기사의 내용

감상주의(프랑스 정서) - 18세기 후반 유럽 문학과 예술의 운동으로, 후기 계몽주의의 틀 안에서 형성되었으며 사회의 민주적 정서의 성장을 반영합니다. 서정시와 소설에서 유래. 나중에 연극 예술에 침투하여 "눈물을 흘리는 코미디"와 부르주아 드라마 장르의 출현을 촉진했습니다.

문학의 감상주의.

감상주의의 철학적 기원은 "자연스러운", "민감한"(감정으로 세상을 아는) 사람이라는 아이디어를 제시하는 선정주의로 거슬러 올라갑니다. 18세기 초. 선정주의 사상은 문학과 예술에도 침투합니다.

'자연인'은 감상주의의 주인공이 된다. 감상주의 작가들은 자연의 창조물인 인간이 태어날 때부터 '자연적 미덕'과 '감성'의 성향을 가지고 있다는 전제에서 출발했습니다. 민감도는 사람의 존엄성과 그의 모든 행동의 중요성을 결정합니다. 인간 존재의 주요 목표인 행복을 달성하는 것은 두 가지 조건, 즉 인간의 자연적 원리(“감정 교육”)의 발달과 자연 환경(자연); 그녀와 합쳐진 그는 내면의 조화를 찾습니다. 반대로 문명(도시)은 적대적인 환경입니다. 문명은 그 본성을 왜곡합니다. 사람이 사교적일수록 그는 더욱 공허하고 외로워집니다. 따라서 사생활 숭배, 농촌 생활, 심지어 감상주의의 원시성과 야만적 특성까지 있습니다. 감상주의자들은 사회 발전의 전망을 비관적으로 바라보면서 백과사전학자들에게 근본적인 진보라는 개념을 받아들이지 않았습니다. '역사', '국가', '사회', '교육'이라는 개념은 그들에게 부정적인 의미를 가졌습니다.

고전주의자들과 달리 감상주의자들은 역사적, 영웅적 과거에 관심이 없었습니다. 그들은 일상적인 인상에서 영감을 받았습니다. 과장된 열정, 악, 미덕의 자리는 모든 사람에게 친숙한 인간의 감정으로 대체되었습니다. 감상주의 문학의 주인공은 평범한 사람이다. 대부분 이것은 제 3 신분의 사람이며, 때로는 낮은 지위(하녀)와 심지어 버림받은 사람(강도)의 사람으로, 내면 세계의 풍부함과 감정의 순수성에서 그는 대표자보다 열등하지 않으며 종종 우월합니다. 상류층. 문명에 의해 부과된 계급 및 기타 차이에 대한 거부는 감상주의의 민주적(평등주의적) 파토스를 구성합니다.

인간의 내면 세계로 눈을 돌리면 감상주의자들은 그 무궁무진함과 불일치를 보여줄 수 있었습니다. 그들은 하나의 성격 특성에 대한 절대화와 고전주의의 성격 특성에 대한 명확한 도덕적 해석을 포기했습니다. 감상주의 영웅은 나쁜 행동과 선한 행동을 모두 저지르고 고상하고 기본 감정을 모두 경험할 수 있습니다. 때때로 그의 행동과 욕구는 간단한 평가에 적합하지 않습니다. 사람은 본래 선한 시작을 갖고 악은 문명의 산물이기 때문에 누구도 완전한 악당이 될 수 없습니다. 그는 항상 자신의 본성으로 돌아갈 기회가 있습니다. 그들은 인간의 자기계발에 대한 희망을 간직한 채 진보에 대한 비관적인 태도를 유지하면서도 계몽주의 사상의 주류에 머물렀다. 따라서 그들의 작품은 교훈적이고 때로는 뚜렷한 경향이 있습니다.

감정 숭배는 높은 수준의 주관주의로 이어졌습니다. 이 방향은 이야기가 1인칭으로 ​​전달되는 애가, 편지 소설, 여행 일기, 회고록 등 인간 마음의 삶을 가장 완벽하게 보여줄 수 있는 장르에 대한 매력이 특징입니다. 감상주의자들은 이미지의 주제에서 작가를 제거하는 것을 의미하는 "객관적인" 담론의 원칙을 거부했습니다. 묘사된 내용에 대한 작가의 성찰은 그들에게 서사에서 가장 중요한 요소가 됩니다. 에세이의 구조는 주로 작가의 의지에 따라 결정됩니다. 그는 상상력을 제한하는 확립된 문학 표준을 그렇게 엄격하게 따르지 않고 구성을 다소 임의로 구성하며 서정적 여담에 관대합니다.

1710년대 영국 해안에서 탄생한 감상주의는 바닥. 18세기 범유럽적인 현상이다. 영어, 프랑스어, 독일어 및 러시아어 문학에서 가장 명확하게 나타납니다.

영국의 감상주의.

감상주의는 서정시에서 처음으로 알려졌습니다. 시인 트랜스. 바닥. 18세기 제임스 톰슨(James Thomson)은 합리주의 시의 전통적 도시 모티프를 버리고 영국의 자연을 묘사의 대상으로 삼았습니다. 그럼에도 불구하고 그는 고전주의 전통에서 완전히 벗어나지 않았습니다. 그는 고전주의 이론가 Nicolas Boileau가 그의 작품에서 합법화한 애가 장르를 사용합니다. 시적 예술그러나 (1674)는 운율이 있는 2행을 셰익스피어 시대의 특징인 공백 운문으로 대체합니다.

가사의 전개는 이미 D. Thomson에게서 들었던 비관적 동기를 강화하는 길을 따른다. 지상 존재의 환상과 무익함이라는 주제는 '묘지 시'의 창시자인 에드워드 융에게서 승리를 거두었습니다. E. Young 추종자들의 시 - 스코틀랜드 목사 로버트 블레어(1699-1746), 우울한 교훈적인 시의 저자 무덤(1743) 및 창시자 Thomas Gray 시골 묘지에 쓰여진 비가(1749), - 죽기 전에 모든 사람이 평등하다는 생각이 스며 들었습니다.

