Aljochina V.M., Leiterin Musikschrank

Das System der ästhetischen Bildung der Bevölkerung unseres Landes befindet sich bekanntlich in einer schweren Krise. Die wichtigsten Gründe für diese Krise sind die vorherrschende Einstellung der Verbraucher zur Kunst, die Betonung unterhaltsamer Formen der modernen Massenkultur im Gegensatz zu herausragenden Beispielen klassischer und moderner Kunst sowie der traditionellen Volkskultur.

Eine Möglichkeit, das Problem der Kunsterziehung und der ästhetischen Bildung von Schulkindern zu lösen, ist die Kunst der Lokalgeschichte – wie Komponente Allgemeine Ortsgeschichte. Musikalische Folklore in all ihrer Vielfalt an Genre-, historischen und dialektalen Erscheinungsformen wird als wichtigster und integraler Bestandteil der gesamten nationalen Kultur dargestellt Musikkultur insbesondere. Fragen der Theorie und Geschichte der Volksmusik, inhaltliche Besonderheiten, Besonderheiten künstlerischer Formen der Musikfolklore, Aufführungstraditionen, Wechselwirkung von Volks- und Berufskulturen, Stand und Entwicklungsperspektiven von Elementen der traditionellen Musikkultur – das Spektrum von Schlüsselprobleme der modernen Musikfolkloristik.

Wenn heute der natürliche Mechanismus der Weitergabe traditioneller spiritueller Werte von Generation zu Generation nahezu zerstört ist, hängt die Kontinuität der Folklore weitgehend von den zielgerichteten Aktivitäten von Bildungs- und Kultureinrichtungen ab. Mehrere Jahre lang wurde in der Region Lipezk Expeditionsarbeit von professionellen Forschern durchgeführt: Mitarbeitern des Regionalen Hauses für Volkskunst und Lehrern der Regionalen Kunsthochschule Lipezk. K.N. Igumnova
V.B. Stebeneva, K.L. Ivashchenko, E.B. Werschinina, V.V. Gribanova,
N.V. Chesnokova, Wissenschaftler - Ethnographen des Moskauer Staatskonservatoriums. PI. Tschaikowsky N.N. Gilyarova, V.M. Shchurov, Schulmusiklehrer und Leiter von Kinderfolklore- und Folklore-ethnografischen Gruppen T.V. Smolyakova (vorbildliches Folklore- und ethnografisches Kinderensemble „Vesnushka“ des Gymnasiums Nr. 1 der städtischen Bildungseinrichtung in Lipezk), N.A. Prikhodko (Folklore- und ethnografisches Ensemble des Dorfes Kolybelskoye, Bezirk Chaplyginsky), N.G. Yurkova (vorbildliches Kinder-Folkloreensemble „Businki“ im Dorf Chastaya Dubrava, Region Lipezk), N.M. Bartenyeva (vorbildliches Kinder-Folkloreensemble „Khoroshki“ im Dorf Yablonevo, Bezirk Krasninsky) usw.

Die Lipezker Musikfolklore und die Originalität ihres Genresystems werden in zahlreichen Sammlungen präsentiert, die von Mitarbeitern des Regionalhauses für Volkskunst herausgegeben wurden. E.B. Werschinina ist eine derjenigen, die das gesammelte Material professionell notiert. In einem der Einführungsartikel zur Notenveröffentlichung „Melodien aus der Region Lipezk“ schreibt sie darüber, wie sich Liedtraditionen im Gebiet des oberen Dongebiets entwickelten. „Die meisten Dörfer hier entstanden ab dem 16. Jahrhundert, im 17. – 18. Jahrhundert, gerade dann entstand die südrussische Tradition, deren Gebiet auch unsere Region umfasst. Das Territorium der modernen Region bestand aus den Grenzgebieten von fünf Provinzen. Die Besonderheiten der Besiedlung bestimmten eine charakteristische Verschmelzung der Volkskultur: Einerseits entstand daraus eine einheitliche regionale Tradition der oberen Donregion, andererseits eine bekannte Vielfalt und Vielfalt an Liedsystemen. Die zentrale Komponente in den südrussischen Liedsystemen sind Rundtänze und Tanzlieder, die die Grundlage für den musikalischen Code des Hochzeitsrituals bilden. Es ist kein Zufall, dass viele von ihnen im oberen Don-Gebiet scheinbar von Genre zu Genre „wandern“: Hochzeitslieder werden von den Interpreten als Rundtanz- und Tanzlieder bezeichnet, diese wiederum als Hochzeitslieder. Hier findet ein Genre-Neudenken der Songs statt. Darüber hinaus sind lokale Traditionen durch ein weiteres Phänomen gekennzeichnet, das als sekundäre Liederassoziation bezeichnet wird. Beispielsweise können bestimmte Arten von Liedchen einer Hochzeit gewidmet sein, und lyrische Lieder und Tanzlieder können Kalenderfeiertagen gewidmet sein.“

Bis heute wurde nicht alles, was die lebendige Folkloretradition weiterhin hervorbringt, aufgezeichnet und veröffentlicht. Es wird weitere Expeditions- und Lokalgeschichtsarbeit mit Archiv- und Expeditionsmaterialien geben, die einen professionellen Ansatz bei der Audio- (normalerweise Mehrkanal-) und Videoaufzeichnung sowie der Notation von Musiktexten erfordert. Die Beziehungen zwischen musikalischer, poetischer und bildender Kunst werden erforscht, Bereiche der Folklore werden untersucht, in denen Musik untrennbar mit Tänzen, Spielen, spektakulären und verbalen Formen der Volkskunst verbunden ist. Dies offenbart die Vielschichtigkeit der Folklore, ihre ursprüngliche Synthese, den sogenannten Synkretismus. Folklore ist mündliche Kreativität, die durch die mündlich-auditive, nachahmende Methode erworben wird. Mit „Oralität“ ist auch die Tatsache verbunden, dass ein Folklorewerk nur im Moment der Live-Aufführung existiert und wahrgenommen werden kann, dessen „Kunstfertigkeit“ und „Bildsprache“ von bestimmten momentanen Situationen und Reaktionen der Zuhörer abhängen, was ein solches manifestiert der Eigenschaften folkloristischer Kommunikation. Variation ist eine unveränderliche Eigenschaft des Lebens von Folklorematerial (Gesang, Instrumental, Tanz), daher existieren in der Folklore „Schöpfung – Aufführung“ und „Aufführung – Schöpfung“ in einem einzigen kreativen Akt nebeneinander. In diesem Zusammenhang bleibt die Frage relevant: „Ist eine Folkloreaufführung, die Inszenierung von Kalender- und Familienritualen auf der Bühne als Konzertaufführung möglich?“

Seit einigen Jahren wird Folklore durch Folklorismus oder „sekundäre Folklore“ ersetzt. Dieses Phänomen ist international und seine Formen sind vielfältig: die Verwendung von Folklore in Varieté- und Unterhaltungsprogrammen, in der Tourismus- und Handelsbranche; Verarbeitung und Zitierung von Folklorewerken im Werk professioneller Komponisten, Schaffung origineller Folklorekompositionen auf der Grundlage der Verwendung von Elementen der Folkloresprache. Es ist zu beachten, dass die Interpretation von Folklorewerken durch unechte Interpreten (professionelle akademische Sänger, volkswissenschaftliche Chöre, professionelle und Amateur-Lieder- und Tanzensembles) als Volkskunst ausgegeben wird. Die Einstellungen zum Folklorismus sind unterschiedlich; er kann sowohl als Ersatz für Folklore („Kultivierung“ mit modernen Rhythmen, Klangfarben, Aufführungsweisen) als auch als eine Möglichkeit betrachtet werden, „Neuheit“ und nationales Flair in den Bereich der künstlerischen Kultur zu bewahren und einzuführen .

