. 당시 렘브란트는 아내보다 더 많은 노동을 통해 재산을 모았지만, 엄청난 예술적 가치를 수집했습니다. 다시 교회는 Hendrickje와의 동거를 비난하고 그들의 딸 Cornelia는 사생아로 선언됩니다. 1656년 법원 결정에 따라 암스테르담 시청은 렘브란트를 파산 채무자로 선언하고 재산 목록을 작성했으며 1656~1658년에 매각되었습니다. 예술가 재산의 실제 가치는 그의 부채 규모보다 몇 배 더 컸습니다. 컬렉션의 가치는 17,000길더였습니다. 그러나 그것은 단지 5,000에 팔렸고 집의 가치는 원래 가격의 절반으로 평가되었습니다. 그러나 모든 채권자가 만족한 것은 아니다. 그리고 법원은 빚을 갚기 위해 예술가가 창작할 모든 그림을 팔아야 한다고 판결했고, 법원은 렘브란트에게 웨어러블과 그림 용품을 제외한 재산을 가질 권리도 박탈했는데, 이는 비참한 삶을 의미했습니다. 렘브란트의 가족은 암스테르담의 가장 가난한 지역으로 이사합니다. 아버지가 몰락한 후, 티투스는 자신의 재산을 렘브란트의 채권자들이 완전히 접근할 수 없도록 하기 위해 자신의 전 재산을 여동생 코넬리아에게 맡기는 유언장을 작성하고 렘브란트를 그 돈을 사용할 권리가 있는 후견인으로 임명합니다. .

어려운 상황에도 불구하고 렘브란트는 계속해서 그림을 그립니다. 주로 자화상, 친척의 초상화입니다. 티투스의 초상화, 1660, Baltimore, Jacobs Collection)은 다시 성서에 나오는 다윗의 이미지로 변합니다 ( 사울 앞의 다윗, 1657, 헤이그, 마우리츠하위스).

1660년에 티투스와 헨드릭제는 골동품 가게를 열었고, 그곳에서 렘브란트가 전문가로 고용되었습니다. 그리고 법원 결정에 따라 렘브란트가 새로 그린 그림은 채권자에게 양도되어야했지만 그의 고용 계약을 통해 예술가는 그의 작품을 골동품 가게로 옮길 기회를 얻었습니다. 이를 통해 가족은 수입을 늘리고 집을 구입할 수 있었습니다. 다시 한번 작가는 성경적 주제에 대한 자화상과 그림으로 전환합니다. 아닥사스다, 하만, 에스더, 1660, 모스크바, 푸쉬킨 박물관 im. A.S. 다른 예술가들 사이에서 그는 암스테르담 시청을 장식하라는 주문을 받습니다. Julius Civillis의 음모또는 보타브의 맹세, 1661, 스톡홀름, 국립 박물관). 회화 (사이즈 약 30 평방미터)은 '수정을 위해' 아티스트에게 반환됩니다. 그러나 렘브란트는 변경을 거부했고 다른 예술가에게 명령이 주어졌습니다. 이 캔버스의 일부에서 렘브란트는 또 다른 주문인 유명한 그룹 초상화를 완성했습니다. 신딕스(1662, 암스테르담, 국립 미술관). 옷가게 작업장의 신딕, 감독, 기업들이 정장을 입은 검은 양복을 입고 테이블에 앉아 있습니다. 구성의 명확성과 균형, 세부 사항 선택의 간결함과 정확성, 한 그룹의 사람들의 완전한 이미지 생성, 이미지의 기념비적 성격을 강조하는 특이한 각도, 일어나고 있는 일의 엄숙함-이 모든 것 이 그림을 회화의 위대한 걸작으로 분류합니다.