감상주의는 소설 장르에서 가장 완벽하게 표현되었습니다. 창시자는 피카레스크와 모험의 전통을 깨고 새로운 형태, 즉 편지로 된 소설을 창조해야 하는 인간 감정의 세계를 묘사하는 사무엘 리처드슨(Samuel Richardson)이었습니다. 1750년대에는 감상주의가 영국 교육문학의 주요 초점이 되었습니다. 많은 연구자들이 "감상주의의 아버지"로 간주하는 로렌스 스턴(Lawrence Sterne)의 작품은 고전주의로부터의 최종 출발을 표시합니다. (풍자 소설 신사 Tristram Shandy의 삶과 의견(1760-1767) 및 소설 요릭 씨의 프랑스와 이탈리아를 통한 감상적인 여행(1768), 여기서 예술 운동의 이름이 유래되었습니다.

비판적인 영국 감상주의는 올리버 골드스미스(Oliver Goldsmith)의 작품에서 정점에 이릅니다.

1770년대에는 영국 감상주의가 쇠퇴했습니다. 감상 소설이라는 장르는 더 이상 존재하지 않습니다. 시에서는 감상주의 학파가 낭만주의 이전 학파로 바뀌었습니다(D. Macpherson, T. Chatterton).

프랑스의 감상주의.

프랑스 문학에서 감상주의는 고전적인 형태로 표현되었습니다. Pierre Carlet de Chaamblen de Marivaux는 감상적인 산문의 기원에 서 있습니다. ( 마리안의 삶, 1728년부터 1741년까지; 그리고 농민 공개, 1735–1736).

Antoine-François Prévost d'Exile 또는 Abbé Prévost가 소설을 위해 열렸습니다. 새로운 지역감정-영웅을 삶의 재앙으로 이끄는 저항 할 수없는 열정.

감상적인 소설의 정점은 Jean-Jacques Rousseau(1712-1778)의 작품이었습니다.

자연과 '자연적' 인간의 개념이 그의 작품 내용을 결정했다. 예술 작품(예를 들어, 서간 소설 줄리 또는 뉴 엘로이즈, 1761).

J.-J. Rousseau는 자연을 독립적인(본질적으로 가치 있는) 이미지 대상으로 만들었습니다. 그의 고백(1766-1770)은 세계 문학에서 가장 솔직한 자서전 중 하나로 간주되며, 여기서 그는 감상주의(작가의 "나"를 표현하는 방법으로서의 예술 작품)의 주관주의적 태도를 절대적으로 가져옵니다.

Henri Bernardin de Saint-Pierre (1737-1814)는 그의 선생님 J.-J. Rousseau와 마찬가지로 진실을 확인하는 예술가의 주요 임무를 고려했습니다. 행복은 자연과 조화롭게 살아가는 것입니다. 그는 자신의 논문에서 자연에 대한 자신의 개념을 설명합니다. 자연에 관한 스케치(1784-1787). 이 주제는 예술적 구현소설에서 폴과 버지니(1787). 먼 바다와 열대 국가를 묘사하는 B. de Saint-Pierre는 주로 Francois-René de Chateaubriand를 중심으로 낭만주의자들이 요구할 새로운 카테고리인 "이국적"을 소개합니다.

루소주의 전통을 따르는 자크 세바스티앙 메르시에(Jacques-Sébastien Mercier, 1740-1814)는 소설의 중심 갈등을 만든다. 야만적인(1767) 존재의 이상적인(원시적) 형태(“황금기”)와 그것을 타락시키는 문명의 충돌. 유토피아 소설에서 2440, 꿈이 적다(1770)에 기초함 사회계약 J.-J. 루소는 사람들이 자연과 조화롭게 살아가는 평등주의적 농촌 공동체의 이미지를 구축했습니다. S. Mercier는 "문명의 열매"에 대한 자신의 비판적 견해를 저널리즘 형식으로 제시합니다. 파리의 그림(1781).

독학 작가이자 200권의 작품을 쓴 Nicolas Retief de La Bretonne(1734~1806)의 작품은 J.-J. 소설에서 부패한 농민, 혹은 도시의 위험(1775)는 도시 환경의 영향으로 도덕적으로 순수한 청년이 범죄자로 변하는 이야기를 담고 있습니다. 유토피아 소설 남부 개방(1781)은 다음과 같은 주제를 다룬다. 2440 S. 머시에. 안에 새로운 에밀, 즉 실용 교육(1776) Retief de La Bretonne은 J.-J. Rousseau의 교육학적 아이디어를 발전시켜 이를 여성 교육에 적용하고 그와 논쟁을 벌입니다. 고백 J.-J. Rousseau는 자서전 에세이를 만든 이유가 됩니다. 미스터 니콜라, 또는 공개된 인간의 마음(1794-1797), 여기서 그는 이야기를 일종의 "생리학적 스케치"로 바꿉니다.

1790년대 프랑스 대혁명 시대에 감상주의는 그 자리를 잃고 혁명적 고전주의에 자리를 내주었습니다.

독일의 감상주의.

독일에서는 감상주의가 프랑스 고전주의에 대한 국가적 문화적 반응으로 탄생했습니다. 영국과 프랑스 감상주의자들의 작품이 그 형성에 일정한 역할을 했습니다. 문학에 대한 새로운 견해를 형성하는 데 중요한 장점은 G.E.