Ethnografische und Folkloregruppen, deren Repertoire ausschließlich authentische Aufführungsbeispiele umfasst (unter Beibehaltung des lokalen Dialekts und seiner phonetischen Merkmale), ermöglichen es Ihnen, der authentischen Folklore so nahe wie möglich zu kommen. Einige Ensembles sind so tief in den lokalen Gesangsstil verstrickt, dass sie gemeinsam mit den wahren Trägern der Tradition frei improvisieren und Lieder in vielen Stimmen singen können. Solche Fähigkeiten besitzen die Künstler der Folklore- und Ethnographiegruppe „Auferstehung“ des Regionalen Hauses der Volkskunst unter der Leitung von K.L. Iwaschtschenko. Das Ensemble erhielt diesen Namen im Zusammenhang mit dem Wunsch seiner Mitglieder, die Lieder ihres Heimatlandes, die heute in den Dörfern am Oberlauf des Don fast aus der Gesangspraxis verschwunden sind, zu beherrschen und vor dem Vergessen zu bewahren und wiederzubeleben.

Die Phänomene Folklore und Folklorismus finden auch im schulischen Musikunterricht statt. Bei der Beherrschung der Genre- und Stilspezifika der regionalen Musikfolklore sollte ernsthaft auf das Bewusstsein des Lehrers für die Vielfalt der ursprünglichen volkskulturellen Traditionen geachtet werden, die sich in Nord-, Süd-, Mittel- und Westrussland, der Wolga-Region und Sibirien entwickelt haben. Es manifestiert sich sehr breit: Die Dialekte („okanie“, „yakanie“, „akanie“ usw.), die Art der Intonation, die Bewegungen unterscheiden sich, es gibt gravierende Unterschiede bei Ritualen und Kostümen. Aus der Praxis der Folkloreaufführung ist es wichtig, stilistische Verwechslungen von Gesangsweisen, Dialekten und Inkompatibilitäten von Elementen der Volkstracht auszuschließen verschiedene Regionen Länder und kennen den Zweck und die grundlegenden Unterschiede zwischen traditioneller Kinder- und Erwachsenenkleidung.

Der Bildungsstandard für die Grund- und allgemeine Grundbildung in Kunst (Fach „Musik“) sieht die obligatorische Einführung russischer Musikfolklore und volksmusikalischer Traditionen des Heimatlandes in den Inhalt der Schullehrpläne vor. Der Unterricht sowie außerschulische Arbeitsformen sollen dazu beitragen, den Kindern ein ganzheitliches Panorama der Musikkunst von der Aracha bis zur vielseitigen Moderne zu eröffnen. Wissenschaftler - Musikwissenschaftler B.V. Asafiev sah in der Musikfolklore eine „Intonationsunterstützung“ für die Entwicklung von Hörfähigkeiten und eine Kultur des Hörens akademischer Musik und glaubte, dass die musikalische Grundausbildung genau auf der „Ethnographie des Hörens“ aufbauen sollte.

Wir erkennen das Recht auf die Existenz authentischer und stilisierter Folklore in der Schulpraxis an und stellen fest, dass es heute an authentischen Beispielen mit Schwerpunkt auf der regionalen traditionellen Kultur mangelt.

Die Praxis zeigt, dass Kinder in der Regel ein großes Bedürfnis nach künstlerischen Ausdrucksformen haben. Je früher ein Kind Folklore als synkretistische Kunst lernt, desto „synkretistischer“ ist es von Natur aus und nimmt wahr die Umwelt als wäre es lebendig, belebt. Mit der Einbeziehung der Hauptgattungen der Volksmusik in den Schulunterricht wird gleichzeitig eine folkloristische Methode zur Beherrschung des Stoffes eingeführt, die auf Spiel, Dramatisierung und der mündlichen Methode der Vermittlung von Aufführungserfahrungen basiert. Variabilität, Improvisation, Nachahmung, die dem Musizieren von Kindern und der Natur des Aufbaus von Volksliedern zugrunde liegen, können den Lernprozess auf natürliche und zugleich künstlerische Weise gestalten. Gleichzeitig werden pädagogische Aufgaben gelöst: die Entwicklung einer kommunikativen Kultur, Koordinations- und Selbstbeherrschungsfähigkeiten, Verhaltens- und Hingabeethik, Gelassenheit und Wille, das Phänomen der kollektiven Kreativität, bei der das Endergebnis von den Bemühungen abhängt alle. Darüber hinaus ist das Spielen von Volksmusik ein wirksames kunsttherapeutisches Instrument.

1. Werke der kindlichen Kreativität – Lieder, Sprüche, Zählreime, Spiele, Märchen.

2. Kreativitätswerke von Erwachsenen für Kinder – Schlaflieder, Kinderreime, Kinderreime.

3. Werke, die die Welten von Erwachsenen und Kindern vereinen:

• 
  Musikmaterial, das von Erwachsenen ausgeliehen und von Kindern entsprechend ihrem Geschmack und Interesse verarbeitet wird;
• 
  Lieder – Fragmente, Ausschnitte aus „erwachsenen“ Liedern;
• 
  Lieder, die vollständig und unverändert von Erwachsenen an Kinder weitergegeben wurden.

Ausflüge, Expeditionsaktivitäten mit modernen technische Mittel, das über den Rahmen einer Schulstunde hinausgeht und organisch in die Planung der Bildungsaktivitäten eines Folklorekreises eingebunden wird, hilft den Schülern beim Meistern wahres Leben Die Methode des Volksliederschreibens und der musikalischen Sprachintonation wird zur Grundlage für den Unterricht von Kindern ihrer Muttersprache in der musikalischen und poetischen Sprache ihres Wohnortes. Von besonderem Wert ist die Gelegenheit zu wiederholten Treffen mit lokalen Volkskünstlern und zum gemeinsamen Musizieren (in späteren Phasen nach dem anfänglichen Erlernen authentischen Musikmaterials).