1663년에 헨드리케는 죽고 유언장에 따라 골동품 가게를 티투스에게 남기고 작은 유산을 렘브란트에게 물려줍니다. 렘브란트는 딸 코르넬리아의 후견인이 됩니다. 2년 동안 창작 활동을 중단한 후 그는 다음과 같은 유명한 그림을 그렸습니다. 데이비드와 우리아(1665, 상트페테르부르크, 국립 에르미타주 박물관), 유대인 신부(1665, 암스테르담, 국립 미술관), 가족 초상화(1668-1669, Breungschweig, Duke Anton Ulrich 주립 박물관). 그러나 렘브란트의 전체 작품의 진정한 신격화는 그림이었습니다. 탕자의 귀환 아들(1668-1669, 상트페테르부르크, 국립 에르미타주 박물관). 작가는 이 주제를 반복적으로 다루었습니다(스케치와 스케치는 이미 30년대에 찾을 수 있음). 거대한 캔버스(260×205cm)에는 무릎을 꿇고 아버지의 지붕으로 돌아가는 아들의 모습이 뒤에서 그려져 있다. 그의 모습은 비극적인 인생 배움의 길을 걸어온 한 남자의 회개를 형상화하고 있다. 큰 친절로 거룩해진 늙은 아버지, 포용하고 용서하는 아들의 현명하고 영적인 얼굴은 캐릭터의 영혼을 꿰뚫고 그들의 모든 경험을 캔버스에 보여주는 방법을 아는 대가인 렘브란트의 걸작입니다. 이것은 고통과 큰 사랑에 대한 그림입니다.

1668년 2월 티투스는 막달레나 반 루(Magdalena van Loo)와 결혼했지만 곧 사망했습니다. 이것은 렘브란트에게 큰 타격을 주었고 1669년 10월 8일에 그는 딸 코르넬리아의 품에 안겨 사망했습니다.

렘브란트의 창조적 유산은 엄청납니다: 회화 약 600점, 에칭 약 300점, 드로잉 1,400점. 그것은 Gerrit Dou, Govart Flink, Samuel van Hoogstraten, Karel Fabritius, Nicholas Mas 등 그의 학생들의 작업에 영향을 미쳤습니다. 그것은 또한 수년 후에 높이 평가되었지만 전체적으로 세계 예술의 발전에 영향을 미쳤습니다. 넓은 주제 범위, 휴머니즘, 표현력 추구 예술적 수단, 최고의 기술을 통해 예술가는 당시의 진보된 아이디어에 생명을 불어넣을 수 있었습니다. 그의 작품의 감성은 훌륭하며, 따뜻하고 가까운 톤과 최고급 색상의 조합을 바탕으로 만들어진 그림의 채색이 만들어냅니다. 렘브란트는 성서적, 역사적, 신화적, 가정의 주제, 초상화와 풍경은 조각과 에칭의 위대한 대가였습니다. 그는 자신의 작업에서 인간, 내면 세계, 경험, 영적 부의 계시에 중점을 두었습니다. 렘브란트의 창의적인 인물은 세계 예술의 가장 큰 대표자들과 함께 수세기 동안 우뚝 솟아 있습니다.

니나 바이요르

Rembrandt Harmensz van Rijn(1606-1669)은 네덜란드의 가장 위대한 예술가, 화가, 동판화가 및 초안가입니다. 그는 라이덴(Leiden)의 방앗간 주인 가문에서 태어나 그곳에서 1632년경까지 일했고 그 후 암스테르담으로 이주했습니다. 1634년에 렘브란트는 부유한 가문의 소녀인 사스키아 반 윌렌버치(Saskia van Uylenburch)와 결혼했는데, 그의 이미지는 특별한 부드러움과 사랑으로 많은 초상화에서 불멸의 이미지로 남았습니다.

1640년대 이후 렘브란트의 작품, 특히 종교적인 주제를 그린 그림에서 명암법은 긴장된 감정적 분위기를 조성하면서 중요해졌습니다. 작가는 현상의 숨겨진 본질, 묘사되는 사람들의 복잡한 내면 세계에 관심이 있습니다.

1642년 운명은 렘브란트에게 큰 타격을 주며 사스키아는 죽습니다. 같은 해에 그는 그의 가장 뛰어나고 유명한 그림인 Night Watch를 그렸는데, 그 구성 솔루션은 전통적인 그룹 초상화와 공통점이 없습니다.

그의 최신 작품은 그의 장인정신의 정확성에 놀라움을 금치 못합니다.

비교할 수 없는 초상화 갤러리의 정점이 된 렘브란트의 마지막 자화상에서 관객은 어려운 시련과 상실의 괴로움을 금욕적으로 견디는 한 남자를 보게 됩니다(1668년에 그는 사랑하는 Hendrickje Stoffels를 잃었고 1668년에 그의 아들 Titus를 잃었습니다). .