독일 감상주의의 기원은 1740년대 초 취리히의 교수인 I. J. Bodmer(1698~1783)와 I. J. Breitinger(1701~1776)가 독일의 유명한 고전주의 옹호자인 I. K. Gottsched(1700~1766) 사이의 논쟁에 있습니다. "스위스"는 시적 상상력에 대한 시인의 권리를 옹호했습니다. 새로운 방향의 첫 번째 주요 주창자는 감상주의와 독일 중세 전통 사이의 공통점을 찾은 프리드리히 고틀립 클롭스톡(Friedrich Gottlieb Klopstock)이었습니다.

독일 감상주의의 전성기는 1770년대와 1780년대에 일어났으며, 같은 이름의 드라마의 이름을 딴 Sturm und Drang 운동과 관련이 있습니다. 스투름 앤 드랑 F. M. 클링거(1752~1831). 참가자들은 독창적인 독일 문학을 창작하는 임무를 스스로 설정했습니다. J.-J. 루소는 문명과 자연 숭배에 대해 비판적인 태도를 취했습니다. Sturm und Drang의 이론가이자 철학자 Johann Gottfried Herder는 계몽주의의 "자랑스럽고 메마른 교육"을 비판하고 고전주의 규칙의 기계적 사용을 공격하며 진정한 시는 감정, 첫 번째 강한 인상, 환상과 열정의 언어라고 주장했습니다. 그러한 언어는 보편적입니다. 폭정을 규탄하고 위계질서에 항의한 '폭풍우 천재들' 현대 사회그리고 그의 도덕( 왕들의 무덤 K.F.Shubart, 자유를 위하여 F.L. 등); 그들의 주인공은 자유를 사랑하는 강한 성격인 프로메테우스나 파우스트였으며, 열정에 이끌려 어떤 장벽도 알지 못했습니다.

젊은 시절 요한 볼프강 괴테는 Sturm und Drang 운동에 속해 있었습니다. 그의 소설 젊은 베르테르의 고난(1774)는 독일 감상주의의 획기적인 작품이 되었으며, 독일 문학의 "지방적 단계"가 끝나고 범유럽 문학으로의 진입을 정의했습니다.

Sturm und Drang의 정신은 Johann Friedrich Schiller의 드라마를 대표했습니다.

러시아의 감상주의.

감상주의는 소설 번역 덕분에 1780년대와 1790년대 초에 러시아에 침투했습니다. 베르테르 I.V.괴테 , 파멜라, 클라리사그리고 그랜디슨 S. 리처드슨, 뉴 엘로이즈 J.-J. 루소, 폴라와 버지니 J.-A. Bernardin de Saint-Pierre. 러시아 감상주의 시대는 Nikolai Mikhailovich Karamzin에 의해 열렸습니다. 러시아 여행자의 편지 (1791–1792).

그의 소설 가난한 Lisa (1792)는 러시아 감성 산문의 걸작입니다. 괴테의 것에서 베르테르그것은 감성과 우울의 일반적인 분위기와 자살이라는 주제를 물려 받았습니다.

N. M. Karamzin의 작품은 수많은 모조품을 탄생시켰습니다. 19세기 초에 등장 불쌍한 마샤 A.E.Izmailova (1801), 러시아 정오로의 여행 (1802), 헨리에타, 약점이나 망상에 대한 속임수의 승리 I. Svechinsky (1802), G. P. Kamenev의 수많은 이야기 ( 가난한 마리아의 이야기; 불행한 마가리타; 아름다운 타티아나) 등.

예브게니아 크리부시나

극장의 감상주의

(프랑스 정서-감정)-18 세기 후반 유럽 연극 예술의 방향.

극장에서 감상주의의 발전은 드라마의 엄격한 합리주의적 정경과 그 무대 구현을 선포한 고전주의 미학의 위기와 관련이 있습니다. 고전주의 드라마의 사변적 구성은 연극을 현실에 더 가깝게 만들려는 열망으로 대체되고 있습니다. 이는 연극 공연의 거의 모든 구성 요소에 반영됩니다. 연극 주제(사생활 반영, 가족 개발 및 심리적 플롯); 언어 (고전주의 한심한 시적 연설은 대화 억양에 가까운 산문으로 대체됨) 캐릭터의 사회적 소속 (연극 작품의 영웅은 제 3 신분의 대표자입니다); 행동 위치 결정(궁전 내부는 "자연" 및 시골 풍경으로 대체됨).

감상주의의 초기 장르인 "눈물나는 코미디"는 영국 극작가 콜리 시버(Colley Cibber)의 작품에 등장했습니다. 사랑의 마지막 비결 1696;평온한 남편, 1704 등), Joseph Addison( 신이 없는, 1714; 고수, 1715), 리처드 스틸( 장례식, 또는 유행하는 슬픔, 1701; 거짓말쟁이 연인, 1703; 성실한 연인, 1722 등). 이 작품들은 코믹한 요소가 감상적이고 한심한 장면과 도덕적이고 교훈적인 격언으로 연속적으로 대체되는 도덕적인 작품이었습니다. "눈물을 흘리는 코미디"의 도덕적 비난은 악덕에 대한 조롱이 아니라 개별 영웅과 사회 전체의 결점 수정을 일깨우는 미덕의 노래에 기반을두고 있습니다.

동일한 도덕적, 미적 원칙이 프랑스의 "눈물을 흘리는 코미디"의 기초를 형성했습니다. 가장 유명한 대표자는 Philippe Detouche( 결혼한 철학자, 1727; 자랑스러운 남자, 1732; 살인자, 1736) 및 피에르 니벨 드 라쇼스(Pierre Nivelle de Lachausse) 멜라니다, 1741; 어머니 학교, 1744; 가정 교사, 1747 등). 극작가들은 사회적 악덕에 대한 일부 비판을 등장인물에 대한 일시적인 망상으로 제시했으며, 극작가는 이를 성공적으로 극복했습니다. 감상주의는 당시 가장 유명한 프랑스 극작가 중 한 사람인 Pierre Carle Marivaux의 작품에도 반영되었습니다. 사랑과 우연의 게임, 1730; 사랑의 승리, 1732; 계승, 1736; 진실된, 1739 등). Marivaux는 살롱 코미디의 충실한 추종자로 남아 있으면서 동시에 민감한 감성과 도덕적 교훈의 특징을 지속적으로 소개합니다.

