Ostrovsky의 연극학의 기본 원리. 작곡 "극작가의 기술 A

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집 - 빛의 근원

1. 러시아 극작에서 Ostrovsky의 창의성의 위치.
2. Ostrovsky 극장의 "인민 드라마".
3. 새로운 영웅.

그는 새로운 형태의 사람에게 세상을 열었습니다. 늙은 신자 상인과 자본가 상인, 아르메니아 코트를 입은 상인과 "트로이카"를 입은 상인, 해외 여행과 자신의 사업. Ostrovsky는 지금까지 이상한 엿보는 눈으로부터 높은 울타리 뒤에 잠겨 있던 세계의 문을 활짝 열었습니다.
V. G. 마란츠만

드라마 터지는 작가가 제기하는 사회적 문제를 고려하여 작가와 독자의 적극적인 상호 작용을 포함하는 장르입니다. A. N. Ostrovsky는 연극이 사회에 강한 영향을 미친다고 믿었습니다. 텍스트는 공연의 일부이지만 연극은 무대 없이는 살 수 없습니다. 수백 수천 명이 그것을 볼 것이고 훨씬 더 적게 읽게 될 것입니다. 국적은 1860 년대 드라마의 주요 특징입니다. 사람들의 영웅, 인구의 낮은 계층의 삶에 대한 설명, 긍정적 인 국가 성격에 대한 검색. 드라마는 항상 화제의 이슈에 대응할 수 있는 능력이 있었습니다. 창의성 Ostrovsky는 이 시대 극작의 중심에 있었다. Yu. M. Lotman은 자신의 희곡을 러시아 드라마의 정점이라고 불렀다. I. A. Goncharov는 Ostrovsky를 "러시아 국립 극장"의 창시자라고 불렀고 N. A. Dobrolyubov는 그의 연극에서 사람들의 사생활이 현대 사회의 그림으로 형성되기 때문에 그의 드라마를 "인생 연극"이라고 불렀습니다. 첫 번째 대형 코미디인 '우리 민족을 정착시키자'(1850)에서는 가족 내 갈등을 통해 사회적 모순을 보여줍니다. 이 연극과 함께 오스트로프스키의 연극이 시작되었고 무대 행동, 배우의 행동 및 연극 엔터테인먼트의 새로운 원칙이 처음 등장했습니다.

창의성 Ostrovsky는 러시아 드라마에 새로운 사람이었습니다. 그의 작품은 갈등의 복잡성과 복잡성이 특징이며 그의 요소는 사회 심리학 드라마, 매너의 코미디입니다. 그의 스타일의 특징은 성씨, 특정 작가의 발언, 속담이 자주 사용되는 희곡의 독특한 제목, 민속 동기를 기반으로 한 희극입니다. Ostrovsky 연극의 갈등은 주로 영웅과 환경의 비호환성에 기반합니다. 그의 드라마는 심리적이라고 할 수 있으며 외부 갈등뿐만 아니라 도덕 원칙의 내부 드라마도 포함합니다.

극의 모든 것은 역사적으로 극작가가 자신의 줄거리를 취하는 사회의 삶을 정확하게 재현합니다. Ostrovsky 드라마의 새로운 영웅 - 단순한 남자 -는 콘텐츠의 독창성을 결정하고 Ostrovsky는 "민속 드라마"를 만듭니다. 그는 거대한 임무를 완수했습니다. 그는 "작은 사람"을 비극적인 영웅으로 만들었습니다. 오스트로프스키는 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하는 데 극작가로서의 의무가 있다고 보았다. “극작가는 ... 과거를 구성하지 않습니다. 그것은 삶, 역사, 전설을 제공합니다. 주요 임무는 어떤 심리학적 데이터를 기반으로 어떤 사건이 일어났고 왜 이런 일이 일어났는지 보여주는 것입니다. "- 저자의 의견으로는 이것이 드라마의 본질입니다. Ostrovsky는 연극을 사람들을 교육하는 대중 예술로 취급하고 연극의 목적을 "사회 도덕의 학교"로 정의했습니다. 그의 첫 공연은 '뜨거운 마음'을 지닌 정직한 영웅들의 진실성과 단순함에 충격을 받았다. 극작가는 "만화와 하이를 결합"하여 48개의 작품을 만들고 500명 이상의 영웅을 발명했습니다.

오스트로프스키의 희곡은 사실적이다. 나날이 관찰하고 사회의 과거와 현재가 통합되어 있다고 믿었던 상인 환경에서 오스트로프스키는 러시아의 삶을 반영하는 그 사회적 갈등을 드러낸다. 그리고 '눈의 소녀'에서 그가 현대의 문제를 추측할 뿐인 가부장적 세계를 재현했다면 그의 '뇌우'는 개인의 공개적인 항의, 행복과 독립에 대한 개인의 열망이다. 이것은 극작가들에 의해 새로운 드라마의 기초가 될 수있는 자유 사랑의 창조적 원리의 확인으로 인식되었습니다. Ostrovsky는 "비극"의 정의를 결코 사용하지 않고 그의 희곡을 "코미디"와 "드라마"로 지정했으며 때때로 "모스크바 생활의 그림", "마을 생활의 장면", "백워터 생활의 장면"의 정신으로 설명을 제공했습니다. 우리가 전체 사회 환경의 삶에 대해 이야기하고 있음을 지적합니다. Dobrolyubov는 Ostrovsky가 새로운 유형의 극적인 행동을 만들었다고 말했습니다. 저자는 교훈 없이 사회에서 현대 현상의 역사적 기원을 분석했습니다.

가족과 사회적 관계에 대한 역사적 접근은 Ostrovsky 작업의 파토스입니다. 그의 영웅 중에는 나이가 다른 사람들이 있으며 젊은이와 노인의 두 진영으로 나뉩니다. 예를 들어 Yu. M. Lotman이 쓴 것처럼 The Thunderstorm에서 Kabanikha는 "고대의 수호자"이고 Katerina는 "창의적인 발전 원칙을 가지고 있습니다". 이것이 그녀가 새처럼 날고 싶어하는 이유입니다.

문학 학자에 따르면 고대와 새로움 사이의 논쟁은 오스트로프스키 희곡의 극적 갈등의 중요한 측면입니다. 일상 생활의 전통적인 형태는 영원히 갱신되는 것으로 간주되며, 극작가는 이것에서만 그들의 생존 가능성을 봅니다... 오래된 것은 새로운 것으로, 현대 생활로 들어가며, 여기서 오래된 것은 "속박하는" 요소의 역할을 할 수 있습니다. 인민의 생명을 보존하는 옛것의 내용에 따라 새로움의 힘을 확보하는 발전 또는 안정화. 작가는 항상 젊은 영웅들에게 동정을 표하고 자유와 이타심에 대한 열망을 시적으로 표현합니다. A. N. Dobrolyubov의 기사 제목 "어두운 왕국의 한 줄기 빛"은 사회에서 이러한 영웅의 역할을 완전히 반영합니다. 그들은 심리적으로 서로 유사하며 저자는 종종 이미 개발 된 캐릭터를 사용합니다. 계산의 세계에서 여성의 위치에 대한 주제는 "가난한 신부", "뜨거운 마음", " 지참금"에서도 반복됩니다.

이후 드라마에서는 풍자적 요소가 강화됐다. Ostrovsky는 Gogol의 "순수 코미디"원칙을 언급하여 사회적 환경의 특성을 전면에 내세웁니다. 그의 코미디의 성격은 변절자이자 위선자입니다. Ostrovsky는 또한 사회 현상의 형성, "작은 사람"에서 시민으로의 성장을 추적하는 역사적 영웅적 주제로 전환합니다.

의심할 여지 없이 오스트로프스키의 희곡은 항상 현대적인 소리를 낸다. 극장은 끊임없이 그의 작품으로 향하기 때문에 시간의 틀을 벗어납니다.

수업 주제: 화법은 영웅의 성격을 드러내는 가장 중요한 수단 중 하나이다.

수업의 목적: 작가의 기술(특히 요소 중 하나인 언어 특성)에 대한 학생들의 지식 심화, 문학적 텍스트 작업, 언어 활동에 대한 연구 기술 개발.

레슨 장비:

1. "Katerina의 음성 특성" 테이블의 보드에 Kabanikha의 음성 특성.

2. 두 그룹으로 나누어 진 학생들의 테이블에는 "Katerina의 언어 특성"(그룹 1), "Kabanikha의 언어 특성"(그룹 2)과 같은 테이블이 있습니다.

에피그래프: 연극의 각 인물은 자신의 언어를 말할 필요가 있습니다 ...

M. 고리키

수업 중

나.선생님 말씀. 대화

에세이의 주제 중 하나는 작가의 기술과 관련이 있으므로 작가의 기술에 대한 지식을 심화 및 확장하고 "영웅의 화법과 영웅의 역할"과 같은 에세이 작성 방법을 배우는 것이 우리의 과제입니다. 미술품."

등장인물의 발화 특성은 작가의 기술을 구성하는 요소 중 하나이다. 극적인 작업에서 특히 중요합니다. 그렇기 때문에 우리 연구의 대상은 A. N. Ostrovsky "Thunderstorm"의 드라마 영웅 연설이 될 것입니다.

작업에서 언어 특성화는 어떤 역할을 하나요?

1. 영웅의 삶에 대한 정보를 제공합니다. 사회적 상황에 대해; 내면 세계에 대한 정보, 영웅의 성격 (각 영웅은 자신의 발달 수준, 성격에 따라 자신의 언어를 사용합니다).

2. 연설의 특징은 주인공에 대한 저자의 평가를 제공합니다. 그래서. 오전. Gorky는 "극의 각 인물이 자신의 언어로 말하는 것이 필요합니다."라고 말했습니다. V. Uspensky는 "극적인 예술의 언어에 관한 메모"에서 "... 등장인물의 직접적인 연설은 작가가 자신의 연극에서 말하고 싶은 것을 표현해야 할 의무가 있습니다 ... 필요한 경우 의무적입니다. 경우에 따라서는 내러티브뿐만 아니라 간접화법의 서술적 기능도 담당하게 된다. 한마디로, 그 자체의 목적에 더하여 등장인물의 직접적인 극적 연설은 필연적으로 작가의 연설이 서사시에서 자연스럽게 성취하는 모든 것을 취한다.

? - Ostrovsky 자신은 음성 특성의 가치를 어떻게 결정 했습니까?

AN Ostrovsky는 등장인물의 언어 특성을 매우 중요하게 생각했습니다. 이 유형의 이미지는 역할의 어조를 결정하는 표현의 이미지, 즉 언어와 심지어 말의 어조까지 표현하는 것이 사실입니다.

? - 말해봐, 모든 등장인물이 대화 상대에 관계없이 항상 정확히 같은 방식으로 말합니까?

아니요. 일부 등장인물은 대담자와 조건에 따라 말을 바꿉니다. 예를 들어, Kabanova는 Wild와의 대화와 Katerina와의 대화에서 완전히 다르게 행동합니다.

II. 어휘 작업

환경, 삶의 조건에 적응하는 능력은 동물에게 알려져 있습니다(색깔, 모양이 바뀝니다). 이것은 백과 사전에 나와 있습니다. 그러나 M. Gorky는 사람에게도 그러한 능력이 있다고 말합니다. 이 능력을 모방이라고 합니다.모방- 모방, 모방). 등장인물들의 말투에서도 흉내를 낸다.

? 극중 어떤 캐릭터가 이 능력을 가지고 있습니까?

쿨리긴, 카바노바.

III.에세이 계획 작성

1. 영웅의 발표. 대화를 위해 좋아하는 주제.

2. 영웅의 연설 특징 및 이러한 유형의 연설 방식 준수:

a) 어휘

b) 구어체 및 시적 수단

c) 구문적 특징;

d) 억양;

e) 모방 능력.

3. 영웅의 성격에 대한 결론.

IV.대화

A.N. 이후 영웅의 첫 구절부터 분석을 시작하십시오. Ostrovsky는 무대에서 영웅의 첫 번째 대사에 특별한주의를 기울입니다. 캐릭터의 첫 단어는 거의 중립적이지 않습니다. 극작가는 무대에서 영웅이 말한 초기 문구에 이미 일종의 캐릭터 적용이 있음을 확인하기 위해 항상 노력했습니다. 일부 등장인물이 드라마에 등장하는 첫 대사를 떠올려보자.

? 이 라인은 캐릭터를 어떻게 특징 짓습니까? 예를 들어 Barbara "당신을 존경하지 마십시오, 어떻게! ?

이 말은 바르바라가 완고하고 교활함을 동시에 가지고 있다고 말하지만, 극작가는 그녀의 말에 "옆으로"라는 말을 덧붙입니다.

또는 카바노프의 복제품 "뭐야, 엄마, 불순종 !» ?

약하고 순종적인 사람.

우리는 각 첫 번째 문구가 캐릭터에 대한 응용 프로그램, 캐릭터의 일종의 명함이라고 결론 지을 수 있습니다.

? - Ostrovsky가 말하는 음성 특성의 다른 기능은 무엇입니까?

말은 특정 사회 집단(상인, 쁘띠 부르주아 등)의 유형, 전형적인 특징을 반영합니다. 언어의 모든 풍부함, 살아있는 방언의 흩어짐에서 Ostrovsky는 연극의 예술적 구조를 짜고 각 등장인물은 자신의 성격, 개성, 그리고 동시에 특정 사회 집단의 전형적인 특징을 얻습니다. .

? – Groz에서 대표되는 사회 집단은 무엇입니까?

상인, 속물, 도시인.

? 그들의 대화 주제는 무엇입니까?

가족 가정입니다.

결과적으로 영웅을 실제로 묘사하기 위해 Ostrovsky는 책이 아닌 구어체를 사용합니다. 그것은 우리의 관찰과 연구의 대상이 될 것입니다.

V. 러시아어 수업과의 통합

? - 민중 구어체의 특징은 무엇입니까?

구어체에는 다음이 포함됩니다.

일반적인 어휘;

구어체 및 문학적 단어, 예를 들어 Church Slavonicisms;

다음을 포함한 모국어: a) 저속한 표현; b) 욕 c) 단어의 왜곡 d) 자유로운 대화의 자연스러움을 만드는 단어 e) 감정적 평가 단어; e) 형태학적 규범으로부터의 편차;

전문 직업 의식;

민속 비 유적은 예를 들어 다음을 의미합니다. b) 비교; c) 영구 소명; d) 단어의 반복.

? - 등장인물의 말의 통사적 특징에 주의를 기울일 필요가 있다. 이름을 지정합니다.

구어체에서 이것은 주로 불완전한 문장, 복합 문장이 풍부합니다.

? - 주인공 말의 억양을 정하지 않으면 말의 특성이 불완전해집니다. 캐릭터의 연설에서 어떤 억양을 볼 수 있습니까?