렘브란트는 거의 모든 장르에서 훌륭한 작품을 만들었으며 다양한 글쓰기 기법(회화, 소묘, 에칭)을 사용했습니다. 가장 위대한 거장, 그는 많은 유명 예술가들에게 영향을 미쳤습니다. 렘브란트의 이름을 둘러싼 명성의 후광은 사라지지 않았고, 그가 죽은 후에도 그는 역대 뛰어난 화가 중 한 사람으로 진정한 인정을 받았습니다.

1636년부터 1647년까지

Rembrandt Harmens van Rijn은 네덜란드 최고의 예술가이자 그래픽 아티스트입니다. 그는 대형 캔버스에 그림을 그린 네덜란드 예술가인 "대형 네덜란드인"의 대표자입니다.

Rembrandt Harmens van Rijn은 1606년 7월 15일 네덜란드 라이덴 시에서 태어났습니다. 그의 아버지 Harmen van Rijn은 부유한 방앗간 주인이었고 그의 어머니 Neltje Willems van Zeitburg는 제빵사의 딸이었습니다. 렘브란트는 대가족의 여섯 번째 자녀였습니다. 라이덴에서 렘브란트는 라틴 학교에서 공부했고 13세에 라이덴 대학교에 입학했지만 그곳에 머물지 않았습니다. 소년은 그림에 더 관심이 많았고 아들의 재능을 본 렘브란트의 아버지가 그를 도왔습니다. 렘브란트는 16세 때 그의 첫 번째 선생님과 함께 시각 예술을 공부하기 시작했습니다.야콥 반 스와넨버치 - 라이덴의 역사화가이자 16세기 말 이 도시의 가장 저명한 화가인 Isaac Claes Swanenburch의 아들입니다.게다가 렘브란트는 먼 친척이었어.

1623년에 렘브란트는 암스테르담으로 이주하여 역사적, 신화적, 성서적 주제로 유명해진 피터 라스트만(Pieter Lastman)과 함께 6개월 동안 공부했습니다. 렘브란트는 10대 때 자신의 작업실에 왔기 때문에 당시 매우 유명했던 이 예술가로부터 많은 것을 배웠습니다. 렘브란트가 조각 기술을 배운 곳은 바로 그의 작업실이었습니다. 다양성과 과도한 세부 묘사에 대한 라스트만의 취향은 처음에는 젊은 렘브란트에게 큰 영향을 미쳤습니다. 렘브란트의 초기 그림 : "성 스테판 사도의 투석"(1625. 리옹 미술관), "아가멤논 앞의 팔라메디아"(1626), "내시의 세례"(1626. 위트레흐트. 캐서린 주립 박물관), "콘서트"(풍만한 사랑의 음악 수업)(1626. 암스테르담 주립 박물관. 국립 박물관), "골리앗의 머리를 든 다윗"(1627. 바젤. 공개 미술 컬렉션), "Tobit Praying"(Tobit는 Anna가 아이를 훔쳤다고 비난합니다) ) (1626. 암스테르담 주립 박물관. Rijksmuseum), "발람과 당나귀"(1627). 이 그림들은 매우 다채롭고, 세세한 부분까지 세심하게 묘사되어 있으며, 성서 전설의 배경 자체가 확실하게 전달됩니다. 그러나 이미 이 초기 그림들에는 작가를 그토록 유명하게 만든 빛과 그림자 효과가 나타나 있습니다.

1627년에 렘브란트는 라이덴으로 돌아왔습니다. 스무 살에 그는 독립적으로 그림 작업과 판화 작업도 했습니다. 거리를 거닐던 렘브란트는 광택을 낸 판 위에 끌로 자신이 좋아하는 이미지를 포착했다. 그는 또한 자신의 친척과 자화상을 묘사한 일련의 판화를 만듭니다. 라이덴에서 렘브란트는 재능이 동등한 친구 Jan Lievens와 함께 작업했습니다. 예술가들은 서로의 작업에 상호 영향을 미치며 때로는 일종의 공동저자 형태로 같은 주제를 다루기도 한다. 이러한 이유로 미술사가들이 렘브란트의 그림과 1628-1632년의 리벤스의 그림 사이에 선을 긋는 것은 꽤 어렵습니다. Livens의 걸작 중 일부는 Rembrandt의 작품으로 간주되는 반면 후자의 덜 가치 있는 그림은 Levins의 작품으로 간주됩니다.