18세기 후반. '눈물을 흘리는 코미디'는 감상주의의 틀 안에 머물면서 점차 부르주아 연극 장르로 대체되고 있다. 여기에서는 코미디의 요소가 완전히 사라집니다. 플롯은 비극적인 상황을 기반으로 합니다. 일상 생활세 번째 재산. 그러나 문제는 여전히 "눈물의 희극"과 동일합니다. 모든 시련과 고난을 극복하고 미덕의 승리를 거두는 것입니다. 이 단일 방향으로 부르주아 드라마는 모든 유럽 국가, 즉 영국에서 발전하고 있습니다 (J. Lillo, 런던 상인, 혹은 조지 반웰의 이야기; E. 무어, 플레이어); 프랑스 (D. Diderot, 놈, 혹은 미덕의 시험; M. 세덴, 철학자여, 나도 모르게); 독일 (G.E. Lessing, 미스 사라 샘슨, 에밀리아 갈로티). '속물적 비극'으로 정의된 레싱의 이론적 발전과 극작술로부터 '폭풍우와 드랑'의 미학 운동이 생겨났다(F. M. 클링거, J. 렌츠, L. 바그너, I. V. 괴테 등). 프리드리히 쉴러(Friedrich Schiller)의 연구에서 최고의 발전을 이루었습니다. 강도, 1780; 속임수와 사랑, 1784).

러시아에서는 연극 감상주의가 널리 퍼졌습니다. 미하일 케라스코프(Mikhail Kheraskov)의 작품에 처음으로 등장합니다. 불행한 친구, 1774; 박해를 받음, 1775), 감상주의의 미적 원칙은 Mikhail Verevkin에 의해 계속되었습니다 ( 그래야지,생일 사람들,정확히), 블라디미르 루킨( 낭비를 사랑으로 교정하다), 표트르 플라빌시코프( 보빌,사이드렛등.).

감상주의는 연기 예술에 새로운 자극을 주었고, 어떤 의미에서는 고전주의에 의해 그 발전이 억제되었습니다. 고전주의적 역할 수행의 미학은 연기 표현 수단 전체의 전통적인 표준을 엄격하게 준수해야 하며 연기 기술의 향상은 순전히 형식적인 방식을 따라 진행되었습니다. 감상주의는 배우들에게 캐릭터의 내면 세계, 이미지 개발의 역동성, 캐릭터의 심리적 설득력과 다재다능함을 탐색할 수 있는 기회를 제공했습니다.

19세기 중반쯤. 감상주의의 인기가 사라지고 부르주아 드라마 장르가 사실상 사라졌습니다. 그러나 감상주의의 미적 원칙은 가장 젊은 연극 장르 중 하나인 멜로드라마 형성의 기초를 형성했습니다.

타티아나 샤발리나

문학:

벤틀리 E. 드라마의 삶.엠., 1978
드보르초프 A.T. 장 자크 루소. 엠., 1980
아타로바 K.N. 로렌스 스턴과 그의 "감상적인 여행". 엠., 1988
A. Dzhivilegov, G. Boyadzhiev 서유럽 연극의 역사.엠., 1991
Lotman Yu.M. 18~19세기 초 루소와 러시아 문화. –책 내용: Lotman Yu. M. 선정 기사: 3권, 2권. Tallinn, 1992
코체트코바 I.D. 러시아 감상주의 문학. 1994년 상트페테르부르크
토포로프 V.N. « 불쌍한 리사» Karamzin. 독서 경험.엠., 1995
벤트 M. "베르테르, 반항적인 순교자여..." 한 권의 책의 전기. 1997년 첼랴빈스크
쿠릴로프 A.S. 고전주의, 낭만주의 및 감상주의 (문학과 예술 발전의 개념과 연대기에 관한 문제). – 언어학. 2001년 6호
지코바 E.P. 18세기 서간문화. 그리고 리처드슨의 소설. - 월드 트리. 2001년 7호
자바부로바 N.V. 숭고한 것으로서의 시적: Abbé Prevost – Richardson의 “Clarissa” 번역가. 책 내용: - 18세기: 산문 시대 시의 운명. 엠., 2001
르네상스부터 19~20세기 초까지의 서유럽 연극. 에세이.엠., 2001
크리부시나 E.S. J.-J. 루소의 산문에서 이성적인 것과 비합리적인 것의 결합. 책에서: – Krivushina E.S. 17~20세기 프랑스 문학: 텍스트의 시학.이바노보, 2002
크라스노시체코바 E.A. “러시아 여행자의 편지”: 젠라의 문제(N.M. Karamzin과 로렌스 스턴). – 러시아 문학. 2003년 2호

러시아 문화의 역사. XIX 세기 야코프키나 나탈리아 이바노브나

§ 3. 러시아 회화의 감상주의

A. G. Venetsianov의 창의성

19세기 초 러시아 미술과 문학 분야에서 감상주의가 발전했습니다. 그러나 회화와 조각에서는 이러한 과정이 약간 다른 방식으로 반영되었다. 이 시기의 미술에서는 감상주의 원칙을 완벽하게 구현한 작품을 쓴 대가를 골라내는 것이 어렵습니다. 감상주의 요소는 고전주의 및 낭만주의 요소와 결합하여 더 자주 발견됩니다. 따라서 우리는 특정 예술가의 작품에 대한 이 스타일의 영향력에 대해서만 이야기할 수 있습니다.

19세기 전반에 감상주의의 특징을 가장 완벽하게 반영한 대가는 A.G. Venetsianov였습니다.