즐겁다, 슬프다, 열광하다, 슬프다, 불안하다, 비극적이다, 냉담한 조롱의 억양 등

VI. 그룹 작업

청중은 미리 두 그룹으로 나뉩니다. 첫 번째는 Katerina의 음성 특성을 연구하고 두 번째는 Kabanikh입니다. 각 그룹에는 수집된 자료를 기반으로 영웅의 성격에 대한 결론을 내리는 수석 분석가와 학생들의 활동을 기록하는 수석 전문가가 있습니다. 모두 해당 테이블을 채웁니다. 그러면 수석 분석가가 그룹의 작업을 변호합니다.

표 "영웅의 언어 특성"

37페이지

VII. 결론

이에 화법이 인물을 드러내는 가장 중요한 수단임을 증명하고, '작품에서 화자의 역할'이라는 주제로 에세이를 준비했다.

VIII. 숙제

"Ostrovsky의 연극에서 언어 특성의 역할"이라는 주제에 대한 에세이를 작성하십시오. 그룹 1 - Kuligin, Varvara, Tikhon의 언어 특성 예(극 "Thunderstorm" 기반 0, 그룹 2 - 연극 "Dowry"의 영웅의 언어 특성 예).

드라마 터지는 작가가 제기하는 사회적 문제를 고려하여 작가와 독자의 적극적인 상호 작용을 포함하는 장르입니다. A. N. Ostrovsky는 연극이 사회에 강한 영향을 미친다고 믿었습니다. 텍스트는 공연의 일부이지만 연극은 무대 없이는 살 수 없습니다. 수백 수천 명이 그것을 볼 것이고 훨씬 더 적게 읽게 될 것입니다. 국적은 1860 년대 드라마의 주요 특징입니다. 사람들의 영웅, 인구의 낮은 계층의 삶에 대한 설명, 긍정적 인 국가 성격에 대한 검색. 드라마는 항상 화제의 이슈에 대응할 수 있는 능력이 있었습니다. 창의성 Ostrovsky는 이 시대 극작의 중심에 있었다. Yu. M. Lotman은 자신의 희곡을 러시아 드라마의 정점이라고 불렀다. I. A. Goncharov는 Ostrovsky를 ", "러시아 국립 극장"의 창시자라고 불렀고 N. A. Dobrolyubov는 그의 연극에서 사람들의 사생활이 현대 사회의 그림으로 형성되기 때문에 그의 드라마를 "인생 연극"이라고 불렀습니다. 첫 번째 빅 코미디 "우리 민족 - 정착하자"(1850)에서 공개적인 모순이 나타나는 것은 가족 내 갈등을 통해서입니다. 이 연극과 함께 오스트로프스키의 연극이 시작되었고 무대 행동, 배우의 행동 및 연극 엔터테인먼트의 새로운 원칙이 처음 등장했습니다.

극의 모든 것은 역사적으로 극작가가 자신의 줄거리를 취하는 사회의 삶을 정확하게 재현합니다. Ostrovsky 드라마의 새로운 영웅 - 단순한 남자 -는 콘텐츠의 독창성을 결정하고 Ostrovsky는 "민속 드라마"를 만듭니다. 그는 거대한 임무를 완수했습니다. 그는 "작은 사람"을 비극적인 영웅으로 만들었습니다. 오스트로프스키는 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하는 데 극작가로서의 의무가 있다고 보았다. “극작가는 ... 과거를 구성하지 않습니다. 그것은 삶, 역사, 전설을 제공합니다. 그의 주요 임무는 어떤 심리학적 데이터에 기초하여 어떤 사건이 일어났고 왜 그랬는지 그리고 그렇지 않은지를 보여주는 것입니다.” 작가에 따르면 이것이 드라마의 본질입니다. Ostrovsky는 연극을 사람들을 교육하는 대중 예술로 취급하고 연극의 목적을 "사회 도덕의 학교"로 정의했습니다. 그의 첫 공연은 '뜨거운 마음'을 지닌 정직한 영웅들의 진실성과 단순함에 충격을 받았다. 극작가는 "만화와 하이를 결합"하여 48개의 작품을 만들고 500명 이상의 영웅을 발명했습니다.

오스트로프스키의 희곡은 사실적이다. 나날이 관찰하고 사회의 과거와 현재가 통합되어 있다고 믿었던 상인 환경에서 오스트로프스키는 러시아의 삶을 반영하는 그 사회적 갈등을 드러낸다. 그리고 "The Snow Maiden"에서 현대 문제가 추측되는 가부장적 세계를 재현한다면 그의 "뇌우"는 개인의 공개 항의, 행복과 독립에 대한 개인의 열망입니다. 이것은 극작가들에 의해 새로운 드라마의 기초가 될 수있는 자유 사랑의 창조적 원리의 확인으로 인식되었습니다. Ostrovsky는 "비극"의 정의를 결코 사용하지 않고 그의 희곡을 "코미디"와 "드라마"로 지정했으며 때때로 "모스크바 생활의 그림", "마을 생활의 장면", "백워터 생활의 장면"의 정신으로 설명을 제공했습니다. 우리가 전체 사회 환경의 삶에 대해 이야기하고 있음을 지적합니다. Dobrolyubov는 Ostrovsky가 새로운 유형의 극적인 행동을 만들었다고 말했습니다. 저자는 교훈 없이 사회에서 현대 현상의 역사적 기원을 분석했습니다.

가족과 사회적 관계에 대한 역사적 접근은 Ostrovsky 작업의 파토스입니다. 그의 영웅 중에는 나이가 다른 사람들이 있으며 젊은이와 노인의 두 진영으로 나뉩니다. 예를 들어 Yu. M. Lotman이 쓴 것처럼 The Thunderstorm에서 Kabanikha는 "고대의 수호자"이고 Katerina는 "창조적인 발전의 시작을 안고" 있기 때문에 그녀는 새처럼 날고 싶어합니다.

의심할 여지 없이 오스트로프스키의 희곡은 항상 현대적인 소리를 낸다. 극장은 끊임없이 그의 작품으로 향하기 때문에 시간의 틀을 벗어납니다.

A.P. 체호프의 드라마투르기.

체호프는 '20세기의 셰익스피어'로 불린다. 실제로 그의 드라마는 셰익스피어의 작품처럼 세계 드라마의 역사에 큰 전환점이 되었습니다. 새로운 세기의 전환기에 러시아에서 태어난 그것은 혁신적인 예술 시스템으로 발전하여 전 세계 연극과 연극의 미래 발전을 결정했습니다.
물론 체호프 드라마의 혁신은 그의 위대한 전임자들, 푸쉬킨과 고골, 오스트로프스키와 투르게네프의 극적인 작품들에 대한 탐색과 발견에 의해 준비되었으며, 그가 의지했던 훌륭하고 강력한 전통에 기반을 두고 있습니다. 그러나 그 시대의 연극적 사고에 진정한 혁명을 일으킨 것은 체호프의 희곡이었습니다. 그의 드라마 영역 진출은 러시아 예술 문화 역사의 새로운 출발점이 되었습니다.
19세기 말까지 러시아 극작술은 거의 개탄스러운 상태에 이르렀습니다. 공예 작가의 펜 아래에서 한때 고상했던 드라마의 전통은 일상적인 진부함으로 변질되어 죽은 대포로 바뀌었습니다. 장면은 삶에서 너무 눈에 띄게 제거되었습니다. 당시 톨스토이와 도스토옙스키의 위대한 작품들이 러시아 산문을 전례 없는 수준으로 끌어올렸을 때, 러시아 드라마는 비참한 존재를 드러냈다. 산문과 연극, 문학과 연극의 간극을 극복하기 위해 그것은 다름 아닌 체호프를 위한 것이었다. 그의 노력으로 러시아의 무대는 톨스토이와 도스토예프스키와 같은 위대한 러시아 문학의 수준으로 격상되었다.
Chekhov 극작가의 발견은 무엇입니까? 우선 드라마 자체에 생기를 불어넣었다. 그의 동시대인들에게 그가 무대를 위해 간단히 쓰여진 장편 소설을 제안한 것이 당연하지 않은 것은 아닙니다. 그의 희곡은 독특한 내러티브, 현실적인 방식의 철저함이 인상적이었습니다. 이러한 방식은 우연이 아니었다. 체호프는 드라마가 탁월하고 뛰어난 인물들만의 전유물이 될 수 없으며 장대한 사건만을 위한 발판이 될 수 없다고 확신했습니다. 그는 가장 평범한 일상의 드라마를 발견하고 싶었다. Chekhov가 시대에 뒤떨어지고 확고하게 뿌리를 둔 모든 드라마적 정경을 파괴해야 했던 것은 일상 생활의 드라마에 접근할 수 있도록 하기 위해서였습니다.
체호프는 "무대 위의 모든 것이 인생에서처럼 단순하고 동시에 복잡하게 하라. 새로운 드라마. 그리고 그는 마치 밝은 사건, 강한 인물, 날카로운 갈등이 완전히없는 것처럼 일상 생활의 자연스러운 과정이 포착 된 연극을 쓰기 시작했습니다. 하지만 일상의 상층부 아래에는 선입견 없이 사람들이 '그냥 외식'을 하던 일상을 우연히 퍼온 듯 '그들의 행복을 구성하고 그들의 삶을 무너뜨리는' 뜻밖의 드라마를 발견했다.
삶의 저류 속에 깊이 감춰진 일상의 드라마는 작가의 첫 번째 가장 중요한 발견이었다. 이 발견은 등장인물의 이전 개념, 영웅과 환경 사이의 관계, 플롯과 갈등의 다른 구성, 사건의 다른 기능, 극적 액션, 플롯, 클라이맥스 및 결말에 대한 일반적인 생각을 깨는 수정을 요구했습니다. , 말과 침묵, 몸짓과 표정의 목적에 대해. 한마디로 극적 구조 전체가 위에서 아래로 완전히 재창조된 것이다.
Chekhov는 사람에 대한 일상 생활의 힘을 조롱하고 저속한 환경에서 인간의 감정이 어떻게 작아지고 왜곡되는지, 엄숙한 의식 (장례식, 결혼, 기념일)이 어떻게 부조리로 변하는지, 일상 생활이 휴일을 죽이는 방법을 보여주었습니다. 삶의 모든 세포에서 저속함을 발견한 Chekhov는 쾌활한 조롱과 좋은 유머를 결합했습니다. 그는 인간의 부조리를 비웃었지만 웃음으로 그 남자를 죽이지 않았습니다. 평화로운 일상에서 그는 위협뿐만 아니라 보호도 보았고 삶의 안락함, 난로의 따뜻함, 중력의 구원력을 높이 평가했습니다. 보드빌 장르는 비극적 희극과 비극적 희극에 끌렸습니다. 그래서인지 그의 유머러스한 이야기는 인간미, 이해심, 동정심의 동기로 가득 차 있었다.

24. 모스크바 예술 극장. K.S. Stanislavsky의 창의성.

모스크바 예술 극장. 모스크바 예술 극장(1898년 설립)의 혁신적인 프로그램과 19세기 고급 러시아 미학의 아이디어와의 연결. 세계 리얼리티 극장의 최고 성과를 창의적으로 실천하는 데 사용합니다. K. S. Stanislavsky (1863-1938)와 Vl.의 연극 활동. I. Nemirovich-Danchenko (1858-1943) 모스크바 예술 극장 창설 전. Stanislavsky와 Nemirovich-Danchenko(1898)의 모스크바 공공 예술 극장 창설. A. K. Tolstoy의 "Tsar Fedor Ivanovich"-모스크바 예술 극장의 첫 번째 공연. 모스크바 예술 극장의 역사적이고 일상적인 공연 라인.

1898-1905년 체호프의 희곡 제작: "갈매기", "바냐 삼촌", "세 자매", "체리 과수원", "이바노프". Chekhov의 희곡 해석의 혁신.

모스크바 예술 극장 레퍼토리의 사회 정치적 라인. "닥터 스톡맨" 입센. Gorky의 연극 "소부르주아", "바닥에서", "태양의 아이들" 공연. 무대 위에서의 삶을 재현하려는 열정. "바닥에서"- 모스크바 예술 극장의 창조적 승리. 1905년의 혁명적 사건 동안 "태양의 아이들" 제작. 예술 극장의 이념적, 창조적 발전에서 고리키의 역할.

모스크바 예술 극장의 연기 예술: K.S. Stanislavsky, I.M. Moskvin, V.I. Kachalov, O.L. Knipper-Chekhova, L.M. Leonidov 등.

콘스탄틴 세르게예비치 스타니슬라브스키(실제 이름 - 알렉세예프; 1863년 1월 5일, 모스크바 - 1938년 8월 7일, 모스크바) - 러시아 연극 감독, 배우 및 교사, 연극 개혁가. 100년 동안 러시아와 세계에서 매우 인기 있는 유명한 연기 시스템의 창시자. 소련의 인민 예술가(1936).

1888년 그는 모스크바 예술 문학 학회의 창립자 중 한 명이 되었습니다. 1898년 Vl과 함께 I. Nemirovich-Danchenko는 모스크바 예술 극장을 설립했습니다.

Konstantin Sergeevich는 모스크바에서 S. I. Mamontov 및 Tretyakov 형제와 관련된 유명한 기업가의 대가족(총 9명의 형제 자매가 있음)에서 태어났습니다. 아버지 - Alekseev, Sergey Vladimirovich (1836-1893), 어머니 - Elizaveta Vasilievna (nee Yakovleva), (1841-1904).

모스크바 N. A. Alekseev 시장은 그의 사촌이었습니다. 여동생은 RSFSR의 명예 예술가 Zinaida Sergeevna Sokolova(Alekseeva)입니다.

농부 소녀 Avdotya Nazarovna Kopylova V. S. Sergeev(1883-1941)의 첫 번째이자 사생아는 Stanislavsky의 아버지 S. V. Alekseev에게 입양되었으며, 그 후 그의 성과 부호를 받았으며 나중에 고대 역사가인 모스크바 주립 대학의 교수가 되었습니다.

아내 - Maria Petrovna Lilina (1866-1943, 남편 - Alekseeva) - 러시아와 소비에트 연극 배우, 모스크바 예술 극장의 여배우.

S. V. Alekseev, K. S. Stanislavsky의 아버지.

1878-1881년에 그는 Lazarev Institute의 체육관에서 공부한 후 가족 회사에서 봉사하기 시작했습니다. 가족은 극장을 좋아했으며 모스크바 집에는 극장 날개 인 Lyubimovka 사유지에 연극 공연을 위해 특별히 재건 된 홀이있었습니다.

무대 실험은 1877년 고향 Alekseevsky 서클에서 시작되었습니다. 그는 최고의 교사들과 함께 가소성과 보컬을 집중적으로 연구했으며 그의 우상 중에는 Lensky, Musil, Fedotova, Yermolova가 있었던 Maly Theatre의 배우의 예를 연구했습니다. 그는 오페레타에서 연주했습니다: Lecoq(도둑들의 아타만)의 "The Countess de la Frontière", Florimore의 "Mademoiselle Nitouche", Sullivan(Nanki-Poo)의 "The Mikado".