이미 라이덴 시대에 렘브란트의 독창성은 주제를 전개하는 방식에서 나타나기 시작했습니다. 다른 바로크 거장들과 마찬가지로 렘브란트도 감정 전달에 있어 명암대비의 중요성을 탐구했습니다. 렘브란트의 작품은 전체 그룹 회화 시리즈의 창시자인 Joris van Schooten, 최후의 심판 회화에 속하는 붓을 쓴 Luca Leiden, 당시 유럽 최고의 예술가로 여겨졌던 Peter Paul Rubens와 같은 예술가들의 영향을 받았습니다. 예술가 Adam Elsheimer와 Caravaggists의 그림과 빛과 그림자 작업에 관한 그의 교사. Caravaggists에 가장 가까운 스타일의 렘브란트의 그림은 "돈 바꾸는 사람"(어리석은 부자의 비유)(1627, 베를린), "성전 소개"(1628), "엠마오의 그리스도"(1629)입니다. . 작가가 작업 중 화실에서 자신의 모습을 포착한 초상화는 렘브란트가 우리에게 전한 최초의 자화상(1628)이다.

1629년에 이 예술가는 시인이자 자선가인 슈타트홀더 콘스탄틴 하이겐스(Konstantin Heygens)의 비서의 주목을 받았습니다. 그의 편지 중 하나에서 Hagens는 Lievens와 Rembrandt를 유망한 젊은 예술가로 묘사합니다. 그는 렘브란트의 캔버스 "유다가 은화 30개를 돌려준다"(1629. 개인 소장품)를 이탈리아 최고의 작품과 비교하지만 예술가의 그림 그리기 방치를 비난합니다. 아마도 하겐스의 중재 덕분인지 렘브란트는 부유한 고객과 접촉했고 슈타트홀더는 렘브란트와 리벤스의 그림을 구입하기 시작했습니다. 렘브란트는 오렌지 왕자를 위해 종교적인 주제로 여러 그림을 그렸습니다. 그러나 그리스도의 열정은 큰 성공을 거두지 못했습니다.

1631년 렘브란트는 당시 제2의 베니스로 여겨졌던 암스테르담으로 다시 이사했습니다. 렘브란트는 다양한 계층의 많은 사람들을 만납니다. 수많은 초상화는 예술가가 암스테르담 사회의 가장 높은 계층에 포함되었음을 나타냅니다. 평범한 사람들이 그를 위해 성경적 장면을 위해 포즈를 취했습니다. 렘브란트가 암스테르담으로 이주한 후 처음 10년은 인상적인 규모와 주제를 지닌 많은 작품을 창작한 시기였습니다. 남성과 여성의 머리 연구에서 그는 얼굴 표정과 각 모델의 고유성을 탐구합니다. 작가는 환상적인 옷과 복잡한 포즈로 자신을 묘사하는 자화상을 자주 그립니다. 렘브란트는 자신의 판화를 인쇄하며 각 판화는 여러 획이나 선이 이전 판화와 다릅니다. 이 인쇄물은 빠르게 매진되었습니다. 그의 작품은 국내는 물론 해외에서도 바이어를 찾았습니다.

렘브란트는 값비싸고 희귀한 물건을 수집하는 열렬한 수집가가 되었습니다. 그는 최근에 파낸 운하 기슭에 있는 자신의 저택을 골동품 상인에게서 구입한 예술품으로 가득 채웠습니다. 여기에는 이탈리아 거장의 그림과 판화, 루벤스의 여러 작품, 골동품 흉상, 무기, 악기, 인도 갑옷, 고급 일상 용품이 포함되었습니다. 예술가는 Titian과 그의 "Ariosto", Raphael의 Balthazar Castiglione 초상화, van Dyck의 초상화와 같은 위대한 전임자와 동시대의 작품을 면밀히 연구했습니다.