Venetsianov는 예술 아카데미 학생들보다 러시아 생활에 대해 더 깊고 다재다능한 지식을 갖춘 이미 확고한 성숙한 남자로 예술계에 왔습니다. 아카데미 외부의 청년이 전문 지식을 습득하고 훈련에 학문적 시스템이 없었기 때문에 나중에 그의 작업의 독립성과 혁신이 결정되었을 가능성이 있습니다.

1780년 모스크바의 상인 가문에서 태어난 미래 예술가는 1802년 상트페테르부르크로 와서 그곳에서 입문했으며 동시에 에르미타주에 있는 유명한 거장들의 그림을 복사하면서 꾸준히 그림을 연습했습니다. 아마도 그곳에서 그는 유명한 18세기 화가 V.L. Borovikovsky를 만났고 그의 학생이 되었으며 심지어 한동안 그와 함께 살았습니다. 이 기간은 예술가이자 인간으로서 베네치아노프의 형성에 중요한 영향을 미쳤다고 생각해야 합니다. 러시아 계몽주의의 많은 대표자들이 보로비코프스키의 집을 방문했습니다. XVIII 후반세기: 건축가 N. Lvov, 시인 V. Kapnist, G. Derzhavin. 그래서 젊은 예술가는 진보된 교육 아이디어로 가득 찬 창조적인 환경에서 자신을 발견했습니다.

광범위한 관심과 지적 의사소통에 대한 열망은 평생 동안 Venetsianov를 구별했습니다. 나중에 이미 인정받는 대가가 된 그는 계속해서 저명한 동시대 사람들 사이에서 활동하고 있습니다. 딸의 회상에 따르면, “가장 교육받은 예술가와 작가 사회가 그와 함께 모였고 모두가 그와 함께 저녁을 보내는 것을 즐겼습니다. Gogol, Grebenko, Voeikov, Kraevsky 등이 자주 그를 방문했습니다. 예술가들에 대해서는 할 말이 없습니다. Bryullov는 종종 그를 방문했습니다 ...”

당연히 당대의 많은 주목할만한 사람들과의 이러한 의사 소통과 우호적 관계는 베네치아노프의 사회적, 예술적 견해 형성에 중요한 영향을 미쳤습니다. 예술가의 발전은 천천히 이루어졌습니다. 수년 동안 그는 다양한 부서 기관에서의 서비스를 그림과 결합했습니다. 점차 그의 작품은 대중과 예술 아카데미의 관심을 끌었고, 예술 아카데미에서 그를 강의에 초대했습니다. 그러나 1815년 결혼하고 트베리 지방의 작은 부동산을 인수한 후에야 베네치아노프는 창의성에 전념했습니다.

예술가가 러시아 농민의 일과 삶을 더 잘 알 수 있고 그들의 인간적 자질을 높이 평가할 수 있었던 사유지 생활은 그의 매력에 기여했습니다. 새로운 주제-농민의 이미지, 학문주의의 표준에 어긋나는 이미지. 이 새로운 창의적인 길의 시작은 파스텔 "사탕무 클렌징"이었습니다. 작가는 이전에 러시아 그림에 등장한 적이없는 그의 그림 사람들의 영웅을 만듭니다. 농부 여성은 직장에서 묘사되고 얼굴은 추악하며 손과 발은 흙으로 덮여 있고 옷은 지저분하고 깨끗하지 않습니다. 농민과 그들의 노동을 묘사하는 이러한 진실성은 베네치아노프의 작품에서 변함없이 유지되었으며 나중에 그의 동시대인들에게도 주목되었습니다. 예술가의 학생 Mokritsky는 다음과 같이 썼습니다. “... 그보다 더 나은 사람은 마을 농민을 가부장적 단순함으로 묘사했습니다. 그는 러시아 자연의 풍부함을 충분히 느끼고 이해했기 때문에 그것을 과장하거나 이상화하지 않고 전형적으로 전달했습니다. 그의 인간 묘사에는 특히 자연에 유쾌하고 진실한 것이 있습니다. 극도로 예리하고 예리한 눈을 가진 그는 들판에서나 길에서나 흡연 오두막에서 농부에게 끊임없는 존재감을 부여하는 먼지와 빛의 부족을 그들에게 전달하는 방법을 알고 있었습니다. 그래서 좀 더 비유적으로 말하면 그의 부하들은 오두막 냄새가 난다고 말할 수 있습니다. 그의 그림을 자세히 살펴보면 내 말에 동의하게 될 것입니다. 이 특징은 자연에 대한 완전한 신뢰의 결과였습니다...” 베네치아 그림의 평범한 주제에 특별한 아름다움을 부여한 것은 바로 이러한 "자연에 대한 신뢰", "자연의 부에 대한 이해", 그리고 무엇보다도 노동자에 대한 존경심이었습니다.

자신이 선택한 길을 시작한 작가는 그 길을 쉼 없이 따라가고 있다. 1820년대 전반부는 베네치아노프의 가장 집중적이고 유익한 작업의 시기였습니다. 이 기간 동안 그는 이러한 방향에 대한 내재적인 공감과 감상주의의 뚜렷한 특징이 특징인 최고의 작품을 만들었습니다. 평범한 사람들, 순수한 도덕적 관계, 자연.

이것이 예술가 G. K. Leontyev의 소련 연구원이 이 시기를 특징짓는 방법입니다. “Safonkovo에서 그는 생각과 행동의 더 큰 자유와 독립성을 얻었습니다. 그는 자연과 오늘날 그리고 자신과의 단결과 조화를 느꼈습니다. 세계와 자신과의 이러한 합의는 베네치아노프의 특징이었습니다. 그러므로 자연에 대한 놀라운 감각, 나무와 꽃에 대한 존경심, 햇빛, 지구. 그러므로 관상적인 감탄이 나오고 조화로운 이미지가 창조됩니다.”