1884년 12월 Pokrovsky Boulevard에 있는 A. A. Karzinkin 집의 아마추어 무대에서 Gogol의 "Marriage"에서 Podkolesin으로 첫 공연을 펼쳤습니다. 또한 처음으로 젊은 배우는 연극을 상연 한 Maly Theatre M. A. Reshimov의 예술가의 지시하에 작업했습니다.

초연 당일, 콘스탄틴 세르게예비치가 평생 기억하는 궁금증도 있었다. 그의 쇠퇴기에 그는이 에피소드에 대해 다음과 같이 말했습니다. 공연이 열리는 무대가 너무 작아서 창밖으로 무대 뒤편에 서 있는 피아노를 따라 걸어야 했다. 물론 뚜껑을 부수고 실을 몇 개 부러뜨렸습니다. 문제는 이 공연이 곧 다가올 흥겨운 춤의 지루한 전주곡에 불과했다는 점이다. 그러나 한밤중에 그들은 피아노를 수리할 주인을 찾을 수 없었고 불운한 연주자는 저녁 내내 홀 구석에 앉아서 모든 춤을 연속으로 불러야 했습니다. K. S. Stanislavsky는 이렇게 회상합니다. 우리는 또한 가난한 청년뿐만 아니라 오늘 저녁에 잃어버린 우아하고 숙련 된 미남 신사 ...

1886년에 Konstantin Alekseev는 러시아 음악 협회의 모스크바 지부와 그 부속 음악원의 이사 겸 재무의 일원으로 선출되었습니다. 음악원 감독관의 동료는 P. I. Tchaikovsky, S. I. Taneev, S. M. Tretyakov였습니다. 가수이자 교사인 F. P. Komissarzhevsky, 예술가인 F. L. Sollogub와 함께 Alekseev는 모스크바 예술 문학 협회(MOIiL)를 위한 프로젝트를 개발하고 개인 자금을 투자하고 있습니다. 이때 본명을 숨기기 위해 무대에 Stanislavsky라는 이름을 사용했다.

협회 창설의 원동력은 A. F. Fedotov 감독과의 만남이었습니다. N. Gogol의 연극 "The Players"에서 Stanislavsky는 Ikharev를 연기했습니다. 초연은 1888년 12월 8일(20일)이었다. MOIiL 무대에서 10 년 동안 작업 한 Stanislavsky는 유명한 배우가되었으며 여러 역할의 공연은 종종 아마추어 배우를 선호하는 제국 무대 전문가의 최고의 작품과 비교되었습니다. Anania Yakovleva in A Bitter Fate(1888) 및 A. Pisemsky의 Platon Imshin; A. Ostrovsky (1890)의 "Dowry"에서 Paratov; L. Tolstoy(1891)의 "계몽의 열매"에서 Zvezdintsev. 학회 무대에서 첫 감독의 경험은 P. Gnedich(1889)의 "Burning Letters"였다. 1885년과 1890년 러시아 순회 공연에서 스타니슬라프스키를 비롯한 연극계에 큰 인상을 남겼는데, 이는 높은 생산 문화로 구별되는 마이닝겐 극장이었습니다. 1896년에 Stanislavsky의 Othello가 상연된 것과 관련하여 N. Efros는 다음과 같이 썼습니다. 그들의 배경은 아름다운 이상형으로 그에게 이끌리고, 그는 이 이상에 접근하기 위해 온 힘을 다합니다. Othello는 이 아름다운 길에서 큰 발걸음을 내디뎠습니다.

1891년 1월 Stanislavsky는 공식적으로 예술 문학 협회의 이사직을 맡았습니다. K. Gutskov의 Uriel Acosta(1895), Othello(1896), Erkman-Shatrian의 The Polish Jew(1896), Much Ado About Nothing(1897), Twelfth Night(1897), The Sunken Bell "(1898), 공연 아코스타, 부르고마스터 마티스, 베네딕트, 말볼리오, 마스터 헨리. Stanislavsky는 나중에 그가 공식화한 정의에 따라 "작품의 영적 본질을 드러내는 감독의 기술"을 찾고 있었습니다. 마이닝겐 예술가들의 본보기를 따라 그는 정통 골동품이나 이국적인 오브제를 사용하여 빛, 소리, 리듬을 실험합니다. 그 후, Stanislavsky는 Dostoevsky의 The Village of Stepanchikov(1891)와 Thomas(예술가의 낙원)의 역할을 꼽을 것입니다.

모스크바 예술 극장

19 세기 말 연극 극장의 상태에 대한 불만, 개혁의 필요성, 무대 루틴의 거부는 A. Antoine과 O. Bram, A. Yuzhin at Moscow Maly Theatre 및 Vl. 필하모닉 학교의 네미로비치-단첸코.

1897년에 Nemirovich-Danchenko는 Stanislavsky를 만나 극장의 상태와 관련된 여러 문제를 논의하도록 초대했습니다. Stanislavsky는 명함을 보관했으며 뒷면에는 연필로 "나는 1시에 Slavianski Bazaar에있을 것입니다. 만나요?" 봉투에는 "네미로비치 단첸코와의 유명한 첫 만남. 극장 설립의 첫 순간.

전설이 된이 대화 과정에서 새로운 연극 비즈니스의 과제와 구현 프로그램이 공식화되었습니다. Stanislavsky에 따르면 그들은 "미래 비즈니스의 기초, 순수 예술에 대한 질문, 우리의 예술적 이상, 무대 윤리, 기술, 조직 계획, 미래 레퍼토리를 위한 프로젝트, 우리 관계"에 대해 논의했습니다. 18시간의 대화에서 Stanislavsky와 Nemirovich-Danchenko는 극단의 구성에 대해 논의했으며, 그 중추는 젊은 지적인 배우, 일련의 작가(G. Ibsen, G. Hauptman, AP Chekhov) 및 홀의 겸손한 낮은 키 디자인. 임무는 나누어졌습니다. Nemirovich-Danchenko는 문학적, 예술적 거부권을, Stanislavsky는 예술적 거부권을 받았습니다. 새로운 극장이 살게 될 슬로건 시스템을 스케치했습니다.

1898 년 6 월 14 일 (26), Pushkino 교외에서 Philharmonic Society의 Nemirovich-Danchenko 학생과 예술 문학 협회의 아마추어 배우로 구성된 예술 극장 극단의 작업이 시작되었습니다. 리허설의 첫 달에 지도자의 임무 분담이 조건부라는 것이 밝혀졌습니다. 비극 "Tsar Fyodor Ioannovich"의 리허설은 초연에서 청중을 놀라게 한 공연의 미장센을 만든 Stanislavsky에 의해 시작되었으며 Nemirovich-Danchenko는 Tsar의 역할로 학생 IV Moskvin을 선택하기를 주장했습니다. Fyodor는 예술가와의 개별 수업에서 그가 "왕-농민"의 이미지를 만드는 데 도움을 주었고, 이는 공연의 시작이 되었습니다. Stanislavsky는 모스크바 예술 극장의 역사적이고 일상적인 라인이 "Tsar Fyodor"로 시작되었다고 믿었습니다. "The Merchant of Venice"(1898), "Antigone"(1899), "Ivan의 죽음 끔찍한"(1899), "어둠의 힘"(1902), "줄리어스 카이사르"(1903) 등 AP Chekhov와 함께 그는 Art Theatre의 가장 중요한 생산 라인 인 직관과 느낌 - AS Griboyedov(1906)의 "Woe from Wit", "A Month in the Village"(1909), "The Brothers Karamazov"(1910) 및 FM Dostoevsky의 "The Village of Stepanchikovo"(1917)에 귀속했습니다. 다른 사람.

K. Stanislavsky, 1912.

AK Tolstoy의 "Tsar Fyodor Ioannovich", "The Seagull", "Uncle Vanya", "Three Sisters", AP Chekhov의 "The Cherry Orchard"와 같은 예술 극장의 가장 중요한 공연은 Stanislavsky와 Nemirovich- 단첸코 공동. Chekhov의 다음 작품에서는 갈매기의 발견이 계속되고 조화를 이루었습니다. 지속적인 발전의 원칙은 무대에서 무너지고 이질적인 삶을 통합했습니다. 불완전하고 반 폐쇄적인 무대 의사 소통의 특수 원리 ( "파트너 외부의 대상")가 개발되었습니다. 모스크바 예술극장에서 체호프의 공연을 관람한 관객은 이전에는 상상도 할 수 없었던 세부적인 삶의 인식에 기뻐하고 괴로워했습니다.

M. Gorky "At the Bottom"(1902)의 연극에 대한 공동 작업에서 두 가지 접근 방식의 모순이 확인되었습니다. Stanislavsky에게 자극제는 Khitrov Market의 하숙집 방문이었습니다. 그의 감독 계획에는 메드베데프의 더러운 셔츠, 새틴이 잠든 겉옷으로 싸인 신발과 같이 날카롭게 눈에 띄는 세부 사항이 많이 있습니다. Nemirovich-Danchenko는 연극의 열쇠로 무대에서 "명랑한 가벼움"을 찾고있었습니다. Stanislavsky는 "Gorky의 연극을 연기하는 진정한 방식"을 찾은 사람은 Nemirovich-Danchenko라고 인정했지만 자신은 "단순히 역할을 보고하는" 이러한 방식을 받아들이지 않았습니다. "At the Bottom"의 포스터에는 어느 감독도 서명하지 않았습니다. 극장이 시작될 때부터 두 감독은 감독의 테이블에 앉았다. 1906년 이래로 "우리 각자는 자신의 테이블, 자신의 희곡, 자신의 작품을 가졌습니다."라고 Stanislavsky는 설명합니다. .” Stanislavsky가 별도로 작업 한 첫 번째 공연은 Brandt였습니다. 이때 Stanislavsky는 Meyerhold와 함께 Povarskaya(1905)에 실험 스튜디오를 만듭니다. 그런 다음 Stanislavsky는 L. Andreev의 Life of a Man(1907)에서 새로운 연극 형식에 대한 검색을 계속할 것입니다. 검은 벨벳을 배경으로 도식적으로 묘사된 내부 조각이 등장하여 사람들의 계획이 나타났습니다. 기괴하게 뾰족한 의상 라인, -업 마스크. M. Maeterlinck의 The Blue Bird(1908)에서는 검은색 캐비닛의 원리가 적용되었습니다. 즉, 검은색 벨벳의 효과와 조명 기술이 마법의 변형에 사용되었습니다.

스타니슬라프스키 배우[편집 | 위키 텍스트 편집]

Art Theatre를 만들 때 Stanislavsky는 Nemirovich-Danchenko가 비극적 인 창고의 역할이 그의 레퍼토리가 아니라고 믿었습니다. 모스크바 예술 극장 무대에서 그는 예술 문학 협회(임신 익사한 종 하인리히) 레퍼토리의 공연에서 이전의 비극적 역할 중 일부만을 연기했습니다. 첫 번째 시즌의 제작에서 그는 The Seagull의 Trigorin과 Hedda Gabler의 Levborg를 연기했습니다. 비평가들에 따르면 무대에서 그의 걸작은 "바냐 삼촌"의 아스트로프, G. 입센의 연극 "닥터 슈톡만"의 슈토크만, "세 자매"의 Vershinin, "At the Bottom"의 Satin, Gaev "The Cherry Orchard"의 역할이었습니다. ", Ivanov의 Shabelsky, 1904). Vershinin-Stanislavsky와 Masha-O. Knipper-Chekhova의 듀엣은 무대 가사의 재무부에 들어갔습니다.

Stanislavsky는 연기 직업에서 점점 더 많은 새로운 작업을 계속 설정합니다. 그는 무대에 서는 모든 순간에 "경험의 예술"의 법칙에 따라 예술가에게 대중적 창의성의 가능성, 최고의 순간에 천재에게 문을 여는 기회를 줄 수 있는 시스템의 창조를 스스로에게 요구합니다. 영감. Stanislavsky는 연극 이론과 교육학 분야에 대한 연구를 자신이 만든 첫 번째 스튜디오로 옮겼습니다(1913년 공연 공개 쇼 시작).

Chekhov, Gorky, L. Tolstoy, Ibsen, Hauptmann, Hamsun과 같은 현대 드라마의 역할 순환은 고전의 역할로 이어졌습니다. A. Griboyedov(1906)의 "Woe from Wit"의 Famusov, "A Month의 Rakitin" I. Turgenev(1909), A. Ostrovsky의 희곡 "Enough Stupidity for Every Wise Man"(1910)의 Krutitsky, Molière의 "Imaginary Sick"(1913)의 Argan, W. Wicherly의 "Provincial Girl"의 Lubin 백작 ", K. Goldoni의 "여관 주인"(1914)의 Cavalier.

Stanislavsky의 운명은 그의 마지막 두 연기 작품에 의해 반향되었습니다. AS Pushkin (1915)의 비극 "Mozart and Salieri"의 Salieri와 "Stepanchikov의 마을"의 새로운 작품에서 다시 연주하기로 되어 있었던 Rostanev FM 도스토예프스키. 대중에게 공개되지 않은 역할인 로스타네프의 실패 이유는 극장 역사와 창의성 심리학의 미스터리 중 하나로 남아 있다. 많은 증언에 따르면 Stanislavsky는 "아름답게 리허설"했습니다. 1917년 3월 28일(4월 10일) 드레스 리허설 이후 그는 역할 작업을 중단했습니다. Rostanev가 "태어나지 않은"후 Stanislavsky는 새로운 역할을 영원히 거부했습니다 (그는 1922-1924 년 해외 여행 중에 필요에 따라이 거부를 위반했으며 오래된 연극 "Tsar Fyodor Ioannovich"에서 Shuisky 주지사 역할에 동의했습니다).

1917년 이후[편집 | 위키 텍스트 편집]

Lensky Mansion의 풍경에서 Leontievsky Lane의 스튜디오 극장 극단과 K. S. Stanislavsky (c. 1922)

1918년 가을, Stanislavsky는 3분짜리 만화 영화를 감독했는데 이 영화는 미공개이며 제목도 없습니다(온라인에서 "Rybka"라는 이름으로 볼 수 있음). Stanislavsky 자신과 Art Theatre I. M. Moskvin, V. V. Luzhsky, A. L. Vishnevsky, V. I. Kachalov의 배우들이 영화에 참여합니다. 영화의 줄거리는 이렇습니다. Karetny의 집 정원에서 I.M. Moskvin, V. V. Luzhsky, A. L. Vishnevsky 및 Stanislavsky가 리허설을 시작하고 늦은 V. I. Kachalov를 기다립니다. Kachalov는 그들에게 다가가는데, 그는 목구멍에 문제가 있어서 리허설을 할 수 없다고 몸짓을 합니다. Moskvin은 Kachalov를 검사하고 목에서 금속 물고기를 제거합니다. 모두 웃는다.