그룹 초상화 "툴프 박사의 해부학 수업"(1632. 헤이그, 마우리츠하위스)은 렘브란트를 찬양했으며 예술가의 첫 번째 위대한 작품으로 간주됩니다. 1555년 네덜란드에서는 의사들이 인체를 검사할 수 있도록 하는 법이 통과되었고, 많은 의사들이 다음과 같은 강의를 했습니다. 해부학적 구조특별한 해부학적 극장에 있는 인간. "Tulp 박사의 해부학 수업"이라는 그림에서 암스테르담의 뛰어난 외과의사이자 해부학과를 이끌었던 과학자인 Nicholas Tulp 박사(실명 Claes Pieterszoon)가 의사들에게 왼쪽 팔뚝 근육의 구조를 보여줍니다. 그림은 사실주의와 자연주의에 놀랐습니다. 구성은 매우 독창적입니다. 인물이 테이블 주위에 배치되거나 평행선으로 정렬되어 피사체의 머리가 시청자에게 동일하게 표시되는 일반적인 구성과 일치하지 않습니다. 이러한 일반적인 형식적 전통과는 반대로, 외과 의사들은 자연스러운 포즈로 묘사되며 수술 과정에 열정을 갖고 있는 사람들의 피라미드 구성으로 뭉쳐 있습니다. 렘브란트는 강사와 학생들의 생각과 감정을 얼굴 표정과 몸짓을 통해 전달할 수 있었습니다. 많은 관심렘브란트는 그림을 가득 채우는 조명에 주목해 캔버스에 특별한 긴장감을 조성한다. "툴프 박사의 해부학 수업"이라는 그림은 그것을 보기 위해 의료 기관의 강당에 들어가고 싶어하는 많은 암스테르담 사람들의 관심을 끌었습니다.

1634년에 렘브란트는 매우 귀족 가문 출신의 부유한 소녀 사스키아 판 아일렌부르그(Saskia van Uylenburgh)와 결혼했습니다. 이 행사는 그들의 재산을 늘려 예술가에게 시민의 저택 문을 열어주었습니다. 특별 주문으로 렘브란트는 단체 초상화를 그렸습니다. 고객은 배우자와 함께 그려지는 것을 선호했습니다. 렘브란트는 그러한 초상화를 수십 점 그렸으며 일반적으로 두 개의 서로 다른 캔버스에 배우자를 묘사했습니다. 화가는 이중 초상화를 두 번만 그립니다. 한 캔버스에 두 사람을 설득력 있게 배치하는 것이 쉽지 않기 때문입니다.

“조선업자와 그의 아내”(Jan Rijksen과 그의 아내 Griet Jans의 초상화) (1633. London. Royal Collection).
작가는 부부를 비공개 설정. 아내가 사무실에서 일하는 남편에게 편지를 전달하는 에피소드는 그림을 장르적 장면으로 바꿔놓는다. 그림의 색 구성표는 흑백이 지배적입니다. 주요 악센트는 아티스트가 얼굴과 일부 인테리어 항목에 배치합니다. 이것은 당시 가장 아름다운 네덜란드 단체 초상화입니다. 8년 후, 렘브란트는 또 다른 이중 초상화를 그렸습니다. "섹티메노나이트 설교자 코르넬리스 클라에스 안슬로와 그의 아내 알티에 게리트 쇼텐"(1641. 베를린, 주립 박물관, 미술관). 구성이 전혀 예상치 못한데, 그림이 오른쪽으로 이동하여 캔버스의 절반만 차지합니다. 구성은 Anslo의 손짓과 테이블 위에 놓인 책으로 균형을 이루고 있습니다.

여성과 남성의 초상화에서 렘브란트는 머리를 조심스럽게 칠하고 앞쪽이나 3/4을 향하게 하며 손을 표현력 있게 묘사합니다. 그의 전신 초상화는 덜 성공적인 것으로 간주됩니다. 17세기에는 유사성이 가장 중요했지만 렘브란트의 초상화는 심리적인 면이 깊습니다. 배경은 점차 어두운 부분에서 밝은 부분으로 바뀌어 그림자 속에서 인물이 등장하는 것처럼 보입니다. 일부 주제는 보석 없이 묘사되는 것을 선호하며, 종종 칼라와 커프스에 레이스로만 장식된 단순한 컷의 수트를 입고 묘사됩니다. 렘브란트의 초상화는 완전성, 친밀감 및 친밀감으로 구별됩니다. 대부분은 타원형입니다. 렘브란트는 주로 배우자와 함께 상인을 묘사했으며 남성 초상화를 선호했습니다. "Marten Looten"(1632. 로스앤젤레스. 지역 미술관), "펜을 수리하는 남자"(1632. Kassel. 미술관), "시편을 들고 있는 여인"(1632. Nivaa. City Collection of Paintings), "뾰족한 수염을 가진 남자"(1632. 뉴욕. 메트로폴리탄 미술관), "Albert Kuyper"(1632. 파리. 루브르 박물관), "Jacob de Geyn the Third"(1632. 런던. 덜리치 갤러리) 외 수십 점의 작품 다른 초상화는 짧은 시간에 만들어졌습니다. 아마도 학생들은 예술가가 모델의 배경과 의상을 그리는 것을 도왔을 것입니다. 많은 주문이 있었고 렘브란트는 그의 첫 번째 초상화에 나타나는 날카로운 심리학을 달성할 여력이 없었습니다.