작가의 차기작 '타작 헛간'은 새로운 길을 향한 또 하나의 자신감 넘치는 발걸음이다. "사탕무 정화"와 같은 그림은 농민의 고통에 대한 일반적인 음모, 즉 타작 곡식을 시적으로 재현 한 것입니다. 열린 문과 벽에서 쏟아지는 햇빛의 흐름이 관통하는 거대한 타작마당에서는 평범한 농민 작업이 진행되고 있습니다. 남자들은 마구를 단 말을 시작하고, 한 무리의 여자들은 전경에 멈춰 있고, 농부는 웅크리고 곡식을 쓸고 있습니다. 작업이 친숙하고, 사람들의 움직임이 민첩하고 서두르지 않으며, 농민의 모습이 차분함과 힘, 내면의 존엄함으로 가득 차 있다는 것이 눈에 띕니다.

작가는 고전주의의 표준과 새로운 글쓰기 기법을 대담하게 대조했습니다. 학문적 전통과 달리 그림의 줄거리는 현대 생활뿐만 아니라 고대 역사또는 신화), 그러나 "낮은", 노동, 농민의 삶에서. 예술가가 노래한 것은 농민 영웅들의 착취가 아니라 러시아 농부의 노고였습니다.

또한 캔버스에 묘사 된 장면에는 학원의 규칙에 따라 그림의 중앙에 배치되어야하는 주인공이 본질적으로 없습니다. "타작 마당"의 중앙에는 아무도 없으며 그림 가장자리에 위치한 농민들은 일어나는 일에 참여하는 정도가 동일합니다.

그리고 마지막으로 관점에 대한 완전히 새로운 해석입니다. 학술 예술가의 작품에서는 묘사된 장면을 전경에 배치하고 배경은 진행 중인 이벤트와 관련하여 장식적인 배경 역할을 하는 것이 관례였습니다. "The Threshing Barn"에서는 액션이 ​​전례 없이 깊은 공간으로 진행됩니다. 더욱이 Venetsianov는 현실을보다 진실하게 전달하는 수단 중 하나로 관점 문제를 해결하는 대담한 혁신가로 등장합니다.

1824년 전시회에서 작가는 "타작 헛간"과 함께 농민을 주제로 한 여러 작품을 더 전시했습니다. 오두막에서', '들판의 농민 아이들', '지주의 아침', '아버지의 점심입니다!' 나중에 이 시리즈와 관련된 주제로 "The Sleeping Shepherd", "At the Harvest", "Summer", "On the Plowed Field"가 작성되었습니다. 봄', '부채를 든 소녀', '호밀밭에 낫을 쓴 농부 소녀', '사신' 등이 있다.

'농민 주제'에 대해 더 깊이 파고들면서 작가는 자신이 묘사하는 사람들의 참여를 점점 더 분명하게 느끼기 시작합니다. 주변 자연. 그 땅에서 일하는 사람들은 그들에게 빵을 줄뿐만 아니라 순수하고 친절한 감정을 부여하는이 땅과 불가분의 연합으로 인식됩니다. 이것이 베네치아노프 자신과 매우 가까웠으며 이 시대 그의 그림의 내부 분위기를 결정한 "세계와의 일치"의 도덕적 기초입니다.

점차적으로 풍경 모티프가 캔버스에 나타나기 시작합니다. 그림 "잠자는 목자"는 작업장 외부에서 직접 "현장"에 창조된 러시아 풍경을 묘사한 최초의 작품입니다. 학술 그림이나 호화롭지만 이질적인 이탈리아 자연의 환상적이고 인위적으로 구성된 풍경 대신, 러시아 회화에서는 처음으로 무한한 러시아 거리, 오리나무가 무성한 강, 구름이 있는 희미한 하늘의 이미지가 나타납니다. 사람의 이미지와 조화롭게 결합된 자연은 그들에게 시를 선사합니다. 그래서 영화“경작지에서. 봄' 젊고 예쁜 농부 소녀가 써레질에 묶인 두 마리의 말을 이끌고 들판을 가로지릅니다. 봄을 깨우는 기쁨은 촉촉한 대지, 은은한 초록, 그리고 소녀의 모습에서 뿜어져 나옵니다. 축제, 아니 작업복농민 여성, 맑고 높은 하늘, 소녀의 부드러운 발걸음과 그녀를 따르는 말-이 모든 것이 인간과 자연 사이의 조화라는 인상을 만듭니다.

19세기 20년대 작가가 그린 그림은 러시아 미술사에 새로운 페이지를 열었습니다. 농민들은 그의 캔버스에만 등장하는 것이 아니라 전체적으로 러시아 그림에 들어가고 품위있게 차분하게 들어갑니다. 그들은 노동하는 사람들이며 예술가는 타작 마당, 경작지, 수확기 등 직장에서 끊임없이 그들을 묘사합니다. 그들의 일은 힘들지만 능숙하고 능숙하게 일하며 이는 존경심을 불러 일으 킵니다. 친절하고 유쾌한 얼굴과 생기 넘치는 눈은 그들의 지능과 도덕적 미덕을 증언합니다. 이 점에서 Venetsianov는 "농민들은 어떻게 느끼는지 알고 있습니다"라는 "가난한 Liza"의 예를 보여준 Karamzin과 확실히 가깝습니다. 베네치아노프의 작품에 대한 감상주의 사상과 러시아 문학 감상주의 창시자의 성격의 영향은 분명하게 드러납니다. 예술가는 Karamzin을 알고 그의 초상화를 그렸습니다. 동시에 Venetsianov는 물론 당시 계몽 사회가 열중했던 그의 이야기를 읽었을뿐만 아니라 다른 감상주의 소설 작품에도 익숙해졌습니다. 따라서 작가의 서신에는 Christian Gellert(18세기 감상주의 작가)와 소위 "여행자"의 작품을 읽었다는 정보가 포함되어 있습니다. 친구에게 보낸 편지에는 Venetsianov가 보낸 다음 메모가 포함되어 있습니다. “여행자를 보내고 있으며 감사합니다. 이런 친절한 작가는 글을 쓰는 것이 아니라 말하는 것입니다. 책을 읽으면서 다른 책에서 그의 말을 듣는 즐거움을 누리게 된다면 많은 일을 하게 될 것입니다.”