Theoretische Ausbildung im Rahmen von Schulklassen, Kenntnisse der in der Volkskunst wichtigen Grundlagen der Mythologie und Symbolik helfen dabei, Fragen zu den Hauptbereichen des Expeditionssammelns richtig zu formulieren, darunter: Kalenderrituale; rituelle Lieder (rituell, beschwörend, majestätisch, vorwurfsvoll, verspielt, lyrisch, unterzeremoniell); Familien- und Haushaltsrituale; historische Lieder; Epen, Balladen, Geschichten, Legenden; Verschwörungen; Märchen; nicht-rituelle Lieder, Liedchen; Kinderfolklore; Volkstheater; Sprichwörter, Sprüche, Rätsel. Liegt ein Pass für ein volkskundliches Werk vor, kann das Material als wissenschaftliche Aufzeichnung gelten. Es systematisiert Daten über den Sammler, den Zeitpunkt der Aufnahme des Folklorewerks, den Ort seiner Aufnahme, den Informanten sowie zusätzliche Informationen: Bestimmung des Genres, Art der Aufführung, wann und von wem es gelernt wurde usw. Expeditionär Die Aktivität ist im Wesentlichen ein langfristiges Projekt, an dem Schüler verschiedener Klassen und schulübergreifende Gruppenverbände des Bezirks teilnehmen können. Das Ergebnis der Arbeit kann musikalische Darbietungsaktivitäten, die Organisation und Durchführung von Volkskalenderferien in der Schule und in geförderten Institutionen, gedruckte Werke und Artikel in der Zeitung, Gestaltung und Übergabe von Materialien an das Heimatmuseum sowie die Schaffung eines Schulmuseums für Kunst sein Kultur des Heimatdorfes.

Dank solcher Ansätze kann musikalische Folklore zu einer Methode werden, Kinder an die reiche Schicht der Volkskultur heranzuführen, eine wichtige primäre Wissensquelle über ihre Region.

Literatur

Naumenko G.M. Folklore-Alphabet. Lernprogramm für die Grundschule. – M.: Verlagszentrum „Akademie“, 1996.

Bewahrung und Wiederbelebung folkloristischer Traditionen. Fehler 1. – M., 1990 (Gesammelte wissenschaftliche Arbeiten / Forschungsinstitut für Kultur).

Kruglov Yu.G. Folklorepraxis: Ein Handbuch für Studierende der Pädagogik. Inst. - M.: Bildung, 1986.

Zueva T.V.: Russische Folklore: Worte. - Referenz – M,: Bildung, 2002.

Melodien der Region Lipezk: Sammlung. Adv. Lieder /Hrsg.-Komposition E.B.Vershinina.-Lipetsk: IG INFOL LLC, 2004.

Wie Aktie 1424 Aufrufe

Musikkultur des Heimatlandes.

Präsentation herunterladen

Musikkultur des Heimatlandes

ENDE - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - -

Keine zugehörigen Präsentationen.

Präsentationstranskript

Was wir leben. Wir sind umgeben von Häusern, Wald, Fluss, Auen, Steppe. Die Liedtraditionen des Heimatlandes wurden von Generation zu Generation weitergegeben. Zunächst entstand die Volksliedkultur des Heimatlandes. Nach der Taufe der Rus im Jahr 988 begann sich die spirituelle Kultur des Dorfes Prishiba zu entwickeln. Als die Notenschrift erschien, entwickelte sich die Musik des Komponisten aus seiner Heimat. IN moderne Stadt In Leninsk und der Leninsky-Region gibt es volkstümliche, spirituelle und kompositorische Musiktrends. Volksmusikkultur ist die Musik, die von den Menschen in unserer Region komponiert oder aufgeführt wurde. Es gibt viele solcher Lieder. Spirituelle Musikkultur ist Musik, die in Kirchen aufgeführt wird. Die Musikkultur des Komponisten ist Musik, die von Komponisten komponiert oder in unserer Region aufgeführt wird. Die Musikkultur des Heimatlandes besteht aus Tanz-, Gesangs- und Kreativgruppen des Kinder- und Jugendzentrums, dem Oktoberkulturpalast, einer Musikschule, einem Jugendzentrum, einem Familienzentrum und Weiterführende Schulen. Beginnen wir mit unserer Geschichte.

Kreativgruppen des Kulturpalastes „OktoberGesangsrichtungen. Gesangsstudio „Exemplary“, „Remix“ – Regisseurin Elena Alekseevna Kuznetsova. Schüler sind Kinder im Alter von 5 bis 17 Jahren. „Pochemuchki“ – Gesangsgruppe 5-6 Jahre alt. Sie spielen Kinderlieder. „Impulse“ wurde vor drei Jahren, im Jahr 2010, organisiert. Die Alterskategorie der Kinder ist 11-12 Jahre alt. Sie spielen mehr Lieder für Erwachsene. Das Auftrittsrepertoire ist vielfältig. Shaikina Marina Valerievna. Die Gesangsgruppe „Patriot“ und 2013 das Baby „Trio - Patriot“ wurden gegründet. Volkschor der Kriegs- und Arbeitsveteranen. Leiterin Brytchenko Nina Viktorowna. Das Repertoire an Liedern ist vielfältig. Sie singen über Russland, über ihr Heimatland, sowjetische Lieder von gestern. Sie sind mit einem Senioreninternat befreundet. Zu den Mitgliedern zählen Personen ab 55 Jahren. Der Chor besteht aus 25 Personen. Instrumentalanweisungen. Lichmanov Andrey Georgievich – „Balalaika spielen.“ Zusammensetzung: Jungen 14 Jahre alt.

Borisova Elena Viktorovna. Leiter von Tanzgruppen: Volkstanz für Kinder, Gesellschaftstanz.

Brytchenko ist der Leiter des Chores der Kriegs- und Arbeitsveteranen.

Kreativgruppen des Kinder- und Jugendzentrums. Instrumentale Leitung. Vorbildliche Kinderblaskapelle „Harmony“. Der Dirigent des Orchesters ist Alexander Petrowitsch Sacharow. Die einzige Kinderblaskapelle in der Gegend. Sie sind Gewinner gesamtrussischer Wettbewerbe und Festivals. Die Blaskapelle ist der Stolz unserer Stadt. Varieté-Ensemble. Leiter des Ensembles Dobrokhotov A.V. Gitarre Dobrokhotov A.V. Dieses Ensemble arbeitet seit drei Jahren. Die Jungs fangen gerade erst an. Gesangsleitung. Vorbildliches Gesangsstudio „Do-mi-sol-ka“. Die Leiterinnen des Studios sind Alla Mikhailovna Zakharova und Tatyana Yurievna Palekhova. Das Studio wurde 2004 gegründet. Die Sänger besuchten mehr als 20 Städte in Russland und im Ausland. Jährlich findet der Regionalwettbewerb „Super Star“ statt, an dem mehr als 100 Kinder aus der gesamten Region teilnahmen.