“과학자의 초상”(1631. 상트페테르부르크. 암자). 그림에는 작업 과정에서 사려 깊은 표정을 짓고 있는 한 남자의 모습이 담겨 있다. 이제 렘브란트가 묘사한 사람들의 직업을 확실하게 확립하는 것은 매우 어렵습니다. 초상화에는 형식주의가 없습니다. 이 그림은 화가의 실내 초상화에서 가치 있는 위치를 차지합니다.

그해의 가장 중요한 초상화는 예술가의 아내 Saskia가 "Saskia"(1633. Dresden. Picture Gallery), "Portrait of Saskia"(Kassel Portrait) (1635. Kassel. Art Gallery)의 다양한 환경에서 그린 것입니다. 초상화 "플로라"(1634. 상트 페테르부르크. 암자)에서 작가는 플로라 의상을 입은 사스키아를 묘사하여 여신의 이미지를 연출합니다. 렘브란트는 사스키아의 얼굴, 옷의 세세한 부분, 꽃의 화환 등을 세심하게 그렸습니다. 본질적으로 그림은 목가적입니다. "무릎을 꿇은 사스키아의 자화상"(선술집의 탕자, 사랑과 포도주의 우화)(1638. 드레스덴. 회화 갤러리)은 그가 혼자 묘사되지 않은 유일한 화가의 자화상입니다. 작가는 무릎에 앉아 와인잔을 들고 있는 사스키아의 모습을 그렸다. 테이블 위의 공작은 부의 상징입니다. 그들의 옷은 우아하고 이국적이다.

렘브란트는 신화적이고 역사적인 주제에 관한 많은 그림을 그립니다. 작가는 이 그림들을 감성적인 내용으로 채웠고, 배경에는 철학적 의미를 남겨두었다. "유로파의 강간"(1632) 로스앤젤레스. 폴 게티 미술관) 주제는 이탈리아 회화의 전통적이다. 『가니메데의 강간』(1635. 드레스덴 화랑) 신화에서는 독수리가 어린 가니메데를 납치해 제우스의 술 맡은 관원이 되는 이야기가 나온다. 그리고 여기서 렘브란트는 전통을 무시하고 십대 대신 변덕스럽고 통통한 네 살짜리 아이를 묘사했습니다. 그의 가니메데는 루벤스의 큐피드와 더 비슷합니다. 납치에 겁을 먹은 아이는 겁에 질려 일그러진 얼굴로 시냇물을 흘린다.

“다나에”(1636. 상트페테르부르크. 암자). 전설에 따르면, 아르고스의 왕 아크리시우스는 자신이 장래 손자의 손에 죽게 될 것이라는 신탁의 경고를 받고 딸 다나에를 방에 가두었습니다. 제우스는 황금비로 변신하여 그 소녀를 방문하여 페르세우스를 잉태하였다. 렘브란트는 황금빛 소나기를 묘사하지 않습니다. 다나에의 침대 위에 큐피드가 그려져 있는 것은 우연이 아닙니다. 세련되고 관능적이며 여성스러운 다나에(Danae)는 종종 "북쪽의 비너스"로 간주됩니다. 사진 전체가 빛으로 스며든다. 그림은 예술가가 호이겐스에게 선물한 것입니다.