아시다시피 “그가 말한 대로” 글을 쓴 사람은 문체의 단순화와 현대화를 위해 싸운 사람이 바로 카람진이었습니다. 이를 바탕으로 Venetsianov의 창의성 연구원인 G. K. Leontyeva는 다음과 같이 믿습니다. 우리 얘기 중이야 Karamzin의 "러시아 여행자의 편지"에 대해.

"Karamzinist", 감상주의 원칙은 예술가가 자신의 본성에 대한 열정적 인식과 인간과 그것의 결합에서도 느껴집니다. 이와 관련하여 Venetsianov의 목가적 인 "Sleeping Shepherd"는 물론 노래하는 새의 모습에 감동을받은 Karamzin의 "농민"과 유사합니다.

Karamzin과 마찬가지로 예술가는 공교육에 큰 중요성을 부여했으며, 이를 통해 극단의 농노제를 완화하고 사람들의 상황을 개선할 수 있는 수단을 보았습니다. 이러한 신념으로 인해 1818년 베네치아노프는 합법적인 Decembrist 조직인 "상호 교육 시스템에 따른 학교 설립 협회"로 이끌었고 Decembrist M. F. Orlov와의 화해에 기여했습니다. Venetsianov는 자신의 재산에 대한 자신의 견해를 실천하려고 시도합니다. 그의 딸은 나중에 "약 40년 전에는 농민 학교에 대한 소문이 어디에도 없었지만 우리 작은 Safonkovo에는 10명의 농민 소년으로 구성된 학교가 있었습니다"라고 회상했습니다. 학교와 함께 부동산은 농민들에게 대장간, 목공, 제화, 회화 등 다양한 공예와 여성에게 수공예품 및 직조를 가르쳤습니다. 일반적으로 Venetsianov의 경제 관행은 농노와 관련된 토지 소유자의 도덕적, 물질적 의무에 대한 확신에 기초했습니다. 그는 자신의 편지 중 하나에서 이 아이디어를 다음과 같이 공식화했습니다. “우리(즉, 토지 소유자)의 책임이 민법 및 교회법, 심지어 국가의 물질적 개선법에 따라 이행된다면 매우 어렵습니다. 아무리 던져도 그것은 농노제의 농민이 아니라 봉건주의의 진흙 속에 빠져있는 사람이 아니라 농민과의 관계를 완전히 이해하는 지주라는 것이 모두 밝혀질 것입니다.” 그래서 우리가 볼 수 있듯이 작가는 농노와의 "그들의 관계"를 이해하지 못하고 그들의 물질적, 도덕적 안녕에 관심을 갖지 않는 지주들을 날카롭게 비난합니다. 그러나 이로 인해 토지 소유자가 농민에 대한 의무를 올바르고 정직하게 준수하면 농민의 완전한 안녕을 보장할 수 있습니다. 딸의 회고록에서 찾을 수 있는 베네치아노프가 자신의 영지에 확립한 질서에 대한 예술가의 목가적인 설명은 지주와 농노 사이의 예술가의 관계에 대한 이러한 이해를 정확하게 뒷받침합니다. 이 설명 앞에 그가 농민들을 "아버지처럼" 돌본다는 문구가 나오는 것은 우연이 아니라고 생각합니다.

농노의 잔인 함과 인도적인 지주가 농노의 아버지가 될 것이라는 믿음에 대한 비난-이 모든 것이 Karamzin과 그의 학교의 정신에 얼마나 부합합니까!

그리고 Venetsianov의 캔버스에 나오는 농민의 이미지는 예술가가 농노의 모든 악을 이해하는 데 외계인이라는 것을 확신합니다. 잘생기고 차분하며 내면의 존엄성이 넘치는 사람들은 결코 농노제의 슬픈 희생자가 아닙니다. 주인과 하인의 관계라는 주제가 좀 더 극명하게 드러날 수 있었던 <집주인의 아침>에서도 그들 사이의 적대감은 전혀 느껴지지 않고 일상의 고민의 잔잔한 효율성으로 가득 차 있다. 농노가 지주와 공유하는 것입니다.

그러나 농노제에 대한 Karamzin의 견해를 공유하면서 Venetsianov는 그보다 더 발전했습니다. 노동 활동농민, 묘사의 진실성. 그의 농민들은 Karamzin의 이상화 된 "마을 주민"이 아니라 살아있는 사람들입니다. 그들의 외모 만이 예술가에 의해 강조된 것처럼 보이며 그의 풍경 스케치를 특징 짓는 것과 동일한 사랑스럽고 감상적인 인식의 각인을 담고 있습니다.