Tanzgruppen „Iskrinka“. Leitung: Yulia Valerievna Moskalenko. Das Team wurde 2002 gegründet. Die Gruppe besteht aus Mädchen im Alter von 12-15 Jahren. Richtungen: Modern, Kinderpop. "Baby Puppen." Leiterin Ekimova Maria Sergeevna. Das Team wurde 2005 gegründet. Alterskategorie der Kinder: Mädchen 6-11 Jahre alt. Richtung: stilisiert, Kinderbühne. Im vergangenen Jahr hat das Team zahlreiche Tanzwettbewerbe in Wolschski, Wolgograd und Moskau gewonnen.

Kreativgruppen der Lenin Music School of Arts. Gesangsleitung Auf der Grundlage der Schule gibt es Kinder- und Erwachsenengruppen: das Vokalensemble „Fantasy“ (Gründungsjahr – 2010) und „Pochemuchki“ (Gründungsjahr – 2010), Leiter. Makarova Olga Viktorovna Folklore-Ensembles „Zhuravushka“ (Schöpfungsjahr – 2008), „Rodnichok“ (Schöpfungsjahr – 2009), Duett „Kanavatka“ (Schöpfungsjahr – 2010) Hände. Bychinskaya Tatyana Vasilievna Volksensemble „Nachtigallen“, Leiterin. Shaikina Marina Valerievna Schulchöre „Bell“ und „Peers“ Pribalskaya Galina Viktorovna Lehrerin des Klavierensembles „Harmony“ (Gründungsjahr – 2006).

Ensemble aus Balalaika-Spielern, Ensemble aus Volkshandinstrumenten. Lichmanov Andrey Georgievich Ensemble von Domristen. Hand. Pauli Tatyana Aleksandrovna Lehrer-Klavierensemble „Harmony“ (Gründungsjahr – 2006). Ensemble von Volksinstrumenten „Naigrysh“ Tsybulko Margarita Yurievna. Abteilung für Volksinstrumente: Tsybulko Margarita Yuryevna, Stromilova Olga Efimovna, Lichmanov Andrey Georgievich, Pauli Tatyana Aleksandrovna, Sablin Sergey Vyacheslavovich. Klavierabteilung: Kravtsova Irina Sergeevna, Morozova Nadezhda Nikolaevna, Strelkina Nina Aleksandrovna, Makarova Olga Viktorovna, Pribalskaya Galina Viktorovna, Shaikina Marina Valerievna, Zinovyeva Valentina Pavlovna, Shakhulova Marina Borisovna. Musikalische Folklore: Bychinskaya Tatyana Vasilievna, Churzina Olga Vladimirovna, Tokareva Lyudmila Mikhailovna, Trusova Inna Igorevna, Azarova Tatyana Nikolaevna, Pasternak Lyubov Pavlovna.

Forschung

MBOU „Nizhneyakinskaya Secondary School“

Endgültige Zertifizierung

(Projektarbeit)

„Musikkultur des Heimatlandes“

Arbeit ist erledigt:

Schüler der 7. Klasse

Projektmanager:

Sharifullin A.M. Lehrer

MBOU „Nizhneyakinskaya Secondary School“

Das Werk ist zum Schutz zugelassen:

______________________

Projektziel und Ziele

Einführung

Abschnitt 1 – Russische Musikkultur.

Abschnitt 2 – Musikkultur der Tataren.

Abschnitt 3 – Musikkultur der Mari.

Abschnitt 4 – Musikkultur der Ukrainer.

Abschnitt 5 – Musikkultur der Baschkiren.

Abschnitt 6 – Musikkultur der Tschuwaschen.

Abschnitt 7 – Musikkultur der Kryashens.

Abschnitt 8 – Musikkultur der Mordwinen.

Abschnitt 9 – Musikkultur der Udmurten.

Abschnitt 10 – Musikkultur der Weißrussen.

Abschluss

Referenzliste

Projektziel und Ziele:

Geplantes Ergebnis: die Bildung einer positiven Einstellung und Liebe zum Heimatland durch das Studium der Musikkultur.

Typ Projekt - kreativ.

Die Form der Ergebnispräsentation ist Präsentation.

Einführung:

Musikkultur ist ein integraler Bestandteil jeder Nation, die sie besitzt Unterscheidungsmerkmale, charakteristisch nur für sie Sprachgruppe, bezogen auf den einen oder anderen Lebensraum, seien es Karelier, Finnen, Esten, Udmurten, Maris, Tataren, Tschuwaschen usw. Die kulturelle Entwicklung ist sehr interessantes Thema, aber es berührt die Seele mehr und weckt Interesse, wenn es um die musikalische Entwicklung der Kultur eines so vertrauten und heimischen Landes geht. Nicht jeder kennt die Musikkultur seines Heimatlandes, aber das sind sehr interessante und lehrreiche Informationen. Da wir in Russland leben, müssen wir die Musikkultur unserer Region kennen.

Russische Musikkultur.

(Abschnitt 1)

Russische Musikkultur etwas anders entwickelt als ausländische Musik. Vor ihrer Blütezeit und der Gründung der ersten nationalen Kompositionsschulen zu Beginn des 19. Jahrhunderts durchlief sie einen langen Entwicklungsweg. Als Beginn der russischen Musik kann das 9. Jahrhundert angesehen werden – die Entstehung des altrussischen Staates. Bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts war die weltliche Musik nicht professionell; die Hauptmusikrichtungen lagen im Bereich der Folklore und der geistlichen Musik. Seit dem 19. Jahrhundert hat die russische Musik einen eigenen, vom europäischen abweichenden Entwicklungsweg eingeschlagen. Basierend auf Volksmusik und historischen Ereignissen gründeten die Komponisten eine unabhängige nationale Schule, deren führende Genres die epische Oper und die Symphonie waren. Im 20. Jahrhundert kam es zu einer Durchdringung und gegenseitigen Bereicherung der russischen und europäischen Kulturen, zur Entstehung synthetischer Genres.

Musikkultur der Tataren.

(Sektion 2)

Die traditionelle tatarische Musik basiert auf dem im Osten weit verbreiteten Fünftonsystem – der Pentatonik, die typisch für chinesische, vietnamesische, koreanische und ungarische Volksmusik ist. Gleichzeitig bauen darauf die Lieder der Mari, Tschuwaschen und Mordwinen auf – also Völker, deren historische Schicksale eng mit der Geschichte des tatarischen Volkes verknüpft sind. Die Melodie des tatarischen Liedes, insbesondere das langwierige, unterscheidet sich jedoch erheblich durch das Vorhandensein hochentwickelter Verzierungen, was es den östlichen Traditionen näher bringt. Diese Verzierung verleiht der Musik nicht nur eine besondere Würze, sondern ist auch ein wichtiges Mittel zur Dynamisierung ihrer Intonationsentwicklung. Hier wäre eine natürliche Parallele zur Verzierung der Melodie des Komponisten F. Chopin. Die traditionelle tatarische Musik hat verschiedene Stile und Genres. Sein emotionaler Inhalt und sein musikalischer Stil manifestieren sich in der konzentriertesten Form im lyrischen Nachklang, der hier in der Interpretation anerkannter Meister der Volksmusik dargeboten wird. Aber das traditionelle Lied ist nicht nur ein Denkmal des Volksliedes; es ertönt noch heute in Radio- und Fernsehprogrammen, Konzertprogramme Oh.