혁명 이후 Stanislavsky의 첫 번째 작품은 D. Byron의 Cain(1920)이었습니다. 리허설은 백색군이 모스크바를 돌파하는 동안 Stanislavsky가 인질로 잡혔을 때 막 시작되었습니다. 예술 극장의 전반적인 위기는 1919년에 순회 공연을 갔던 Vasily Kachalov가 이끄는 극단의 상당 부분이 군사적 사건으로 인해 모스크바에서 차단되었다는 사실로 인해 악화되었습니다. 절대 승리는 감찰관(1921)의 제작이었다. Khlestakov의 역할을 위해 Stanislavsky는 최근에 모스크바 예술 극장(이 극장은 이미 학문적 극장으로 선언됨)에서 그의 첫 번째 스튜디오로 이사한 Mikhail Chekhov를 임명했습니다. 1922 년 Stanislavsky의 지시하에 모스크바 예술 극장은 Kachalovsky 극단의 귀환 (완전한 것은 아님)에 앞서 유럽과 미국의 긴 해외 여행을 떠났습니다.

1920년대에는 연극 세대를 바꾸는 문제가 심각해졌습니다. 모스크바 예술 극장의 첫 번째 및 세 번째 스튜디오는 독립 극장으로 바뀌 었습니다. Stanislavsky는 모스크바 예술 극장의 스튜디오에 King Lear의 셰익스피어 딸의 이름을 부여하여 학생들의 "배신"을 고통스럽게 경험했습니다. Goneril and Regan - 첫 번째 및 세 번째 스튜디오, Cordelia - 두 번째 [ 출처 불특정 1031일] . 1924년, 대부분 제2화실의 제자들이던 많은 스튜디오 회원들이 예술극단에 합류했습니다.

1920년대와 1930년대에 Stanislavsky의 활동은 무엇보다도 러시아 무대 예술의 전통적인 예술적 가치를 옹호하려는 그의 열망에 의해 결정되었습니다. "뜨거운 마음"(1926)의 제작은 "예술 극장은 죽었다"고 확신하는 비평가들에 대한 대답이었습니다. 빠른 속도, 그림 같은 축제는 Beaumarchais의 Crazy Day 또는 Figaro의 결혼(1927)(A. Ya. Golovin 설정)을 구별합니다.

제2 스튜디오와 제3 스튜디오 학교에서 모스크바 청소년 예술 극장의 극단에 합류한 후 Stanislavsky는 그들에게 수업을 가르쳤고 젊은 감독들과 함께 공연한 그들의 작품을 무대에서 발표했습니다. 이 작품들 중에는 Stanislavsky가 항상 서명한 것은 아니지만, The Battle of Life after Dickens(1924), The Days of the Turbins(1926), The Gerard Sisters(A. Dennery와 E. Cormon "Two orphans") 및 "기갑 열차 14-69" Sun. 이바노바(1927); V. Kataev의 "Squaanderers"와 L. Leonov의 "Untilovsk"(1928).

몇년 후에[편집 | 위키 텍스트 편집]

1928년 모스크바 예술극장 기념일 저녁에 심각한 심장마비가 발생한 후 의사들은 Stanislavsky가 무대에 영원히 서는 것을 금지했습니다. Stanislavsky는 1918년부터 존재한 볼쇼이 극장의 오페라 스튜디오(지금은 KS Stanislavsky와 Vl. I. Nemirovich-Danchenko).

모스크바 예술 극장의 오델로 제작을 위해 그는 비극에 대한 감독의 악보를 썼습니다. 그는 치료를 완료하기를 희망하는 니스의 편지와 함께 연기가 계속해서 보내졌습니다. I. Ya. Sudakov가 Stanislavsky의 작업이 끝나기 전에 공연을 발표했기 때문에 1945년에 출판된 악보는 사용되지 않았습니다.

1930년대 초, 스타니슬라프스키는 자신의 권위와 소련으로 돌아온 고리키의 지원을 받아 예술극장의 특별한 자리를 확보하기 위해 정부에 지원했다. 그들은 그를 향해 갔다. 1932년 1월에 "소련"이라는 약어가 극장 이름에 추가되어 볼쇼이 및 말리 극장과 동일시되었으며 1932년 9월에는 고리키의 이름을 따서 명명되었습니다. 이 극장은 소련의 모스크바 예술 극장으로 알려지게 되었습니다. 고리키. 1937년에 그는 1938년에 레닌 훈장을, 노동의 적기 훈장을 수여받았습니다. 1933년에 구 코르시 극장의 건물을 모스크바 예술 극장으로 옮겨 극장의 한 분과를 만들었습니다.

1935 년에 K. S. Stanislavsky의 오페라 및 드라마 스튜디오 (현재 K. S. Stanislavsky의 이름을 딴 모스크바 드라마 극장) (작품 중 - Hamlet)가 마지막으로 열렸습니다. 실제로 Leontievsky Lane에 있는 그의 아파트를 떠나지 않고 Stanislavsky는 집에서 배우들을 만나 그가 개발하고 있는 심리-물리적 행동 방법에 따라 리허설을 연기 학교로 전환했습니다.

"My Life in Art"(미국판 - 1924년, 러시아어 - 1926년)라는 책에 이어 "시스템"의 개발을 계속하면서 Stanislavsky는 "배우 자신의 작품"(1938년 출판)의 첫 번째 책을 보낼 수 있었습니다. , 사후) 인쇄합니다.

Stanislavsky는 1938년 8월 7일 모스크바에서 사망했습니다. 부검 결과 그는 1928년 심각한 심장마비로 인한 비대, 쇠약해진 심장, 폐기종, 동맥류 등 온갖 질병을 앓고 있는 것으로 나타났습니다. " 이 과정에 굴복하지 않은 뇌를 제외하고 신체의 모든 혈관에서 급격히 뚜렷한 동맥 경화 변화가 발견되었습니다."- 의사들의 결론은 [ 출처 불특정 784일] . 그는 8월 9일 Novodevichy 묘지에 묻혔다.

25. V.E. Meyerhold의 창의성.

Vsevolod Emilievich Meyerhold(실제 이름 - 칼 카시미르 테오도르 마이어골드(독일 사람 칼 카지미르 테오도르 마이어골드); 1874년 1월 28일(2월 9일), 펜자 - 1940년 2월 2일, 모스크바) - 러시아 소비에트 극장 감독, 배우 및 교사. 연극 그로테스크의 이론가이자 실천가, Theatre October 프로그램의 저자이자 "생체 역학"이라고 불리는 연기 시스템의 창시자. RSFSR의 인민 예술가(1923).

약력[편집 | 위키 텍스트 편집]

Karl Casimir Theodor Mayergold는 와인메이커 Emil Fedorovich Mayergold(d. 1892)와 그의 아내 Alvina Danilovna(nee Neeze)의 독일화된 루터교 유대인 가족의 여덟 번째 자녀였습니다. 1895년 펜자 체육관을 졸업하고 모스크바 대학교 법학과에 입학했다. 같은 해 21세가 되자 마이어홀트는 정통으로 개종하고 이름을 개명했다. 브세볼로드- 사랑하는 작가 V. M. Garshin을 기리기 위해.

1896년 그는 모스크바 필하모닉 소사이어티의 연극 음악 학교 2학년으로 Vl. I. 네미로비치-단첸코.

1898년 Vsevolod Meyerhold는 대학을 졸업하고 다른 졸업생들(O. L. Knipper, I. M. Moskvin)과 함께 만들어지고 있는 모스크바 예술 극장의 극단에 합류했습니다. 1898년 10월 14일(26)에 공공 예술 극장을 연 연극 "Tsar Fyodor Ioannovich"에서 Vasily Shuisky가 연주했습니다.

1902년 Meyerhold는 배우 그룹과 함께 Art Theatre를 떠나 독립 감독 활동을 시작하여 A. S. Kosheverov와 함께 Kherson에서 극단을 이끌었습니다. 두 번째 시즌부터 Kosheverov가 떠난 후 극단은 "New Drama Partnership"이라는 이름을 받았습니다. 1902-1905년에는 약 200회의 공연이 상연되었습니다.

1905년 5월 Konstantin Stanislavsky는 M. Maeterlinck의 The Death of Tentagil, G. Ibsen과 Shlyuk and Yau의 The Comedy of Love의 공연을 Povarskaya Street에 열 계획이었던 스튜디오 극장을 위한 G. Hauptmann의 공연을 준비하도록 초대했습니다. 모스크바에서. 그러나 Studio는 오랫동안 존재하지 않았습니다. 결과적으로 Stanislavsky와 Meyerhold는 그 목적을 다른 방식으로 이해했습니다. Meyerhold의 공연을 본 Stanislavsky는 대중에게 공개하는 것이 가능하다고 생각하지 않았습니다. 몇 년 후, "My Life in Art"라는 책에서 그는 Meyerhold의 실험에 대해 다음과 같이 썼습니다. 그의 흥미로운 아이디어를 수행하는 데 도움이되었습니다. 그러나 배우들 사이에 예술적 테크닉이 없으면 그는 자신의 아이디어, 원칙, 탐색 만 보여줄 수 있었지만 구현할 사람이 없었고 누구와도 함께하지 않았기 때문에 스튜디오의 흥미로운 아이디어는 추상적 인 이론으로, 과학으로 바뀌 었습니다. 공식. 1905년 10월 스튜디오는 폐쇄되었고 Meyerhold는 지방으로 돌아왔습니다.

1906년에 그는 V. F. Komissarzhevskaya에 의해 자신의 드라마 극장의 수석 감독으로 상트페테르부르크로 초대되었습니다. 한 시즌에 Meyerhold는 G. Ibsen의 "Hedda Gabler", M. Maeterlinck의 "Sister Beatrice", A. Blok의 "Public Show", L. N. Andreev의 "The Life of of Man"을 포함하여 13개의 공연을 제작했습니다.

제국 극장[편집 | 위키 텍스트 편집]

제국 극장의 감독.

1910년, Meyerhold는 테리요키에서 17세기 스페인 극작가 칼데론 십자가의 경배를 바탕으로 한 공연을 펼쳤습니다. 감독과 배우들은 오랫동안 자연 속에서 적당한 장소를 찾아 헤맸다. 그것은 Molodyozhny (fin. 메사킬라). 여기에는 아름다운 정원이 있었고, dacha에서 핀란드 만으로 내려가는 큰 계단인 무대 플랫폼이 있었습니다. 계획에 따르면 공연은 밤에 "불타는 횃불과 주변 인구의 엄청난 인파로" 계속될 예정이었습니다. 알렉산드린스키 극장에서 그는 K. Hamsun의 At Royal Doors(1908), E. Hart의 Jester Tantris, Molière의 Don Giovanni(1910), Pinero의 Halfway(1914), Z. Gippius의 The Green Ring, "The 확고한 왕자"(1915) Calderon, "Thunderstorm"(1916), M. Lermontov(1917)의 "Masquerade". 1911년 그는 마린스키 극장(예술가 - 골로빈, 안무가 - 포킨)에서 글룩의 오페라 오르페우스와 에우리디체를 상연했다.

혁명 이후[편집 | 위키 텍스트 편집]

B. 그리고리예프. V. Meyerhold의 초상화, 1916

1918년 이후 볼셰비키 당원. 테오 나르콤프로스에서 근무

10월 혁명 이후, 그는 페트로그라드(1918)에서 V. Mayakovsky의 Mystery Buff를 상연했습니다. 1919년 5월부터 1920년 8월까지 그는 크림 반도와 코카서스에서 여러 차례 정권 교체를 경험했고 백인 방첩자들에게 체포되었습니다. 1920년 9월부터 1921년 2월까지 - TEO의 수장. 1921년 그는 모스크바에서 같은 연극의 두 번째 판을 상연했다. 1918년 3월, 이전 San Galli Passage에 문을 연 카페 "Red Rooster"에서 Meyerhold는 A. Blok의 연극 "The Stranger"를 상연했습니다. 1920년에 그는 연극의 이론과 실천에 "Theatrical October"라는 프로그램을 제안하고 적극적으로 구현했습니다.

1918년에 페트로그라드의 무대 공연 과정에서 움직임 이론으로서의 생체 역학 교육이 도입되었습니다. 1921년 Meyerhold는 무대 움직임의 연습에 대해 이 용어를 사용합니다.

고스팀[편집 | 위키 텍스트 편집]

주요 기사:Vs.의 이름을 딴 주립 극장 메이어홀드

Vs.의 이름을 딴 주립 극장 Meyerhold(GosTiM)는 1920년 모스크바에서 처음에는 "RSFSR-I 극장"이라는 이름으로 만들어졌으며, 1922년부터는 "배우 극장"으로, 1923년부터 GITIS Theatre - Meyerhold Theatre(TiM)로 불렸습니다. 1926년에 극장은 주립 극장의 지위를 얻었습니다.

1922-1924년에 Meyerhold는 그의 극장의 형성과 병행하여 The Theatre of the Revolution을 감독했습니다.

1928 년 GosTiM은 거의 폐쇄되었습니다. 치료 및 극장 투어에 대한 협상을 위해 아내와 함께 해외로 떠난 Meyerhold는 프랑스에 머물렀고 동시에 당시 모스크바 예술 극장을 이끌었던 Mikhail Chekhov는 돌아 오지 않았습니다. 해외 여행 2위이자 GOSET Alexei Granovsky의 수장인 Meyerhold도 돌아오지 않으려는 의심을 받았습니다. 그러나 그는 청산위원회가 극장을 해산할 시간을 갖기 전에 이민을 떠나 모스크바로 돌아갈 생각이 없었다.

1930년 GosTiM은 해외 여행을 성공적으로 마쳤습니다. 베를린에서 Meyerhold를 만난 Mikhail Chekhov는 회고록에서 이렇게 말했습니다. 그는 묵묵히 귀를 기울이고 차분하고 슬프게 이렇게 대답했습니다(정확한 단어는 기억나지 않습니다). 체육관에서 보낸 시간 이후로 나는 혁명을 내 영혼에, 그리고 항상 극단적이고 최대주의적인 형태로 가져왔습니다. 나는 당신이 옳다는 것을 압니다 - 당신의 말대로 내 끝은 될 것입니다. 그러나 나는 소련으로 돌아갈 것입니다. 내 질문에 - 왜? - 그는 정직하게 대답했습니다.

1934년, 라이히가 주연을 맡은 연극 "동백꽃의 여인"을 스탈린이 보았고 그 공연을 좋아하지 않았습니다. 미학에 대한 비난으로 Meyerhold에 대한 비판이 쏟아졌습니다. 지나이다 라이히(Zinaida Reich)는 스탈린에게 그가 예술을 이해하지 못한다는 편지를 썼다.