렘브란트는 또한 성서적 주제를 바탕으로 다른 예술가들 사이에서 인기가 없는 주제를 선택하여 그림을 그렸습니다. "Praying Tobit"(Tobit는 Anna가 아이를 훔쳤다고 비난함) (1626. Amsterdam. Rijksmuseum), "David with the head of Goliath"(1627. Basel. Open art collection), "The Lamentation of Jeremiah"(1630. State Museum) Rijksmuseum)은 레이덴 시대에 예술가가 그린 것입니다. "The Feast of Belshazzar"(Mene, Tekel, Fares) (1635. London. National Gallery)는 그림의 양쪽이 고르지 않게 잘려서 보는 사람에게 이상한 인상을줍니다. Belshazzar가 그룹을 지배하고 있으며, 비문은 페르시아 왕 Darius와의 전투에서 패배를 예측하기 때문에 캐릭터의 얼굴에 진정한 공포가 쓰여 있습니다. 무대의 드라마틱한 조명은 불안한 느낌을 더욱 고조시킨다.

"아브라함의 희생"(1635. St. Petersburg. Hermitage)은 줄거리가 극적입니다. 천사는 마지막 순간에 아브라함의 손을 잡아 비극을 막았습니다. 공중에 얼어붙은 칼은 현장에 긴장감을 더해준다. "삼손의 결혼식"(삼손이 손님에게 수수께끼를 묻습니다) (1638. 드레스덴. 미술관). 이 그림에서 렘브란트는 테이블 주위에 많은 사람들을 배치하는 어려운 구성 문제를 해결합니다. 아마도 작가는 레오나르도 다빈치의 그림 '최후의 만찬'을 스케치한 것이 도움이 되었을 것입니다. "다윗과 요나단의 작별 인사"(1642. St. Petersburg. Hermitage). 성경은 다윗과 요나단이 어떻게 함께 껴안고 울었는지 알려줍니다. 렘브란트는 조나단의 뒷모습을 묘사함으로써 그의 내면의 드라마를 전달할 수 있었다. 이 그림의 명암대비는 전례 없는 풍부한 색조에 도달합니다. 따뜻한 색상은 반짝이는 빨간색과 황금빛 갈색이 지배적입니다.

그림 "The Night Watch"(1642. Amsterdam. Amsterdam State Museum. Rijksmuseum)는 이제 네덜란드의 국가 상징입니다. 1642년에 렘브란트는 사격 협회의 새 건물을 위해 프란스 반닝 콕 선장의 암스테르담 총사 6개 분대 중 하나를 묘사하라는 명령을 받았습니다. 초상화를 만들라는 다른 두 가지 명령이 그의 학생들에게 전달되었습니다. <야경>은 단지 총사들이 포즈를 취하는 것이 아닌 사건을 묘사한 독특한 단체 초상화이다. 또한 캔버스의 크기는 규모면에서 놀랍습니다. 렘브란트는 네덜란드 초상화의 표준에서 출발하여 19세기 사실주의 회화의 예술적 발견을 기대했습니다.
그림은 캠페인을 시작하는 회사와 게이트에서 알려지지 않은 행인 몇 명을 묘사합니다. 분대가 움직이는 모습이 묘사되었고 그 장면은 매우 사실적으로 드러났습니다. 멀리서 보면 인물이 시청자를 향해 움직이는 듯한 착각이 듭니다. 삼면이 잘려져 있어 그림의 구성을 말하기가 어려우며, 캔버스 안에 인물들이 비좁게 들어가 있는 것처럼 보인다. 그림은 조명 영역과 음영 영역의 플레이를 기반으로 합니다. 렘브란트는 빛을 사용하여 전경에 있는 두 인물을 강조합니다. 검은 옷을 입은 인물 - 콕 선장이 앞으로 손을 뻗는다. 그의 동반자는 효과적으로 조명을 받고 있으며, 그의 옷의 모든 세부 사항은 세심하게 묘사되어 있습니다. 사진 속 소녀의 조명이 켜진 모습에 시청자의 관심이 쏠린다. 그림에는 20개 이상의 인물이 묘사되어 있습니다. 고객들은 총사 중 일부가 배경에 있거나 앞에 서있는 인물과 거의 완전히 겹쳐져 있다는 사실을 좋아하지 않았습니다. 또한 그 사진은 최근 네덜란드 해방 혁명을 연상시켰다. 고객은 이 그림을 거부했습니다. 그림 "The Night Watch"는 렘브란트 경력의 전환점이되었습니다. 많은 학생들이 그를 떠나 인기 예술가가 되었습니다. 사스키아는 아들 티투스가 태어난 지 1년 후인 1642년에 사망합니다. 공들여 만든 디테일과 패턴이 풍부하고 명랑하고 다채로운 그림이 유행하고 있습니다. 렘브란트 자신도 불과 14년 후에 새로운 공공 명령을 받았습니다.