Musikkultur der Mari.

(Sektion 3)

Die Mari haben seit langem ihre eigene, ursprüngliche Musikkultur. Die Musik der Mari zeichnet sich durch ihren Formen- und Melodiereichtum aus. Die nationalen Musikinstrumente der Mari sind Gusli, Blase, Trommel und verschiedene Trompeten, die an Feiertagen sowie einige religiöse Zeremonien auf Volksmusikinstrumenten begleitet wurden Lieder und auf ihnen wurde instrumentale Volksmusik aufgeführt. Es ist interessant festzustellen, dass die russischen Komponisten Balakirew, Glasunow und Afanasjew sich für die Musik des Mari-Volkes interessierten und sie in ihren Werken verwendeten. Die Kreativität der Mari-Komponisten entwickelt sich auf der Grundlage der Mari-Volksmusik. Der Begründer der professionellen Mari-Musik ist der erste Mari-Komponist, I. S. Palantai. Er legte den Grundstein für den polyphonen Chorgesang in der Mari-Musik.

Musikkultur der Ukrainer (Abschnitt 4)

Die ukrainische Musikkultur hat ihren Ursprung in der Antike Ostslawen. Es ist im Laufe der Jahrhunderte seit dem 14. Jahrhundert entstanden. Seine Grundlage war die ursprüngliche Liedfolklore des ukrainischen Volkes, die seine Geschichte und seinen nationalen Befreiungskampf widerspiegelte. Volksmusik entwickelte sich als Kunst der einstimmigen sowie polyphon-subvokalen und harmonischen Komposition in vokaler, vokal-instrumentaler und instrumentaler Form. Die Melodie und der Rhythmus ukrainischer Lieder sind reichhaltig. In den zentralen und südöstlichen Regionen wird polyphoner Gesang entwickelt, der dem Russischen und Weißrussischen ähnelt. In Westpodolien und den Karpaten sind die Lieder meist monophon, enthalten viele archaische Züge und Spuren von Verbindungen zur polnischen, slowakischen, tschechischen sowie rumänischen und ungarischen Kunst. Die Intonation und modale Struktur der ukrainischen Musik ist vielfältig – von der Halbtonskala bis hin zu Dur und Moll. Zu den Volksinstrumenten zählen Geige, Basolya (Saiten-Bogen), Kobza, Bandura, Torban (Saiten-Zupfinstrument), Hackbrett (Saiten-Schlaginstrument), Leier (Saiten-Tastatur), Sopilka, Trembita (Blasinstrumente) und Maultrommel (Drymba, Rohrblatt gezupft), Trommel, Tamburin, Tulumbas (Schlagzeug).

Musikkultur der Baschkiren (Abschnitt 5)

Das musikalische Schaffen der Baschkiren zeichnet sich durch eine tiefe Antike aus. Daten aus der ethnischen Geschichte der Baschkiren sowie in der Folklore selbst enthaltene Materialien geben Anlass zu der Annahme, dass die Bildung der baschkirischen Volksmusik zu einem einzigen figurativen, semantischen und stilistischen System gleichzeitig mit der Bildung einer einzigen baschkirischen Nationalität erfolgte verschiedene Stammesgruppen. Es ist bekannt, dass sich die musikalische Folklore ständig weiterentwickelt und verändert, jedoch über die Jahrhunderte hinweg grundlegende Elemente wie Intonation, Volen, modale und rhythmische Formationen und in einigen Fällen einzelne Handlungsstränge und Bilder erhalten geblieben sind. Natürlich spiegelten sich die Prozesse der entstehenden baschkirischen Nationalität im System der musikalischen Ausdrucksmittel ebenso wider wie in der Sprache und anderen Elementen der materiellen und spirituellen Kultur der Baschkiren. Der Reichtum und die Originalität der baschkirischen Musikfolklore ist größtenteils auf den langen Prozess der Interaktion und Verschmelzung der Folklore des alten baschkirischen Volkes mit den musikalischen und poetischen Formen der türkischen Stämme zurückzuführen. Dieser Prozess verlief so organisch und schrittweise, und die Rolle der Musik der alten baschkirischen Stämme war so dominant, dass sich zum Zeitpunkt der Bildung der vereinten baschkirischen Nation eine reiche und vielfältige Folklore entwickelt hatte, die sich durch Originalität und Einheitlichkeit des Stils auszeichnete. Die in der mündlichen Überlieferung existierende Volkskunst verändert sich natürlich ständig. Einzelne Formen und Genres sterben aus, und an ihrer Stelle entstehen neue, die Merkmale der Kontinuität tragen. Dieser Prozess dauert von der Antike bis heute an.

Musikkultur der Tschuwaschen (Abschnitt 6)

Tschuwaschische Musik- das ist der musikalische Reichtum der tschuwaschischen Kultur, der jahrhundertealte Folklore, das Werk tschuwaschischer und russischer Komponisten des 20. Jahrhunderts, die eine klassische Schatzkammer schufen, moderne Volkslieder und Theateraufführungen vereint. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurde die Musikkultur der Tschuwaschen nur durch Volksgesänge repräsentiert. In der antiken Folklore sind Lieder Alltags-, Ritual-, Arbeits-, soziale und historische Lieder.

Volk Musikinstrumente Tschuwaschisch – Pfeife, Dudelsack aus Stierblase und Sarnai aus Ziegenhaut, Warkhan und Palnai, Harfe, Khankarma-Trommel; Auch Geige und Akkordeon hielten Einzug in den Alltag.

Professionelle Musikkunst in Tschuwaschien entstand nach der Oktoberrevolution von 1917.

Die traditionelle Musikkultur der Tschuwaschen ist untrennbar mit dem Leben der Menschen, ihrer Geschichte, Ethnogenese und soziokulturellen Entwicklung verbunden. Im alten Tschuwaschisch kulturelles Erbe Im Laufe der Jahrhunderte entstanden verschiedene Genreschichten der traditionellen Musikkultur, die dann eine produktive Phase ihrer Existenz erlebten und zur Blüte und Stabilisierung der entwickelten Formen führten. Jede weitere Entwicklungsstufe der traditionellen Musikkultur lehnte das Frühere nicht ab, sondern bewahrte und steigerte sein Volumen ständig.