1938년 1월 8일 극장이 폐쇄되었습니다. 소련 인민위원회의 예술위원회 명령 "극장의 청산. 태양. Meyerhold"는 1938년 1월 8일 "Pravda" 신문에 게재되었습니다. 1938년 5월, K. S. Stanislavsky는 직장을 잃은 Meyerhold에게 그가 직접 지휘한 오페라 극장의 감독 자리를 제안했습니다. K. S. Stanislavsky가 사망한 후 Meyerhold는 극장의 수석 감독이 되었습니다. 오페라 "리골레토"에 대한 계속된 작업.

체포와 죽음[편집 | 위키 텍스트 편집]

체포 후 NKVD의 사진

1939년 6월 20일 Meyerhold는 Leningrad에서 체포되었습니다. 동시에 모스크바에있는 그의 아파트에서 수색이 수행되었습니다. 수색 프로토콜에는 NKVD 요원 중 한 명의 방법에 항의한 아내 Zinaida Reich의 불만 사항이 기록되어 있습니다. 곧(7월 15일) 그녀는 신원 미상의 사람들에게 살해당했다.

고문과 함께 3주간의 심문 후 Meyerhold는 조사에 필요한 증언에 서명했습니다. 그는 RSFSR 형법 58조에 따라 기소되었습니다. 1940년 1월 Meyerhold는 V. M. 몰로토프:

... 그들은 나를 여기에서 구타했습니다. 아픈 66 세의 남자, 그들은 나를 바닥에 엎드려 눕히고 의자에 앉았을 때 발 뒤꿈치와 등에 고무 지혈대로 나를 때렸습니다. 그들은 내 다리에 같은 고무로 나를 때렸습니다 […

1940년 2월 1일 소련 최고재판소 군사대학 회의가 열렸다. 이사회는 감독에게 사형을 선고했다. 1940년 2월 2일에 사형이 집행되었습니다. Teatral 잡지는 Meyerhold의 매장지에 대해 이렇게 씁니다. E. Meyerhold Maria Alekseevna Valentey는 1956년에 정치적 재활을 달성했지만 할아버지가 언제 어떻게 사망했는지 알지 못하고 Vagankovsky 묘지에 있는 Zinaida Nikolaevna Reich의 무덤에 공동 기념물을 설치했습니다. 여배우와 그녀의 사랑하는 아내, 그리고 그에게. 기념물에는 Meyerhold의 초상화와 "Vsevolod Emilievich Meyerhold와 Zinaida Nikolaevna Reich에게"라는 비문이 새겨져 있습니다.<…>1987년에 그녀는 또한 Meyerhold의 진정한 매장 장소인 Donskoy Monastery 근처의 모스크바 화장터 묘지에서 "공동 묘지 1번. (1940년 1월 17일 정치국의 결정에 따르면 스탈린이 직접 서명한 II 11/208, 346명이 사살됐다. 시신은 화장되었고 공동묘지에 쏟아진 재는 다른 이들의 재와 섞였다. 죽은.) ".

1955년 소련 대법원은 사후에 마이어홀트를 재건했습니다.

가족[편집 | 위키 텍스트 편집]

1896년부터 그는 Olga Mikhailovna Mundt(1874-1940)와 결혼했습니다.

Maria(1897-1929)는 Evgeny Stanislavovich Beletsky와 결혼했습니다.
Tatyana(1902-1986)는 Alexei Petrovich Vorobyov와 결혼했습니다.
Irina(1905-1981)는 Vasily Vasilyevich Merkuriev와 결혼했습니다.

Irina와 V.V. Merkuriev의 아들 - Pyotr Vasilyevich Merkuriev (그는 영화에서 Meyerhold의 역할을 수행했습니다. 나는 배우다", 1980년, 그리고 텔레비전 시리즈에서" 예세닌", (2005).

1922년부터 그는 Zinaida Nikolaevna Reich(1894-1939)와 결혼했으며 첫 번째 결혼에서 그녀는 Sergei Yesenin과 결혼했습니다.

1928-1939 년 Meyerhold는 Bryusov per., 7의 모스크바에있는 소위 "예술가의 집"에서 살았습니다. 이제 그의 아파트에 박물관이 있습니다.

창의성[편집 | 위키 텍스트 편집]

연극 작품[편집 | 위키 텍스트 편집]

연기[편집 | 위키 텍스트 편집]

1898 - A. K. 톨스토이의 "차르 표도르 이오아노비치". 무대 감독 K. S. Stanislavsky와 Vl. I. 네미로비치-단첸코 - 바실리 슈이스키
1898 - W. 셰익스피어의 "베니스의 상인" - 아라곤의 왕자
1898 - A.P. 체호프의 "갈매기". 감독 K. S. Stanislavsky와 Vl. I. 네미로비치-단첸코 - 트레플레프
1899 - A. K. 톨스토이의 "끔찍한 이반의 죽음". 감독 K. S. Stanislavsky와 Vl. I. 네미로비치-단첸코 - 끔찍한 이반
1899 - 소포클레스의 안티고네 - 테이레시아스
1899 - G. Hauptmann의 "외로운". 감독 K. S. Stanislavsky와 Vl. I. 네미로비치-단첸코 - 요하네스
1901 - A.P. Chekhov의 "세 자매". 감독 K. S. Stanislavsky와 Vl. I. 네미로비치-단첸코 - 투젠바흐
1907 "Balaganchik"A. Blok - 피에로

감독의[편집 | 위키 텍스트 편집]

1907 - A. Blok의 "Balaganchik"
1918 - V. Mayakovsky의 "미스터리 버프"

RSFSR-1 극장(배우극장, GITIS 극장)

1920 - E. Verharn의 "Dawns"(V. Bebutov와 함께). 아티스트 V. 드미트리예프
1921 - "청소년 연합"G. 입센
1921 - V. Mayakovsky의 "Mystery-buff"(V. Bebutov와 함께 두 번째 판)
1922 - G. 입센의 "노라"
1922 - F. Krommelink의 "관대한 오쟁이 진 남편". 아티스트 L. S. Popova와 V. V. Lutse
1922 - A. Sukhovo-Kobylin의 "Tarelkin의 죽음". 감독 S. 아이젠슈타인

팀(고스팀)

1923 - Martin과 S. M. Tretyakov의 "The Earth on End". 아티스트 L. S. 포포바
1924 - "D. 이자형." I. Ehrenburg에 따르면 Podgaetsky. 아티스트 I. Shlepyanov, V. F. Fedorov
1924 - "Bubus 교사"A. Fayko; 감독 선. Meyerhold, 아티스트 I. Shlepyanov
1924 - A. N. Ostrovsky의 "숲". 아티스트 V. Fedorov.
1925 - "위임" N. Erdman. 아티스트 I. Shlepyanov, P. V. Williams
1926 - N. Gogol의 감찰관. 아티스트 V. V. Dmitriev, V. P. Kiselev, V. E. Meyerhold, I. Yu. Shlepyanov.
1926 - S. M. Tretyakov의 "Roars, China"(실험실 책임자 V. F. Fedorov와 함께). 아티스트 S. M. 에피멘코
1927 - "마을의 창" R. M. Akulshin. 아티스트 V. A. 셰스타코프
1928 - A. S. Griboyedov의 코미디 "Woe from Wit"를 기반으로 한 "Woe to the mind". 아티스트 N. P. Ulyanov; 작곡가 B. V. Asafiev.
1929 - V. Mayakovsky의 "빈대". 아티스트 Kukryniksy, A. M. Rodchenko; 작곡가 - D. D. 쇼스타코비치.
1929 - I. L. Selvinsky의 "커맨더-2". 아티스트 V. V. Pochitalov; S. E. Vakhtangov의 무대 디자인.
1930 - A. I. Bezymensky의 "샷". 감독 V. Zaichikov, S. Kezikov, A. Nesterov, F. Bondarenko, Vs. 메이어홀드; 아티스트 V. V. Kalinin, L. N. Pavlov
1930 - V. Mayakovsky의 "목욕탕". 아티스트 A. A. Deineka; S. E. Vakhtangov의 무대 디자인; 작곡가 V. Shebalin.
1931 - "마지막 결정적인" Sun. V. 비슈네프스키. S. E. Vakhtangov의 디자인
1931 - Y. Olesha의 "선행 목록". 아티스트 K. K. Savitsky, V. E. Meyerhold, I. Leystikov
1933 - Yu. P. German의 "서론". 아티스트 I. Leystikov
1933 - A. V. Sukhovo-Kobylin의 "Krechinsky의 결혼식". 아티스트 V. A. Shestakov.
1934 - A. Dumas 아들의 "동백나무를 든 여인". 아티스트 I. Leystikov
1935 - "33 실신"(A.P. Chekhov의 vaudeville "Proposal", "Bear" 및 "Jubilee" 기반). 아티스트 V. A. 셰스타코프

다른 극장에서는

1923 - "Lake Lyul"A. Fayko - 혁명 극장
1933 - 몰리에르의 "돈 후안" - 레닌그라드 주립 드라마 극장

필모그래피[편집 | 위키 텍스트 편집]

"Dorian Gray의 그림"(1915) - 감독, 시나리오 작가, 역할 수행자 헨리 경
"Strong Man"(1917) - 감독
"하얀 독수리"(1928) - 고위 인사

유산[편집 | 위키 텍스트 편집]

Penza의 Meyerhold 기념비(1999)

Vsevolod Meyerhold의 정확한 사망 날짜는 소련의 KGB가 Maria Alekseevna Valentey 감독의 손녀(1924-2003)가 그의 "사건"에 대해 알게 된 1988년 2월에만 알려졌습니다. 1990년 2월 2일, 마이어홀트가 사망한 날이 처음으로 기념되었습니다.

Vs.의 공식 재활 직후. Meyerhold는 1955년에 감독의 창조적 유산 위원회가 구성되었습니다. 설립 순간부터 2003년까지 M.A. Valentei-Meyerhold는 위원회의 영구 과학 비서였습니다. Pavel Markov(1955-1980), Sergey Yutkevich(1983-1985), Mikhail Tsarev(1985-1987), V.N. Pluchek(1987-1988)은 여러 해에 걸쳐 유산 위원회를 이끌었습니다. 1988년부터 Valery Fokin 이사가 위원회 의장을 맡고 있습니다.

1988년 말에 극장 박물관의 한 분과인 모스크바에 기념 박물관 아파트를 짓기로 결정했습니다. A. A. 바흐루시나

1989년 2월 25일부터 극장에서. 당시 Valery Fokin이 이끄는 M. N. Yermolova는 Meyerhold를 기념하여 저녁을 보냈습니다.

1991년 Heritage Commission의 주도로 러시아 연극 노동자 연합의 지원으로 1987년에 설립된 전 러시아 협회 "창의적 워크샵"을 기반으로 Vs. 메이어홀드(CIM). 센터는 과학 및 교육 활동에 종사하고 있습니다. 20년이 넘는 기간 동안 이곳은 국제 축제의 전통적인 장소이자 최고의 유럽 및 러시아 공연을 순회하는 플랫폼인 골든 마스크 국가 축제가 되었습니다.

기억[편집 | 위키 텍스트 편집]

1984년 2월 24일 펜자에서 극장 예술 센터 "Meyerhold's House"가 문을 열었으며(감독 Natalia Arkadyevna Kugel), 그곳에서 Dr. Dapertutto의 극장은 2003년부터 운영되고 있습니다.
1999년에 V. E. Meyerhold의 기념비가 펜자에서 공개되었습니다.
거리의 상트 페테르부르크에서 V.I. Meyerhold의 탄생 140 주년을 기념하여. Borodinskaya 6, 2014년 2월 10일 Meyerhold가 근무한 홀에서 기념 명판이 공개되었습니다. 출처 불특정 366일] .

비슷한 정보입니다.

러시아 연방 교육청

체육관 123호

문학에

A.N. Ostrovsky의 드라마에서 영웅의 연설 특성

"뇌우".

완료된 작업:

10 학년 학생 "A"

호멘코 예브게니아 세르게예브나

………………………………

선생님:

오레호바 올가 바실리에브나

……………………………..

등급…………………….

바르나울-2005

소개………………………………………………………

1 장. A. N. Ostrovsky의 전기 ...........................................

제 2 장

3장. Katerina의 음성 특성 ...........................

4장

결론……………………………………………………

중고 문헌 목록 ...........................

소개

Ostrovsky의 드라마 "Thunderstorm"은 유명한 극작가의 가장 중요한 작품입니다. 농노제도의 토대가 무너지고 갑갑한 분위기에 뇌우가 몰려드는 사회적 격동의 시기에 쓰여졌다. Ostrovsky의 연극은 우리를 주택 건설 질서가 가장 완고하게 유지되었던 상인 환경으로 안내합니다. 지방 읍의 주민들은 세상의 일을 모르고 무지와 무관심 속에서 공공의 이익에 대해 폐쇄적이고 이질적인 삶을 살고 있습니다.

우리가 지금 돌리는 것은 이 드라마다. 저자가 이 책에서 다루고 있는 문제는 우리에게 매우 중요합니다. 오스트로프스키는 50년대에 일어난 공적 삶의 전환점, 사회적 기반의 변화라는 문제를 제기한다.

소설을 읽고 나서 등장인물들의 화법 특징을 살펴보고 등장인물의 화법이 캐릭터를 이해하는 데 어떻게 도움이 되는지 알아보는 것을 목표로 삼았다. 결국 영웅의 이미지는 행동의 특성화, 언어 특성의 도움으로 예술적 수단의 도움으로 초상화의 도움으로 만들어집니다. 사람을 처음 보는 그의 말, 억양, 행동을 통해 우리는 그의 내면 세계, 몇 가지 중요한 관심사, 그리고 가장 중요하게는 그의 성격을 이해할 수 있습니다. 말의 특성은 극 작품에서 매우 중요한데, 그것을 통해서 특정 인물의 본질을 볼 수 있기 때문이다.

Katerina, Kabanikha 및 Dikoy의 캐릭터를 더 잘 이해하려면 다음 작업을 해결해야 합니다.

나는 Ostrovsky의 전기와 "Thunderstorm"창작의 역사로 시작하기로 결정했습니다. 저자는 전 세계를 매우 명확하게 보여주기 때문에 캐릭터의 음성 특성의 미래 마스터의 재능이 어떻게 연마되었는지 이해하기 위해 그의 작품의 긍정적인 성격과 부정적인 성격의 차이. 그런 다음 Katerina의 연설 특성을 고려하고 Diky와 Boar의 동일한 특성을 만들 것입니다. 이쯤되면 드라마 '뇌우' 속 등장인물들의 화법과 역할에 대해 확실한 결론을 내리도록 노력하겠다.

주제에 대해 작업하는 동안 I. A. Goncharov "Ostrovsky의 드라마 "Thunderstorm"에 대한 리뷰"와 N. A. Dobrolyubov "어둠의 왕국의 빛의 광선"의 기사에 대해 알게되었습니다. 또한 A.I.의 기사를 연구했습니다. Katerina의 언어의 주요 출처가 잘 표시되는 Revyakin "Katerina의 연설의 특징". 나는 V. Yu. Lebedev의 19 세기 러시아 문학 교과서에서 Ostrovsky의 전기와 드라마 창작의 역사에 대한 다양한 자료를 찾았습니다.