이 기간 동안 베네치아노프의 활동에 대해 말하면서, 그는 뛰어난 화가일 뿐만 아니라 교사이기도 했기 때문에 그의 학교를 언급하지 않을 수 없습니다. 사람들에 대한 존중과 그들의 힘에 대한 믿음이 그의 교육적 활동에 힘을 실어주었습니다. 그는 그레이하운드 강아지와 교환되어 부동산으로 팔리는 가난한 사람들 사이에서 끊임없이 재능을 찾고있었습니다. 그의 학생이자 예술가인 A. N. Mokritsky는 나중에 이렇게 회상했습니다. “Venetsianov는 자신의 지식과 부를 다른 사람들과 공유하는 것을 좋아했습니다. 그것은 가장 친절한 사람; 가난한 학생들은 모두 그에게로 향했습니다. 그는 종종 직접 그들을 찾았습니다.” Venetsianov는 그들에게 페인트 값을 주고, 조언하고, 먹이고, 옷을 입혔습니다. 그는 고귀한 귀족이나 부유한 “혜택”을 받기까지 몇 시간을 기다리면서 다른 사람들이 농노제를 없애도록 도왔습니다. 그의 자서전 "예술가"에서 T. G. Shevchenko는 그의 해방에서 베네치아노프의 역할에 대해 자세히 말했습니다. 놀랍도록 겸손한 사람인 그 자신은 이것에 어떤 중요성도 부여하지 않았으며 이러한 선행에서 자신이 단순한 중개인의 역할을했다고 진심으로 믿었습니다.

멘토는 학생들에게 전문 기술뿐만 아니라 다음과 같이 가르쳤습니다. "그는 우리를 키웠고"라고 Mokritsky는 썼습니다. "우리에게 좋은 것을 가르쳤고 일부는 읽고 쓰는 법을 배우도록 강요했습니다. 그의 가족은 우리 가족이었고 우리는 그의 자녀와 같았습니다…

따라서 "Venetsianov 학교"가 점차적으로 만들어졌습니다. 1838년에 예술가는 A. N. Olenin 예술 아카데미 회장에게 13명의 학생이 자신의 작업실에서 공부하고 있다고 알렸습니다. 그리고 1830년 예술 아카데미에서 열린 전시회에서 화가 자신의 작품 5점과 제자들의 작품 32점이 전시되었습니다. 이때까지 Venetsianov의 교육 방법은 조화로운 시스템의 모습을 얻었습니다. 그 기초는 아카데미의 관례처럼 복사가 아니라 삶에서 그림을 그리는 것이었습니다. 작가는 가장 단순한 사물(컵, 물 한 잔, 상자 등)의 재현에 "학생의 시선을 집중"시킵니다. 그 후 그들은 "선의 충실도와 부드러움"을 개발하기 위해 석고로 옮겼습니다. 그리고 나서 - 자연으로 돌아갑니다. 학생들은 인테리어, 서로의 초상화, 정물화를 그렸습니다. 당연히 학계 교수들은 다음과 같이 반응했다. 새로운 시스템적대적이지는 않더라도 조심하세요. 학계의 반대와 예술가가 겪는 끊임없는 재정적 어려움으로 인해 결국 그는 학교와 헤어지게되었습니다. 그는 나중에 자서전에서 다음과 같이 씁쓸하게 썼습니다. "베네치아노프는 지쳐서 학교를 지원할 수단, 즉 학생에게 급여를 지급할 수단을 잃었습니다."

그러나 학교 중단이 Venetsianov 시스템의 죽음을 의미하지는 않았습니다. 사실적인 회화 방식의 원리에 대한 방법론은 점차적으로 예술 교육의 기초로 생활화될 것입니다. 처음에는 가장 유능하고 탐구적인 예술가들이 더듬거리며 찾아올 것이고, 그 다음에는 (훨씬 나중에) 아카데미의 인정을 받고 실천에 들어갈 것입니다.

학문주의의 표준을 훼손하는 베네치아노프의 작업뿐만 아니라 이 시스템은 러시아 미술의 현실적인 방법의 개발과 개선에 크게 기여할 것이며 40년대와 50년대의 추가 성공을 준비할 것입니다.

1. 중부 이탈리아 회화의 특징 피렌체의 레오나르도 다 빈치가 회화의 잠재된 힘을 일깨운 이후, 이탈리아 전역에서는 회화를 더욱 충만한 실생활과 동시에 더욱 완벽하게 만들려는 목표를 의식적으로 향해 나아가고 있습니다.

1. 상부 이탈리아 회화의 형성 산악 지역에서 플라스틱 형태가 지배적인 것처럼, 평원에서는 경쾌한 톤과 빛이 지배적입니다. 상부 이탈리아 평원의 그림도 다채롭고 빛나는 즐거움으로 꽃피웠습니다. 위대한 발명가 레오나르도

1. 독일 회화의 발전 16세기 독일 회화는 독일 예술의 주요 방향이었고 대가들은 거의 모든 방향으로 그림을 그렸고 그림은 데레포, 에칭, 구리에 적용될 수 있었습니다. 각 작품은 정말 독특했습니다.

1. 네덜란드 회화의 발전 회화는 16세기에도 플랑드르와 네덜란드가 가장 좋아하는 예술이었습니다. 이 시대의 네덜란드 예술이 15세기의 위엄 있고 차분하며 성숙한 개화와 훨씬 더 중요하고 자유로운 발전에도 불구하고

2. 에나멜 페인팅 유리 페인팅의 변형과 긴밀한 접촉을 통해 앞서 설명한 리모주 에나멜 페인팅의 발전이 이루어졌습니다. 새로운 형태로, 정확하게는 붉은 보라색 살을 지닌 그리즐 그림(회색 바탕의 회색) 형태입니다.

2. 포르투갈 회화의 형성 포르투갈 회화의 역사는 Raczynski 시대부터 Robinson, Vasconcellos 및 Justi에 의해 설명되었습니다. 에마누엘 대왕과 요한 3세 치하에서 고대 포르투갈 회화는 계속해서 네덜란드 해협을 따라 이동했습니다. 프레이 카를로스, 작가

1. 영국회화의 기본 영국의 위대한 중세 미술을 반영하는 것은 16세기 전반 유리에 그린 영국회화들 뿐이다. 그들은 Whistleck에 의해 조사되었습니다. 우리는 그들에 대한 몇 가지 논평으로 제한해야 할 것입니다. 그리고 이것에

감상주의. 카람진