Musikkultur der Kryaschens.

(Abschnitt 7)

Die traditionelle Musik- und Instrumentalkunst der Kryashens ist auf nationaler Ebene von künstlerischem Wert. Sein Studium als eigenständiges musikwissenschaftliches Objekt ist darauf zurückzuführen gemeinsame Aufgaben, gegenüber der tatarischen Ethnologie im Studium der gesamten Instrumentalkultur des tatarischen Volkes. Ab dem Ende des 19. Jahrhunderts begannen sich Ethnographen für die Besonderheiten der Kultur, Rituale, Bräuche, Volksmusik und Poetik der Krjaschen zu interessieren. Vorrevolutionäre Forscher des Lebens der Kryashens wie M. Appakov, E.A. Bekteeva, V.N. Vitevsky, R.P. Dauley und andere veröffentlichten verschiedene Artikel und Aufsätze, die einzigartige Materialien über die traditionelle Kultur der Kryashens widerspiegelten. In der Sowjetzeit widmeten N. I. Vorobyov und Yu. G. Mukhametshin ihre Werke dem Studium der materiellen und spirituellen Kultur der Krjaschen.

Musikkultur der Mordwinen.

(Sektion 8)

Die Ursprünge der professionellen Musikkunst Mordwiniens liegen in der ursprünglichen und entwickelten musikalischen Folklore von Moksha und Erzi, deren Besonderheit die einzigartige Polyphonie in der Ensembleaufführung von Gesangsproben, ihr Genre- und thematischer Reichtum sowie die Originalität der Volksinstrumente ist .

Die Periode der Entstehung der Grundlagen der professionellen Musikkultur waren die 30er Jahre. 20. Jahrhundert. Der wichtigste Faktor Entwicklung war die Definition des Staatsstatus Mordwiniens als autonomes Gebiet, als autonome Republik (1934). Aber die Voraussetzungen aktiver Prozess Formationen waren in früheren Jahrzehnten enthalten. Eine der Möglichkeiten, die spirituelle Unabhängigkeit des Volkes zu etablieren, war das Sammeln, Studieren und Veröffentlichen mordwinischer Volkslieder in Sammlungen. Sehr wichtig kam es zu einer Annäherung an die fortgeschrittene russische Kultur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts.

Musikkultur der Udmurten.

(Abschnitt 9)

Udmurtische Musik entwickelte sich über einen langen historischen Zeitraum im Rahmen der mündlichen Volkskunst. Die Gesangskunst der frühen Tradition geht auf die alte finno-ugrische Musik zurück; viele verwandte Merkmale in der Intonations-Modal-Struktur und der Metro-Rhythmus-Struktur bringen sie der Komi-Musik näher. Nach 1917 begann man mit der Sammlung und dem Studium der Udmurtischen Musikfolklore. Die ersten Veröffentlichungen wurden vom berühmten Dichter, Folkloristen und Interpreten nationaler Lieder K. Chainikov initiiert.

Die Ritualpoesie der Udmurten zeichnet sich durch eine Vielzahl von Liedgenres aus. Die nördlichen UDMurten unterscheiden zwei Arten musikalischer Kreativität: Mist- Melodie, Lied ohne Worte - und verrückt- ein Lied mit Worten, oft mit einer Handlung. Eine besondere Gruppe besteht aus Reigen-, Spiel- und Tanzliedern. Der nicht-rituelle Teil der Udmurtischen Folklore wird durch Werke repräsentiert, die je nach Einstellung gegenüber dem Erzähler als Nicht-Märchen oder Märchenprosa klassifiziert werden können.

Musikkultur der Weißrussen (Abschnitt 10)

Die Musik Weißrusslands ist die Musikkunst der Republik Weißrussland, die sich durch Originalität und nationales Flair auszeichnet und Musikstile von Volksmusik bis hin zu moderner Musik umfasst.

Die belarussische Volksmusik hat ihren Ursprung in der alten Kultur der Ostslawen. Die Besonderheit der belarussischen Volksmusik ist die ursprüngliche Folklore ritueller Lieder.

Volkstänze wurden zu einem wichtigen Bereich bei der Bildung der nationalen Musikkultur. Unter den Volksinstrumenten haben sich Duda, Zhaleika, Gudok, Leier, Violine und Becken weit verbreitet.

Ab Ende des 19. Jahrhunderts begann der Aufschwung der belarussischen Kultur und Musik: Es wurden belarussische Musikschulen und Volkskonservatorien eröffnet und Theater gegründet. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts begann eine neue Blütezeit der belarussischen Kultur und Musik. Die Werke des berühmten Pianisten und Komponisten des 19. Jahrhunderts A. I. Abramovich basieren auf belarussischen Melodien.

Abschluss:

Die Erfahrungen mit der öffentlichen Bildung aller ethnischen Gruppen, Nationen und Völker sind sehr reichhaltig. Wie eine Analyse der traditionellen Bildungskultur gezeigt hat, ist diese Erfahrung durch nahezu identische Anforderungen an die Qualitäten der zu bildenden Persönlichkeit und das Mittelsystem ihrer Erziehung und Ausbildung gekennzeichnet. Es stellt eine einzigartige (der gesamten Menschheit gemeinsame) Volksweisheit dar, ein System universeller menschlicher Werte, das sich über Jahrhunderte bewährt hat. Dies bedeutet jedoch nicht, dass Sie das gesamte Arsenal nutzen müssen Hausmittel und Bildungsfaktoren ohne Änderungen und kritische Bewertung. Es ist notwendig, diejenigen zu nehmen, die heute funktionieren, und sie mit unseren Vorstellungen über Humanismus und universelle menschliche Werte in Zusammenhang zu bringen.

Nach der Analyse unserer Recherchen kamen wir zu dem Schluss, dass wir uns mehr für die Musikkultur unseres Heimatlandes interessieren müssen. Erfahren Sie mehr über die Geschichte und Biografie der Künstler. Hören Sie sich außerdem Auftritte von Musikgruppen an und besuchen Sie diese.

Referenzliste:

http://lib7.com/cccp/631-kyltyra-mariicev.html Musikkultur der Ukraine. M., 1961 http://lib.a-grande.ru/music.php https://ru.wikipedia.org/wiki/Chuvash_music https://ru.wikipedia.org/wiki/Music_of Belarus

I.R. Tagirov „Essay über die Geschichte Tatarstans und des tatarischen Volkes (20. Jahrhundert).“ – Kasan: Tatar Book Publishing House, 1999.

Kryashens // Völker Russlands. Atlas der Kulturen und Religionen. - M.: Design. Information. Kartographie, 2010. - 320 S.

https://ru.wikipedia.org/wiki/Culture_of Udmurtia

Sergushova Nadezhda

Die Ursprünge und Entwicklung der Musikkultur der Region Astrachan.