이론적 개념(영웅, 특성화, 연설, 저자)을 다루기 위해 나는 Yu. Boreev의 지도하에 출판된 백과사전 용어 사전의 도움을 받았습니다.

오스트로프스키의 드라마 '뇌우'에 대한 비판적 글과 문학평론가들의 반응이 많은 데도 불구하고 등장인물의 화법에 대한 연구가 충분히 이루어지지 않아 연구에 관심이 쏠린다.

1장. A. N. Ostrovsky의 전기

Alexander Nikolayevich Ostrovsky는 1823년 3월 31일 모스크바 중심부의 Zamoskvorechye에서 태어났습니다. 영광스러운 러시아 역사의 요람에서 모든 사람들이 Zamoskvoretsky 거리의 이름에 대해 이야기하고 있었습니다.

Ostrovsky는 첫 번째 모스크바 체육관을 졸업하고 1840년 아버지의 요청에 따라 모스크바 대학의 법학부에 입학했습니다. 그러나 대학에서 공부하는 것은 그를 기쁘게하지 않았고 교수 중 한 명과 갈등이 생겼고 2 학년 말에 Ostrovsky는 "가정 상황으로 인해" 그만뒀습니다.

1843년에 그의 아버지는 그를 모스크바 양심 재판소에서 일하도록 임명했습니다. 미래의 극작가에게 이것은 예상치 못한 운명의 선물이었다. 법원은 불운한 아들, 재산 및 기타 가정 분쟁에 대한 아버지의 불만을 고려했습니다. 판사는 사건을 깊이 파고 들었고 분쟁 당사자의 말을주의 깊게 들었으며 서기관 Ostrovsky는 사건 기록을 보관했습니다. 조사 과정에서 원고와 피고인들은 평소에 감춰져 있던 말을 남의 눈에 띄지 않게 입에 담았다. 그것은 상인 생활의 극적인 측면에 대한 지식의 실제 학교였습니다. 1845년에 오스트로프스키는 "언어 폭력 사건에 대한" 테이블의 사무관으로 모스크바 상업 법원으로 옮겼습니다. 이곳에서 그는 농민, 도시 속물, 상인, 무역에 종사하는 하급 귀족을 만났습니다. 상속을 놓고 다투는 형제자매, 도산하지 않는 채무자를 '양심에 따라' 심판함. 극적인 갈등의 전 세계가 우리 앞에 펼쳐졌고 살아있는 위대한 러시아어의 모든 부조화스러운 풍요가 울려 퍼졌습니다. 나는 그의 말 창고와 억양의 특징으로 그 사람의 성격을 추측해야 했습니다. Ostrovsky가 자신을 부른 미래의 "청각 현실 주의자"의 재능은 극작가, 그의 연극에서 등장 인물의 연설 특성화의 대가인 성장하고 연마되었습니다.

거의 40년 동안 러시아 무대에서 일한 Ostrovsky는 약 50편의 연극 전체 레퍼토리를 만들었습니다. Ostrovsky의 작품은 여전히 무대에 남아 있습니다. 그리고 백오십 년이 지난 후에 그의 희곡의 영웅들을 가까이에서 보는 것은 어렵지 않습니다.

Ostrovsky는 1886년에 그의 사랑하는 Trans-Volga 사유지 Shchelykovo에서 사망했습니다. 이곳은 코스트로마의 울창한 숲에 있습니다. 작가의 삶은 대부분 러시아의 핵심 장소에서 진행되었습니다. 어린 시절부터 그는 현대 도시 문명의 영향을 거의 받지 않은 원시 관습과 관습을 관찰하고 러시아 원주민의 말을 들을 수 있었습니다.

제 2 장

"Thunderstorm"의 제작은 1856-1857년 모스크바 부처의 지시에 따라 수행된 볼가 상류를 따라 극작가의 원정에 의해 수행되었습니다. 그녀는 1848년 Ostrovsky가 처음으로 그의 가족과 함께 그의 아버지의 고향, 볼가 시의 코스트로마, 그리고 더 나아가 그의 아버지가 인수한 Shchelykovo 사유지로 흥미진진한 여행을 갔을 때 그의 젊음의 인상을 되살려 부활시켰습니다. 이 여행의 결과는 러시아 볼가 지방에 대한 그의 인식에서 많은 것을 보여주는 Ostrovsky의 일기였습니다.

꽤 오랫동안 Ostrovsky는 코스트 로마 상인의 삶에서 뇌우의 음모를 가져 왔으며 1859 년 말에 코스트 로마에서 센세이션을 일으킨 Klykov 사례를 기반으로한다고 믿어졌습니다. 20세기 초까지 코스트로마 주민들은 카테리나의 살인 장소를 가리켰습니다. 그들은 또한 가정 교회 옆에 그녀가 살았던 집을 보여주었습니다. 그리고 "Thunderstorm"이 Kostroma Theatre의 무대에서 처음으로 등장했을 때 예술가들은 "Klykovs 아래"를 구성했습니다.

코스트로마 지역 역사가들은 기록 보관소에 있는 클리코보 사건을 철저히 조사했고 문서를 손에 들고 오스트로프스키가 뇌우에 대한 작업에서 사용한 것이 바로 이 이야기라는 결론에 도달했습니다. 우연의 일치는 거의 문자 그대로였습니다. A.P. Klykova는 16세에 노부모, 아들, 미혼 딸로 구성된 우울하고 사교적이지 않은 상인 가족으로 인도되었습니다. 집의 여주인은 가혹하고 완고했고 그녀의 독재자로 남편과 아이들의 인격을 상실했습니다. 그녀는 어린 며느리에게 천박한 일을 시키도록 강요하고 친척을 만나 달라고 요청했습니다.

드라마 당시 Klykova는 19 세였습니다. 과거에 그녀는 사랑으로 자랐고 그녀의 영혼의 홀, 다정한 할머니, 그녀는 쾌활하고 발랄하고 쾌활했습니다. 이제 그녀는 가족 중 불친절하고 낯선 사람이었습니다. 평온한 그녀의 젊은 남편 Klykov는 시어머니의 괴롭힘으로부터 아내를 보호하지 못하고 그녀를 무관심하게 대했습니다. Klykovs에게는 자녀가 없었습니다. 그리고 우체국에서 일하는 젊은 여성 Maryin을 가로막는 또 다른 남자. 의심, 질투의 장면을 시작했습니다. 1859년 11월 10일 볼가에서 A.P. Klykova의 시신이 발견되었다는 사실로 끝이 났습니다. 긴 법적 절차가 시작되어 코스트로마 주 밖에서도 널리 알려졌고 코스트로마 주민들 중 누구도 Ostrovsky가 이 사건의 자료를 Groz에서 사용했다는 것을 의심하지 않았습니다.

연구자들이 뇌우가 코스트로마 상인 Klykova가 볼가로 돌진하기 전에 쓰여졌다는 것을 확실히 확립하기까지 수십 년이 지났습니다. Ostrovsky는 1859년 6월-7월에 뇌우에 대한 작업을 시작하여 같은 해 10월 9일에 완료했습니다. 희곡은 1860년 1월호 The Library for Reading에 처음 게재되었습니다. 무대에서 "Thunderstorm"의 첫 번째 공연은 1859년 11월 16일 Katerina의 역할에서 L. P. Nikulina-Kositskaya와 함께 S. V. Vasiliev의 자선 공연에서 Maly Theatre에서 열렸습니다. "Thunderstorm"의 Kostroma 소스에 대한 버전은 터무니없는 것으로 판명되었습니다. 그러나 놀라운 우연의 일치라는 사실 자체가 많은 것을 말해줍니다. 그것은 상인 생활에서 오래된 것과 새로운 것 사이의 증가하는 갈등, Dobrolyubov가 "상쾌하고 고무적인 것"을 본 갈등을 포착한 국가 극작가의 선견지명을 증언합니다. 이유가 있고 유명한 극장 인물 SA Yuryev는 다음과 같이 말했습니다. "천둥 폭풍"은 Ostrovsky가 작성하지 않았습니다 ... "천둥 폭풍"은 볼가가 작성했습니다.

3 장

Katerina 언어의 주요 출처는 민속 언어, 민속 구전 시 및 교회 문학입니다.

그녀의 언어와 민속 언어의 깊은 연결은 어휘, 비유 및 구문에 반영됩니다.

그녀의 연설은 구두 표현으로 가득 차 있습니다. 민속 언어의 관용구입니다. "아버지도 어머니도 보지 못하게"; "영혼이 없었다"; "내 영혼을 진정시켜"; "얼마나 오래 곤경에 처할 것인가"; 불행의 의미에서 "죄가 되는 것". 그러나 이들 및 유사한 어구 단위는 일반적으로 이해되고 일반적으로 사용되며 명확합니다. 그녀의 연설에서 예외적으로 형태 학적으로 잘못된 형성은 "당신은 내 성격을 모릅니다"; "이 대화 후, 그럼."

그녀의 언어의 비유적 표현은 언어적, 시각적 수단의 풍부함, 특히 비교에서 나타납니다. 따라서 그녀의 연설에는 20개 이상의 비교가 있으며 연극의 다른 모든 등장인물은 모두 이 숫자보다 약간 더 많습니다. 동시에 그녀의 비교는 널리 퍼진 민속적 성격입니다. "비둘기 같아", "비둘기가 우는 것 같아", "내 어깨에서 산이 떨어진 것 같아", "내 손을 태워, 마치 석탄".

Katerina의 연설에는 종종 민속시의 단어와 구, 주제 및 메아리가 포함됩니다.

Varvara로 돌아가서 Katerina는 "왜 사람들은 새처럼 날지 않습니까? .."라고 말합니다.

보리스를 그리워하는 Katerina는 끝에서 두 번째 독백에서 다음과 같이 말합니다. 나는 아무것도 필요하지 않으며, 나에게 좋은 것은 없으며, 하나님의 빛은 좋지 않습니다!

여기에 민속 구어체와 민요 캐릭터의 어구적 전환이 있습니다. 예를 들어 Sobolevsky가 발행 한 민요 모음에서 다음을 읽습니다.

안돼, 안돼, 사랑하는 친구 없이 산다는 건 불가능해...

나는 기억할 것이다, 나는 사랑하는 사람에 대해 기억할 것이다, 하얀 빛은 소녀에게 좋지 않다,

좋지도 않고 좋지도 않은 하얀 빛...산에서 어두운 숲으로 갈게...

카테리나는 보리스와 데이트를 하고 "왜 왔어, 내 파괴자?"라고 외친다. 민속 결혼식에서 신부는 "나의 파괴자가 온다"는 말로 신랑을 맞이합니다.

마지막 독백에서 Katerina는 다음과 같이 말합니다. "무덤이 더 좋습니다 ... 나무 아래에 무덤이 있습니다 ... 얼마나 좋은지 ... 태양은 그녀를 따뜻하게하고 비로 그녀를 적십니다 ... 봄에는 잔디가 자랍니다. 그것에, 너무 부드러워 ... 새가 나무로 날아갈 것이고, 노래하고, 아이들을 데려 올 것이고, 꽃이 피게 될 것입니다 : 노란색 , 빨간색, 파란색 ... ".

여기에 모든 것이 민속시에서 나온 것입니다. 작은 접미사 어휘, 어구적 전환, 이미지.

구전 시의 독백의 이 부분을 위해 직접적인 직물 서신도 풍부합니다. 예를 들어:

... 그들은 오크 판으로 덮을 것입니다

예, 그들은 무덤으로 낮아질 것입니다.

그리고 축축한 흙으로 덮여 있습니다.

당신은 개미 풀,

더 많은 주홍 꽃!

이미 언급한 바와 같이 민속 언어와 민속 시의 편곡과 함께 교회 문학이 큰 영향을 미쳤습니다.

그녀는 “우리 집은 방랑자와 순례자들로 가득했습니다. 그리고 우리는 교회에서 와서 앉아서 일을 할 것입니다 ... 방랑자들은 그들이 어디에 있는지, 무엇을 보았는지, 다른 삶을 말하거나시를 부르기 시작할 것입니다 "(d. 1, yavl. 7).

비교적 풍부한 어휘를 소유한 Katerina는 다양하고 심리적으로 매우 깊은 비교를 바탕으로 자유롭게 말을 합니다. 그녀의 연설은 흐르고 있습니다. 따라서 문학 언어의 그러한 단어와 전환은 그녀에게 외계인이 아닙니다. 꿈, 생각, 물론이 모든 것이 1 초 안에 일어난 것처럼, 나에게는 매우 특이한 것입니다.

첫 번째 독백에서 Katerina는 그녀의 꿈에 대해 이야기합니다. 또는 황금 사원, 또는 어떤 특별한 정원, 그리고 모두가 보이지 않는 목소리를 노래합니다. 그리고 그것은 마치 평소와 같지 않지만 이미지에 쓰여진 것처럼 사이프러스와 산과 나무의 냄새가납니다.

내용과 언어 표현의 형태 모두에서 이러한 꿈은 의심할 여지 없이 영적인 구절에서 영감을 받았습니다.

Katerina의 연설은 사전-어구학적으로뿐만 아니라 구문적으로도 독창적입니다. 주로 단순하고 복합적인 문장으로 구성되어 있으며 구문 끝에 술어가 있습니다. 여기서 노파들은 잠들고 누웠고 나는 정원을 거닐었다… 너무 좋았다”(d. 1, yavl. 7).

대부분의 경우 민화의 구문에서 일반적으로 그렇듯이 Katerina는 접속사와 yes를 통해 문장을 연결합니다. "그리고 우리는 교회에서 올 것입니다 ... 방랑자들은 말하기 시작할 것입니다 ... 그렇지 않으면 마치 내가 날아가는 것과 같습니다 ... 그리고 내가 꾼 꿈."

Katerina의 떠 다니는 연설은 때때로 민중 애도의 성격을 띠고 있습니다. (울음) 불쌍한 나, 어디로 가나? 누구를 붙잡을 수 있습니까?"

Katerina의 연설은 깊은 감정적이며 서정적이며 시적입니다. 그녀의 연설에 감성적이고 시적인 표현력을 부여하기 위해 민담(열쇠, 물, 아이, 무덤, 비, 풀)에 내재된 작은 접미사와 증폭 입자(“그가 나에게 어떻게 미안하다고 느꼈나요? 그가 말합니까?” ), 그리고 감탄사(“오, 내가 그를 얼마나 그리워하는가!”).

서정적인 진정성, 카테리나의 연설의 시는 정의된 단어(황금 사원, 특이한 정원, 교활한 생각) 뒤에 오는 소명과 백성의 구전 시의 특징인 반복으로 주어집니다.