1640년대 렘브란트의 사생활에 관한 다큐멘터리 정보입니다. 살아남은 사람은 거의 없습니다. 그의 아들의 유모인 Geertje Dirks는 결혼 약속을 어겼다는 이유로 그를 고소했고, 그래서 예술가는 갈등을 해결하기 위해 비용을 지불해야 했습니다. 1640년대 후반에 렘브란트는 그의 또 다른 하녀인 헨드리케 스토펠스(Hendrikje Stoffels)와 관계를 맺었습니다. 본당 의회는 1654년 딸 코넬리아가 태어난 후 헨드릭제를 "죄악스러운 동거"로 비난했습니다. 하녀들은 "침대 속의 여자"(Gertje Dirks?)(1647. 에든버러. 스코틀랜드 국립 미술관), "Hendrickje Stoffels"(1650. 파리. 루브르 박물관) "강에서 목욕하는 여자"(Hendrickje) 등의 그림을 위해 렘브란트를 위해 포즈를 취했습니다. Stoffels 강에서 목욕) (1654. 런던. 국립 미술관), “Hendrickje Stoffels at 문호 개방"(기간 1650-1660. 베를린. 주립 박물관. 미술관).

렘브란트는 또한 아들의 초상화를 그렸습니다. “책상에 있는 티투스”(1655. 로테르담. 보이만스 반 뵈닝겐 박물관), “티투스”(1657. 런던. 월리스 컬렉션), “승려의 옷을 입은 티투스(수도사의 티투스)” 성 프란시스의 형태) "(1660. 암스테르담 주립 박물관. Rijksmuseum). 1653년에 예술가는 자신의 재산을 거의 모두 아들 티투스에게 양도했고 1656년에 파산을 선언했습니다. 1657-58년 판매 이후. 집과 재산을 잃은 예술가는 암스테르담 외곽의 유대인 지구로 이사했습니다. 1668년 티투스의 죽음은 예술가에게 운명의 마지막 타격 중 하나였습니다. 렘브란트는 1년 뒤 세상을 떠난다.

"의류 제작자 워크샵 신디크"(1661. 암스테르담. 국립 미술관) - 엄격하고 절제된 그룹 초상화. 테이블에 앉아 있는 남자들은 중요성으로 가득 차 있다. 검은 옷을 입은 상인들과 레드카펫이 눈에 띈다.

렘브란트 생애의 마지막 20년은 초상화 화가로서 그의 기술의 정점이 되었습니다. 친구들과 무명의 군인들, 노인들과 여성들이 그를 위해 포즈를 취하고 있다. 그들의 얼굴은 내면의 빛으로 비춰집니다. 손에 장갑을 낀 'Jan Six'(1654. Amsterdam. Six Foundation)는 색상의 조화와 임파스토 스트로크의 폭이 돋보입니다. 렘브란트는 "Artaxerxes, Haman and Esther"(1660. Moscow. Pushkin State Museum of Fine Arts) 및 "The Denial of the 사도 베드로"(1660. State Museum of Amsterdam. Rijksmuseum)와 같은 극적이고 강렬한 그림을 만듭니다. “탕자의 귀환”(1666. 상트 페테르부르크 암자)
"Haman은 자신의 운명을 알게되었습니다"(David와 Uriah) (1666. St. Petersburg. Hermitage). 그들은 그림을 여러 번 해석하려고 시도했지만 설득력 있는 버전은 하나도 없습니다. 그것은 성서적 역사를 주제로 한 렘브란트의 환상에 더 가깝습니다. 주인공의 몸짓과 표정 덕분에 그림이 매우 감동적입니다.

전체적으로 렘브란트는 그의 생애 동안 약 500개의 그림(그 중 약 300개가 살아남음), 600개의 판화 및 에칭, 1,400개의 그림을 만들었습니다.
서구 세계의 모든 화가 중에서 렘브란트는 심리적으로 가장 통찰력 있는 초상화 화가로 인정받고 있습니다. Rembrandt Harmens van Rijn은 네덜란드 예술의 가장 위대한 대표자입니다.