Herunterladen:

Vorschau:

Um Präsentationsvorschauen zu nutzen, erstellen Sie ein Konto für sich selbst ( Konto) Google und melden Sie sich an: https://accounts.google.com

Bildunterschriften:

Musikkultur des Heimatlandes Vorbereitet von Nadezhda Sergushova, einer Schülerin der 7. Klasse „A“ der MBOU „Secondary School No. 24“.

(Astrachaner Bischofschor) Die Ursprünge und die Entstehung der professionellen Musikkultur von Astrachan liegen in der sehr fernen, absehbaren Vergangenheit und ihre Geschichte ist mit Vertretern verschiedener Nationalitäten verbunden, aber Persönlichkeiten der russischen Musikkunst hatten einen Vorteil. Es ist wahrscheinlich angemessener, die Geschichte der professionellen Musikkultur von Astrachan vom Beginn des 17 existiert heute.

Dennoch reicht das aktive Bedürfnis der Astrachaner Gesellschaft nach der Musikkunst bis zum Ende des 19. Jahrhunderts zurück, was durch verschiedene soziohistorische und kulturelle Faktoren und vor allem durch das Auftauchen einer Galaxie hochtalentierter Musiker und Komponisten begünstigt wurde in großen Städten Russlands und in seinen Hauptstädten. Astrachan liegt am Stadtrand Russisches Reich, teilte das Schicksal vieler Provinzstädte, zeigte aber gleichzeitig im Bereich der Musikkultur seine Originalität.

Kluge Persönlichkeiten, die nach Astrachan kamen, um dort zu leben und zu arbeiten, konzentrierten sich um sie, professionelle Musiker und Amateure, die mit ihnen am meisten verbunden waren Wichtige Veranstaltungen Kulturgeschichte der Stadt. In der Regel verfügten diese Personen auch über Organisationstalent; dank ihrer Begeisterungsfähigkeit entstanden neue Zweige des musikalischen und gesellschaftlichen Lebens und die Fortführung bereits etablierter Traditionen. Ein so wichtiges Ereignis wie die Eröffnung des Konservatoriums ist auch mit der Ankunft professioneller Musiker aus anderen Regionen – Regionen und Republiken – verbunden. Aber natürlich leisteten auch die einheimischen Musiker aus Astrachan einen bedeutenden Beitrag zur Musikkultur. Viele von ihnen, die talentiertesten, verließen ihre Heimatstadt, erlangten große Erfolge und nationale Anerkennung, verloren jedoch nicht die Verbindung zu Astrachan und trugen auf jede erdenkliche Weise zur Bereicherung seiner Musikkultur bei.

So herausragende Künstler wie Valeria Barsova und Maria Maksakova sind untrennbar mit Astrachan verbunden, nach dem heute das renommierte Musikfestival für Gesangskunst benannt ist, das seit 1987 in Astrachan stattfindet und von der Regionalphilharmonie und ihrem Direktor und künstlerischen Leiter O.F. initiiert wurde. Popkov, der Autor der eigentlichen Idee des Festivals.

Tamara Milashkina begann ihre künstlerische Karriere in Astrachan. Zu dieser Galaxie von Sängern gehören auch Studenten des Staatlichen Konservatoriums von Astrachan – Solisten der führenden Opernhäuser des Landes – Oleg Biktimirov, Anatoly Bobykin, Elena Mikhailova, die bereits weit über Russland hinaus bekannt sind. Eine besondere Rolle für die Kultur unserer Region spielten die Volkskünstlerin der UdSSR Maria Petrowna Maksakova sowie die Leiterin der regionalen Kulturabteilung GV. Korschenko. Sie waren die Initiatoren der Gründung und Eröffnung des Staatlichen Konservatoriums Astrachan (1969), da es in Astrachan bereits eine Reihe von Musiker-Lehrern gab, die die Grundlage für eine neue Musikuniversität bilden konnten.

Die letzte Phase der Entstehung des Musiktheaters ist mit der Gründung des Opernstudios des Konservatoriums verbunden, dessen Direktor und Dirigent Professor F.Ya. Sepkulov, Regisseur L.L. Khimich, Direktor und künstlerischer Leiter der Philharmonie O.F. Popkov, Dirigent I.A. Smetanin. Der Zusammenschluss von Musikern des Konservatoriums und der Philharmonie, zunächst in Form des Unternehmens „Musiktheater“, führte 1996 zur offiziellen Genehmigung des Staatlichen Musiktheaters Astrachan. Die Operntruppe und das Orchester bestanden aus Absolventen und Lehrern von des Staatlichen Konservatoriums Astrachan und Absolventen der Hochschule für Kultur – einer Balletttruppe.

Die Priorität professioneller lokaler Musiker bei der Inszenierung von Opernszenen und -aufführungen lag in erster Linie bei Bildungsinstitutionen- Musikschule und dann - das Opernstudio des Konservatoriums. Die Bedeutung des Opernstudios des Konservatoriums kann kaum überschätzt werden, denn es befriedigte mehr als neun Jahre lang die Bedürfnisse der Astrachaner Liebhaber des Operngenres. Das Opernstudio des Konservatoriums brachte so talentierte Künstler hervor wie V. Gorchakov, N. Shchukina, M. Popandopulo, V. Belyusenko, V. Molokanov, E. Mikhailova, T. Gorokhova, M. Makarova, S. Antonov, L. Kaftaykina , die Solisten russischer Opernhäuser wurden, und viele von ihnen bildeten die Basis der Operntruppe des Staatstheaters Astrachan. Eine neue Etappe in der Arbeit des Opernstudios wurde mit der Inszenierung von Puccinis Oper „Tosca“ (1966) eröffnet. Die letzte Produktion des Opernstudios im 20. Jahrhundert war Pergolesis „La Maid-Madam“ und ein Programm mit Hauptszenen aus den Opern „La bohème“ von Puccini, „Rigoletto“ von Verdi, „Die Hochzeit des Figaro“ von Mozart, „Die Perlenfischer“ von Wiese.