Ostrovsky는 Katerina의 연설에서 그녀의 열정적이고 다정한 시적 본성과 강한 의지의 힘을 드러냅니다. 의지력, Katerina의 결단력은 날카롭게 독단적이거나 부정적인 성격의 구문 구조에 의해 시작됩니다.

4장

카바니키

Ostrovsky의 드라마 "Thunderstorm"에서 Dikoy와 Kabanikh는 "Dark Kingdom"의 대표자입니다. 어떤 사람은 Kalinov가 가장 높은 울타리로 세계의 나머지 지역과 차단되어 있고 일종의 특별하고 폐쇄적인 삶을 살고 있다는 인상을 받습니다. Ostrovsky는 러시아 가부장제 생활의 관습의 비참함, 야만성을 보여주는 가장 중요한 것에 집중했습니다. 왜냐하면이 모든 삶은 분명히 완전히 우스꽝스러운 평소의 구식 법률에만 의존하기 때문입니다. "Dark Kingdom"은 오래되고 잘 확립된 것을 집요하게 고수합니다. 이것은 한 곳에 서 있습니다. 그리고 그러한 지위는 권력과 권위가 있는 사람들이 뒷받침해야 가능합니다.

제 생각에는 사람에 대한 더 완전한 아이디어는 그의 연설, 즉이 영웅에게만 내재 된 일반적이고 구체적인 표현으로 주어질 수 있습니다. 마치 아무 일도 없었던 것처럼 Wild가 어떻게 사람을 화나게 할 수 있는지 봅니다. 주변 사람들뿐 아니라 친척이나 친구들까지도 아무 것도 넣지 않습니다. 그의 가족은 그의 진노에 대한 끊임없는 두려움 속에 살고 있습니다. 야생은 가능한 모든 방법으로 조카를 조롱합니다. 그의 말을 기억하는 것으로 충분합니다. "나는 한 번, 두 번 말했습니다." "감히 나를 만나지 말아요"; 당신은 모든 것을 얻을 것이다! 당신을 위한 충분한 공간이 있습니까? 어디를 가든지 여기 있습니다. 파, 빌어먹을! 왜 기둥처럼 서있어! 말씀하시는 겁니까?" 와일드는 조카를 전혀 존경하지 않는다는 것을 솔직히 보여줍니다. 그는 주변의 모든 사람보다 자신을 우선시합니다. 그리고 아무도 그에게 약간의 저항도 하지 않습니다. 그는 자신의 힘을 느끼는 모든 사람을 꾸짖지 만 누군가가 자신을 꾸짖는다면 그는 대답 할 수 없으며 집에서 버틸 것입니다! 그들에게 야생은 그의 모든 분노를 가져갈 것입니다.

야생 - 도시의 "중요한 사람", 상인. Shapkin은 그에 대해 이렇게 말합니다. 아무 이유없이 사람이 잘릴 것입니다.

“전망이 최고! 아름다움! 영혼은 기뻐합니다! "- Kuligin은 외치지만이 아름다운 풍경을 배경으로 뇌우에서 우리 앞에 나타나는 암울한 삶의 그림이 그려집니다. Kalinov시에서 널리 퍼져있는 생활, 관습 및 관습에 대해 정확하고 명확한 설명을 제공하는 것은 Kuligin입니다.

따라서 Wild와 마찬가지로 Kabanikha는 이기적인 성향으로 구별되며 자신만 생각합니다. Kalinov시의 주민들은 Dikoy와 Kabanikh에 대해 자주 이야기하므로 풍부한 자료를 얻을 수 있습니다. Kudryash와의 대화에서 Shapkin은 Diky를 "오빠"라고 부르고 Kudryash는 그를 "예리한 농부"라고 부릅니다. 멧돼지는 와일드를 "전사"라고 부릅니다. 이 모든 것은 그의 성격의 심술과 긴장에 대해 말합니다. Kabanik에 대한 리뷰도 그다지 아첨하지 않습니다. Kuligin은 그녀를 "위선자"라고 부르며 그녀가 "가난한 옷을 입히지만 그녀의 집을 완전히 먹었다"고 말합니다. 이것은 나쁜 면에서 상인을 특징짓습니다.

우리는 그들에게 의존하는 사람들과 관련하여 그들의 무정함, 노동자들과의 정착에서 돈을 나누기를 꺼리는 것에 충격을 받았습니다. Dikoy가 말한 것을 기억하십시오.“나는 금식에 대해 이야기하고 있었고 위대한 것에 대해 이야기하고 있었고 쉽지 않고 작은 사람이 미끄러졌습니다. 그는 돈을 위해 왔고 그는 장작을 가지고 다녔습니다 ... 나는 죄를 지었습니다. 나는 꾸짖고 꾸짖었습니다. . 거의 못을 박았습니다.” 사람들 사이의 모든 관계는 부를 기반으로 한다고 생각합니다.

멧돼지는 멧돼지보다 부유하므로 도시에서 멧돼지에게 예의를 갖춰야 하는 유일한 사람은 그녀뿐입니다. "글쎄, 목을 너무 열지 마! 나를 더 싸게 찾아라! 그리고 난 당신을 사랑합니다!"

그들을 하나로 묶는 또 다른 특징은 종교성입니다. 그러나 그들은 하나님을 용서하는 분이 아니라 벌하실 수 있는 분으로 인식합니다.

Kabanikha는 다른 곳과 달리 오래된 전통에 대한 이 도시의 모든 노력을 반영합니다. (그녀는 Katerina, Tikhon에게 일반적으로 사는 방법과 특정한 경우에 행동하는 방법을 가르칩니다.) Kabanova는 친절하고 성실하며 가장 중요하게는 불행한 여성처럼 보이려고 노력하며 나이에 따라 자신의 행동을 정당화하려고 합니다. 멍청한; 글쎄, 똑똑한 젊은이들이여, 우리 바보들에게 강요해서는 안 됩니다. 그러나 이러한 진술은 진실한 고백이라기보다 아이러니에 가깝습니다. Kabanova는 자신을 관심의 중심이라고 생각하며 사망 후 전 세계에 무슨 일이 일어날지 상상할 수 없습니다. 멧돼지는 그녀의 오래된 전통에 맹목적으로 몰두하여 모든 가정이 그녀의 노래에 맞춰 춤을 추게 만들었습니다. 그녀는 티콘에게 예전처럼 아내에게 작별 인사를 하게 하여 주위 사람들에게 웃음과 아쉬움을 자아낸다.

한편으로는 야생이 더 거칠고 강해서 더 무서운 것 같습니다. 그러나 자세히 살펴보면 Wild는 소리지르고 난동을 부리는 것만 가능합니다. 그녀는 모든 사람을 제압하고 모든 것을 통제하고 사람들의 관계를 관리하려고 시도하여 Katerina를 죽음으로 이끕니다. 멧돼지는 멧돼지와 달리 교활하고 똑똑해서 더 무섭습니다. Kabanikhi의 연설에서 위선과 연설의 이중성이 매우 분명하게 나타납니다. 그녀는 사람들에게 매우 대담하고 무례하게 말하지만 동시에 그와 의사 소통하면서 친절하고 민감하고 성실하며 가장 중요한 불행한 여성으로 보이고 싶어합니다.

우리는 Dikoy가 완전히 문맹이라고 말할 수 있습니다. 그는 보리스에게 말합니다. 나는 당신과 예수회와 이야기하고 싶지 않습니다." 디코이는 연설에서 "예수회와 함께" 대신에 "예수회와 함께"를 사용합니다. 그래서 그는 또한 그의 연설과 함께 침을 뱉으며 마침내 그의 문화 부족을 보여줍니다. 일반적으로 드라마 전체에서 우리는 그가 욕설을 퍼붓는 것을 봅니다. "여기서 뭐해! 여기 물이 대체 뭐야!”라며 극도로 무례하고 무례한 사람임을 알 수 있습니다.

Wild는 공격성이 무례하고 직선적이며 때로는 사람들 사이에서 당혹감과 놀라움을 주는 일을 합니다. 그는 돈을주지 않고 농부를 화나게하고 때릴 수 있으며 모든 사람 앞에서 흙에서 그 앞에 서서 용서를 구할 수 있습니다. 그는 싸움꾼이며 그의 광란에서 그는 공포에 그에게서 숨어서 그의 집에 천둥과 번개를 던질 수 있습니다.

따라서 Diky와 Kabanikha는 상인 계층의 전형적인 대표자로 간주 될 수 없다는 결론을 내릴 수 있습니다. Ostrovsky의 드라마에서이 캐릭터는 매우 유사하고 이기적인 성향이 다르며 자신 만 생각합니다. 그리고 그들의 자녀들조차도 어느 정도 그들에게 방해가 되는 것 같습니다. 그런 태도는 사람들을 꾸밀 수 없기 때문에 Dikoy와 Kabanikha는 독자들에게 지속적인 부정적인 감정을 불러일으킵니다.

결론

내 생각에 Ostrovsky에 대해 말하면, 우리는 그를 타의 추종을 불허하는 언어의 마스터, 예술가라고 부를 수 있습니다. 연극 '뇌우'의 등장인물은 밝은 양각 캐릭터로 살아 있는 것처럼 우리 앞에 나타난다. 영웅이 말하는 각 단어는 그의 성격의 새로운 면을 드러내고 다른 면에서 그를 보여줍니다. 사람의 성격, 기분, 다른 사람에 대한 태도는 원하지 않더라도 연설에 나타나며 진정한 연설 특성의 마스터 인 Ostrovsky는 이러한 특징을 알아 차립니다. 작가에 따르면 말투는 독자에게 캐릭터에 대해 많은 것을 말해 줄 수 있다고 합니다. 따라서 각 캐릭터는 고유 한 개성과 독특한 풍미를 얻습니다. 이것은 특히 드라마에 해당됩니다.

Ostrovsky의 Thunderstorm에서 우리는 긍정적인 영웅 Katerina와 두 명의 부정적인 영웅 Wild와 Kabanikha를 명확하게 구분할 수 있습니다. 물론 그들은 "암흑의 왕국"의 대표자입니다. 그리고 카테리나는 그들과 싸우려고 하는 유일한 사람입니다. Katerina의 이미지가 밝고 생생하게 그려져 있습니다. 주인공은 아름답고 비유적인 민속 언어를 구사합니다. 그녀의 연설은 미묘한 의미 뉘앙스가 풍부합니다. 물방울 같은 Katerina의 독백은 그녀의 풍요로운 내면 세계 전체를 반영합니다. 인물의 연설에는 그에 대한 작가의 태도조차도 나타납니다. Ostrovsky는 사랑, 동정심으로 Katerina를 대하고 Kabanikh와 Diky의 폭정을 얼마나 날카롭게 비난합니다.

그는 Kabanikha를 "어둠의 왕국" 기초의 확고한 수호자로 그립니다. 그녀는 가부장적 고대의 모든 질서를 엄격히 준수하고, 누구에게도 개인적인 의지의 표현을 용납하지 않으며, 다른 사람들에 대한 큰 힘을 가지고 있습니다.

Wild의 경우 Ostrovsky는 그의 영혼에 끓어오르는 모든 분노와 분노를 전달할 수 있었습니다. 조카 보리스를 포함한 모든 가정은 야생을 두려워합니다. 그는 개방적이고 무례하며 예의가 없습니다. 그러나 두 강력한 영웅은 모두 불행합니다. 그들은 자신의 제멋대로인 성격으로 무엇을 해야 할지 모릅니다.

Ostrovsky의 드라마 "Thunderstorm"에서 작가는 예술적 수단의 도움으로 캐릭터를 특성화하고 당시의 생생한 그림을 만들었습니다. "뇌우"는 독자, 시청자에게 미치는 영향이 매우 강력합니다. 영웅들의 드라마는 모든 작가가 성공하는 것이 아니라 무관심한 사람들의 마음과 정신을 남기지 않습니다. 진정한 예술가 만이 그러한 장엄하고 웅변적인 이미지를 만들 수 있으며, 그러한 연설 특성의 마스터 만이 다른 추가 특성에 의지하지 않고 자신의 말, 억양의 도움으로 만 독자에게 문자에 대해 말할 수 있습니다.

중고 문헌 목록

1. A. N. Ostrovsky "뇌우". 모스크바 "모스크바 노동자", 1974.

2. Yu. V. Lebedev "19세기 러시아 문학", 2부. 계몽, 2000.

3. I. E. Kaplin, M. T. Pinaev "러시아 문학". 모스크바 "계몽", 1993.

4. 유 보레프. 미학. 이론. 문학. 백과사전 용어 사전, 2003.

책에서: E. 콜로도프. 마스터리 오스트로프스키. 1967년 모스크바

13장

행동의 시간

알려진 바와 같이 Ostrovsky는 규범 미학의 전제적 규칙이 자신에 대한 힘을 인식하지 못했습니다. 특히 그는 물론 연극의 행위가 하루 이상 지속되지 않아야 한다는 고전주의적 시간 단위 법칙을 준수할 의무가 있다고 생각하지 않았습니다. 그는 각 작품의 줄거리, 핵심 소재, 사상적 개념이 요구하는 한 연극의 길이를 자유롭게 연장할 수 있었다. 그리고 그는 그렇게 했습니다. 그의 희곡 중에는 1시간 미만의 작품('가족사진', '청년의 아침')과 17년 이상의 세월을 아우르는 작품('심연', '무죄')이 있다.

극작가가 자신의 영웅들의 무대 생활을 위해 따로 떼어놓은 시간과 날을 인색하게 만드는 것은 아무 것도 없었던 것 같습니다. 평생은 아니더라도 적어도 몇 년, 마지막으로 몇 달, 몇 주 동안은 그 어떤 것도 그가 그것들을 보여주지 못하도록 막지 못했습니다. 우리가 알고 있듯이 때때로 그는 이 기회를 이용했습니다. 그러나 우리가 이러한 관점에서 오스트로프스키의 전체 극적 유산을 분석한다면, 우리는 그가 시간에 따라 극적 행위의 가능한 최대 집중을 위해 일관되게 노력했음을 알 수 있을 것입니다.

시간 경과에 따른 행동 집중

그가 쓴 47편의 원작 중 15편의 희곡이 하루 안에 시작되고 끝난다('가족사진', '청년의 아침', '뜻밖의 사건', '썰매에 타지 말라', ' 원하는 대로 살지 마세요", "남의 잔치에 숙취", "축제 꿈-저녁 식사 전", "학생", "당신의 개가 물고, 다른 사람을 괴롭히지 마세요!", 당신은 찾을 것입니다", "힘든 날", "붐비는 장소에서","따뜻한 마음","한 푼도 없었지만 갑자기 Altyn "," 지참금 "). 15개의 연극에서 행동은 2~3일 동안 지속됩니다("빈곤은 악덕이 아닙니다", "오래된 친구가 두 명의 새로운 친구보다 낫습니다", "죄와 문제는 누구에게도 살지 않습니다", "조커", "숲 ", "모든 것이 고양이를위한 Shrovetide는 아닙니다", "17 세기 코미디언", "늦은 사랑", "노동 빵", "늑대와 양", "부자 신부", "진실은 좋지만 행복은 더 좋습니다. ", "마지막 희생자", "잘 생긴 남자", "이 세상 사람이 아닙니다").