Den Sinfonieorchestern drohte ein anderes Schicksal. Ihre Geschichte in Astrachan reicht bis in die erste Hälfte des 19. Jahrhunderts zurück, als der Dirigent I.V. ein gemischtes Orchester gründete. Dobrovolsky im Jahr 1806. Ende der 80er Jahre wurden die symphonische Musik „Scottish Symphony“ von Medndelson, „Serenade für Streichorchester“ von P.I. Tschaikowsky, Borodins symphonisches Bild „In Zentralasien„wurde von einem kombinierten Orchester professioneller Musiker des Terek-Kosaken-Regiment-Theaters unter der Leitung von N.L. aufgeführt. Lineva. 90er Jahre des 19. Jahrhunderts. verbunden mit der Zweigstelle Astrachan der Russischen Musikgesellschaft und der Musikschule, die jährlich symphonische Musikkonzerte mit vier bis acht Programmen veranstaltete. Die Konzertorganisatoren und Dirigenten waren nacheinander F.F. Keneman (1898-99), A.L. Gorelov (1899-1903), A.I. Kapp (1904-1920). Während der Saison 1919 wurden Sinfoniekonzerte vom United Symphony Orchestra dirigiert, und vier Jahre später arbeitete das Astrachan Symphony Orchestra mit dem Dirigenten N. Tessler zusammen. Später B.I. Vrana gründete im Modern-Kino ein Symphonieorchester, das vor Beginn der Filmvorführungen im Jahr 1929 klassische Musik aufführte. Die Symphonieprogramme wurden vom Astrachaner Geiger und Dirigenten G.S. geleitet. Zeichenstein. Im selben Jahr 1929 trat für sehr kurze Zeit das Symphonieensemble des Fishing College ohne Dirigenten (Direktor G. Donyakh) auf, d. h. Orchester von Amateurmusikern. 1934-1937 Es wirkte das Amateurorchester des Klubs des Rats der Handelsangestellten (Direktor M.L. Trituz) mit.

Die stabile Entwicklung des Musiktheaters und des Symphonieorchesters in Astrachan wurde erst in den 90er Jahren möglich. 20. Jahrhundert als Ergebnis einer systematischen Ausbildung von Musikern auf allen Bildungsstufen: Musikschule – Musikhochschule – Konservatorium. Nur systematisch Professionelle Aktivität Das Konservatorium trug zur Schaffung eines Kerns professioneller Musiker verschiedener Fachrichtungen bei, aus denen heute alle führenden Konzertgruppen der Philharmonie und des Musiktheaters der Stadt bestehen.

Das Astrachaner Konservatorium ist das führende Musikuniversität eine einzigartige multiethnische Region, die achte in diesem Gebiet Russische Föderation" Die Geographie der Studenten am Astrachan-Konservatorium ist riesig – von Weißrussland bis Fernost. Viele ihrer Absolventen arbeiten nicht nur vor Ort ehemalige UdSSR, aber auch in Ausland(England, Israel, Kanada, USA, Italien, Dänemark, Jugoslawien usw.), haben Ehrentitel geehrter Künstler und Künstler und erhalten die renommiertesten Preisträger internationale Wettbewerbe und Feste. Das Lehrpersonal des Konservatoriums stabilisierte sich recht schnell und bildete ein einziges kreatives Team. Seit den ersten Jahren des Astrachan-Konservatoriums haben seine Lehrer ihr berufliches Niveau ständig verbessert und sind seit Anfang der 90er Jahre auf Tourneen in der Wolga-Region, im Kaukasus, in vielen Städten Russlands aufgetreten. - und im Ausland.

Der kreative Enthusiasmus zeichnete das Astrachaner Konservatorium seit den ersten Jahren seines Bestehens aus. Die Lehrer der darstellenden Fakultäten bereiteten jedes Jahr mehrere Konzertprogramme vor, es wurden Kammerensembles gebildet, an denen Lehrer und Schüler teilnahmen verschiedene Wettbewerbe. In den ersten Jahrzehnten wurden Konservatoriumslehrer Preisträger gesamtrussischer und unionsweiter Wettbewerbe; zu seinem dreißigsten Jahrestag hatte das Konservatorium bereits Studenten, die Preisträger internationaler Wettbewerbe waren. Kreative Gruppen des Konservatoriums prägen das Konzertleben der Stadt. Studentenorchester – Symphonie, russische Instrumente, Opernstudio, wie oben erwähnt, beeinflussen maßgeblich das Niveau des Konzertlebens in Astrachan. Ensembles aus Lehrern und Schülern haben internationale Bekanntheit erlangt. Dies sind vor allem Ensembles russischer Volksinstrumente „Skif“, „Nata-Bene Trio“, Ensembles von Geigern, Bratschisten und einigen anderen.

Die Geschichte der Astrachaner Philharmonie sowie des Konservatoriums reicht bis ins 20. Jahrhundert zurück. Der erste Meilenstein war 1926, in der Saison 1926/27. Die Künstler P.G. Baev und A.A. Solovyov organisierten eine öffentliche Philharmonie und luden berühmte Musiker zu Tourneekonzerten ein: die Sänger G. Pirogov, D. Smirnov, A. Dolivo, G. Lodia, den Cellisten S. Kozolupov, den Geiger D. Tsyganov und den Pianisten A. Shatzkes . Die Initiative der Astrachaner Öffentlichkeit war der Anstoß für die Gründung einer philharmonischen Gesellschaft, die von 1927 bis 1930 der Provinz- und dann Stadtabteilung der Regionalverwaltung für Unterhaltungsunternehmen der Unteren Wolga-Region unterstand. Dann gab es, wie in anderen Institutionen der Musikkultur, eine mehrjährige Pause, bis 1937 die Astrachaner Zweigstelle der Unteren Wolga-Regionalphilharmonie nur eine Saison lang arbeitete (ein Konzert aus Beethovens Werk wurde von GS. Tseicheshtein dirigiert, dem Solist war der Pianist M. Ikonitskaya). Nächstes Jahr wurde für die Astrachaner Staatsbühne fruchtbar, die in eine Zweigstelle der Stalingrader Regionalphilharmonie umstrukturiert wurde: In einer Saison „wurden mehr als 300 Konzerte in der Stadt und 100 in Dörfern gegeben.“

Die jährlichen Festivals der Musikkunst „Astrachan-Herbst“ sind zu allgemein bedeutsamen Veranstaltungen geworden, bei denen Astrachan-Künstler, Gastsolisten und Gruppen aus verschiedenen Städten und Republiken der UdSSR auftreten. In den achtziger Jahren schufen die Festivals „Astrachan-Herbst“ eine reiche Palette von Musik aus verschiedenen Zeiten und darstellenden Schulen. Initiator des Festivals war der Direktor der Philharmonie E. Chernikov, der die Philharmonie von 1982 bis 1989 leitete. Die Philharmonie veranstaltete ständig verschiedene Festivals, die persönlichen Terminen und historischen Ereignissen gewidmet waren. Am bedeutendsten war jedoch das nach ihm benannte Festival der Gesangskunst. V. Barsova und M. Maksakova. Von einem bescheidenen Abend, der dem Gedenken an die großen in Astrachan geborenen Sänger gewidmet war, hat das Festival internationalen Status erlangt.

Somit hat die Musikkultur der Region Astrachan eine reiche Geschichte, die die wichtigsten Trends der gesamtrussischen Musikkultur aufgenommen hat. Ein wichtiger Meilenstein in diesem Prozess für die Region Astrachan war das 19. Jahrhundert, als im 20. Jahrhundert starke Traditionen der Musikkunst etabliert und weiterentwickelt wurden.

Vielen Dank für Ihre Aufmerksamkeit!