따라서 47편의 희곡 중 30편에서 오스트로프스키는 단 하루도 행동의 전개를 방해하지 않고 행동의 시간을 최대한으로 집중시켰다.

그의 나머지 17편의 희곡을 살펴보면, 그 중 9편에서 행동 기간이 한 달을 넘지 않는다는 것을 알 수 있습니다("재능과 추종자" - 5일, "노예" 및 "마음은 돌이 아닙니다" - 약 일주일, "Voevoda" - 10일, "Thunderstorm" 및 "Enough Simplicity for Every Wise Man" - 약 2주, "Mad Money" - 약 3주, "Poor Bride" 및 "Didn't Get Together!" - 약 한달). 봄 동화 "The Snow Maiden"은 러시아 봄이 지속되는 한 2-3 개월 지속됩니다. 코미디 "자신의 사람들 - 정착하자!" 불친절한 시간에 볼쇼프가 스스로를 파산 채무자로 선언하기로 결정한 지 몇 달 후에 끝난다. 다음으로 우리는 세 개의 극적인 연대기를 언급할 것입니다. "Tushino"에서는 연극 제목으로 나타나는 것처럼 1608년 9월과 10월에 액션이 발생합니다. "Kuzma Zakharyich Minin, Sukhoruk"은 1611년 8월 26일에 시작하여 1612년 3월에 끝납니다. 연대기 "Dmitry the Pretender and Vasily Shuisky"에서 막은 1605년 6월 19일에 상승하고 거의 11개월 후인 1606년 5월 17일에 무너집니다. "Profitable Place"는 Vasily Nikolaevich Zhadov의 삶의 해를 추적합니다. "Abyss"와 "Guilty Without Guilt"는 이미 언급했듯이 각각 17년을 커버합니다.

Ostrovsky의 마지막 희곡군을 자세히 살펴보면, 그것들도 언뜻 보기에 보이는 것보다 훨씬 더 시간에 집중되어 있음을 알 수 있다. 위에서 언급한 17개의 극 중 대부분은 프롤로그나 에필로그로 인해 시간적 간격이 형성되는 반면, 주요 극적 액션은 원칙적으로 며칠 동안 쉬지 않고 진행되는 것으로 밝혀졌다.

사실, 우리는 Voyevoda와 Snegurochka의 두 Ostrovsky 연극에서만 프롤로그를 찾습니다. 또한 그의 코미디 중 3개인 "Mad Money", "Guilty Without Guilt" 및 "Handsome Man"에서 첫 번째 막에는 "프롤로그 대신"이라는 부제가 있습니다. 그러나 어느 정도 이유가 있으면 첫 번째 막(또는 처음 두 개의 막)이 기능적으로 주요 액션의 프롤로그 역할을 하는 이러한 종류의 작품에 두 개의 연극이 더 귀속될 수 있습니다. 노예”.

사실, 에필로그는 Ostrovsky의 "Kuzma Zakharyich Minin, Sukhoruk"와 "17 세기 코미디언"의 두 연극에서만 찾을 수 있습니다. 그러나 우리가 보게 되겠지만, 에필로그의 기능은 "우리 민족 - 우리가 정착할 것이다!", "불쌍한 신부", "우리 사이가 좋지 않았다! " 그리고 "마음은 돌이 아니다."

Voivode에서 프롤로그는 다른 5막과 일주일 간격으로 분리됩니다(프롤로그에서 총독에게서 도망치는 광대 Bessudny는 첫 번째 막에서 자신에 대해 말합니다. .."). 이 일주일 간의 시간 간격은 프롤로그에서 강탈적인 총독 Shalygin에 대한 청원으로 모스크바에 모인 Semyon Bastryukov가 새로운 총독과 함께 수도에서 돌아올 시간을 가질 수 있도록 최소한으로 필요했습니다. 끝났다.

그건 그렇고, Ostrovsky의 동시대 비평가들이 극작가를 "모든 것이 갑자기 뒤집어져서 9일 만에 그들이 모스크바에 가서 사업을 하고 새로운 총독을 데려왔다는 사실에 대해 정확히 비난한 것은 이상한 일입니다. 곧 뭔가! 결국, 도시는 강도 무리가 처벌받지 않고 돌아 다니는 볼가 (Volga)에 있습니다. 따라서 모스크바와 매우 가깝지는 않습니다. 야로슬라블에서도 17세기에 볼가의 대도시는 강도가 로밍하기 불편한 Tver를 제외하고는 더 가까이에 없었습니다. 이제 고속도로를 따라 모스크바에서 250 versts; 메신저들이 그랬다고 가정해 보십시오. 글쎄, 하루에 적어도 70마일은 물론 더 이상은 아닙니다. 우편물도 없었고 우리는 말을 타고 말을 타고 차를 마셨습니다. 결과적으로 그들은 3일 반 이상을 여행할 수 없었고, Bastryukov의 선물 카트는 아마도 5일 내내 여행했을 것입니다. 새 총독이 모스크바에서 지방으로 여행하는 데 걸리는 시간과 같은 시간입니다. 보야르 두마, 서기, 두마 보야르, 대보야르, 차르 사이에서 일을 하려면 총독 교체라는 중대한 문제가 이틀 남았다. 아니요, 당신이 원하는대로 이것은 자본 부조화입니다.

우리는 Ostrovsky가 그의 희극의 시간을 최대한 집중하려고 정말로 노력했음을 다시 한 번 강조하기 위해 이 호기심을 불러일으켰습니다. 실제로, 그가 세심한 비평가의 엉뚱한 선택으로부터 자신을 보장하면서 적어도 1~2주 동안 연극의 주요 5막의 행동을 연장하는 데 드는 비용은 무엇입니까? 그러나 프롤로그에 이어 "Voevoda"의 5막 동작은 단 3일이면 된다.

The Snow Maiden에서 프롤로그는 봄이 도래하면서 시작됩니다. 레시는 다음과 같이 선언합니다.

겨울의 끝자락에 닭이 울었다.

봄-빨강이 땅으로 내려옵니다 ...

이야기의 첫 번째 막은 봄의 마지막 날에 Berendeevka로 안내합니다. 아마도 2~3개월이 지나야 Snow Maiden이 Bobyl과 Bobylikh의 가족에 정착할 수 있을 것입니다. 연극의 마지막 4막은 격일 새벽에 진행됩니다. 따라서 극작가는 봄 이야기의 주요(프롤로그 제외) 액션을 시작하고 푸는 데 하루 이상이 필요했습니다. 이 기간 동안 Mizgir는 Kupava와 사랑에 빠지고 Snow Maiden과 사랑에 빠져 죽습니다. 그 동안 소녀시대의 사랑의 행복과 불행을 알기 위해 목숨을 걸고 살아온 백설공주.

Mad Money의 첫 번째 막에서만 "프롤로그 대신"이라는 자막을 찾을 수 있지만 Vasilkov가 Lydia를 만나고 그녀에게 제안하고 그녀의 동의를 받는 첫 두 막에서 이 자막을 돌리는 것이 더 정확할 것입니다. 결혼식이 끝난 후 시간이 거의 흐르지 않습니다("나는 최근에야 숙녀가 되었습니다."라고 Lydia는 3막에서 말합니다. "그녀와 단 일주일 동안 살았기 때문에 Vasilkov는 4막에서 그녀를 경멸합니다."라고 말합니다.) Nadezhda Antonovna의 첫 번째 행에서 배운 마지막 다섯 번째 막은 네 번째 행에서 일주일 후에 발생합니다. 따라서 이 연극에서는 Vasilkov가 첫 번째와 마지막 행위 사이에서 서로를 알아가고, 결혼하고, 결혼에 동의하고, 결혼하고, 아내와 이혼하고, 다시 그녀와 재회한다는 점을 고려하여, 행동의 시간 극도로 집중되어 있다.

"프롤로그 대신"- 이것은 Ostrovsky가 첫 번째 행위를 "Guilt of Guilty"라고 불렀던 방법입니다. 그리고 이것은 실제로 프롤로그, 단어의 가장 정확한 의미의 프롤로그입니다. 선사 시대, Elena Ivanovna Kruchinina가 그녀의 아들을 찾은 이야기에서 17년이 분리되었습니다. 마지막 3막에서 들려주는 이 이야기는 단 이틀만을 다루고 있습니다. 우리는 Neznamov가 저지른 스캔들이 있은 후 아침에 Kruchinina를 발견하고 다음 날 저녁에 그녀와 헤어집니다. 그녀는 마지막 발언에서 말했듯이 "그녀의 아들을 껴안습니다".

"Profitable Place"의 처음 두 행위는 프롤로그로 간주될 수도 있으며, 그 작업은 아마도 하루 안에 발생할 것입니다. 이 두 가지 행위에서 작업 조건은 그대로 공식화됩니다 (Vyshnevsky : "고귀한 빈곤은 극장에서만 가능합니다. 그리고 그것을 삶으로 옮기십시오." Zhadov : "인생이 아무리 괴로워도 나는 할 것입니다. 내가 교육을 받아야 하는 신념의 백만 분의 1도 포기하지 않는다"). Zhadov는 1년의 "수습 기간"이 주어집니다. "2막과 3막 사이에는 약 1년이 흐릅니다."<…>

이벤트는 Ostrovsky의 다음 대작인 Poor Bride에서 다소 느리게 전개되고 있습니다. 극작가는 코미디의 처음 세 막 사이에 처음 3일 동안의 사건을 분배합니다. 네 번째 막은 Merich를 기다리는 Marya Andreevna의 말로 시작됩니다. "그는 3일째에 사라졌습니다..." - 가난한 신부가 Benevolensky와의 결혼에 동의하는 것으로 끝납니다. 그런 다음 저자는 더 많은 시간, 아마도 며칠 동안(“솔직히 말해서, 그들은 무엇인가 빨리 했어...”라고 Nezabudkina의 말에서 판단할 수 있는 한 거의 더 이상) 행동을 중단하고 Marya Andreevna에 대해 보여줍니다. 그녀의 쓰라린 날의 결혼식. 코미디의 마지막 막은 작가가 그렇게 명명하지는 않았지만 가장 진정한 의미의 에필로그입니다.

코미디 "그들은 사이가 좋지 않았습니다!"의 마지막 세 번째 사진은 처음 두 사진과 한 달 간격으로 분리되어 있는데, 오스트로프스키의 특별 메모에서 알 수 있듯이 에필로그로 간주될 수도 있습니다. 두 번째와 세 번째 사진.” 그러나 이 저자의 설명이 없었다면 독자나 시청자는 Paul의 말에서 영웅과 여주인공의 결혼식 이후 얼마나 많은 시간이 흘렀는지 배웠을 것입니다. , 그들은 비둘기처럼 살았습니다.”

코미디 '마음은 돌이 아니다'의 마지막 막은 전작과 불과 며칠 차이가 나지만, 그 자체로 에필로그라고도 할 수 있다. 저자는 처음 3막의 사건을 이틀 안에 넣었다.

그래서 우리가 고찰한 6개의 희곡에서 시간의 갭은 본질적으로 행위와 후유증의 갭이며, 행위 자체가 전개되고 성숙하여 에필로그에서 가능한 한 최단 시간에, 연속적으로 또는 거의 연속적으로 해결된다.

Ostrovsky의 방대한 레퍼토리에서 극작가가 거의 평생 동안 영웅의 운명을 추적하려고 시도한 유일한 연극은 The Deep입니다. 여기서 2막은 1막과 7년, 3막은 2막과 5년 간격을 두고 있으며, 3막과 4막 사이에는 동일한 년수가 경과합니다.

"이 행위는 전체 연극입니다."라고 A.P. 체호프. 4막뿐만 아니라 Deeps의 4막 각각은 자체 플롯 센터, 자체 플롯 및 결말이 있는 "전체 연극"입니다. 이 연극은 정말 "놀랍다". 놀랍도록 훌륭하다는 의미뿐 아니라 행동 시간을 조직하는 원칙이라는 측면에서 구성이 독특하다는 의미에서도 말이다. 이것은 극작가가 시간에 따른 극적 행위의 집중 원리보다 전기 원리를 선호한 유일한 오스트로프스키 희곡이다.

우리에게 있어 이 경우 오스트로프스키가 그런 연극을 갖고 있다는 것이 아니라 그의 전체 레퍼토리에서 그러한 연극이 단 하나뿐이라는 것입니다.

시간 예산

오스트로프스키의 이런 저런 희곡의 행위가 얼마나 오래 지속되든 간에, 이 희곡은 결코 무정형, 무기한, 행위에 무관심하지 않다. 극작가는 높은 수준의 "시간 감각"을 소유했습니다. Ostrovsky가 그의 극적인 연대기에서 거의 모든 장면을 날짜로 지정하려는 것은 우연이 아닙니다. 극작가가 한 막이 다른 막과 분리되어 있는 경우 시간이 얼마나 경과했는지 정확히 표시할 필요가 있다고 생각하는 것은 우연이 아닙니다. 주의 깊은 독자가 매우 드문 예외를 제외하고 항상 한 막이 끝난 후 다른 막이 시작되기 전에 얼마나 많은 시간이 흘렀는지 정확하게 상상할 수 있다는 것은 우연이 아닙니다.

종종 극의 행동 시간은 극작가가 극의 맨 처음부터 "설정"하는 경우가 많습니다. 연극의 바로 그 제목. 극작가는 일반적으로 그의 독자나 관객이 연극의 시작부터 어느 정도 정확하지만 항상 아주 확실하게 이 연극의 "시간 예산", 즉 연극의 시작부터 얼마나 많은 시간이 지나갈지 상상할 수 있도록 합니다. 마지막으로 커튼이 떨어질 때까지 연극을 합니다.

과연 연극 제목이 '젊은 아침'이라면. 남자”, 행동의 지속 시간이 어느 날 아침으로 제한된다는 것이 분명하지 않습니까?

연극이 "축제의 꿈 - 저녁식사 전"이라고 하면 저녁식사 전에("손에 꿈이 있는 경우") 또는 저녁식사 직후(꿈이 이루어지지 않는 경우)에 연극이 끝난다는 의미가 아닙니까? ? 그리고 이 가정에서 시청자를 확인하는 것처럼 Pavel Petrovna Balzaminova는 연극 시작 부분에서 아들에게 이렇게 말합니다. 축제의 꿈 - 저녁 식사 전에 이루어집니다. 저녁 식사 전에 이루어지지 않으면 아무 일도 일어나지 않을 것입니다. 머리에서 완전히 버려야합니다.

물론, 연극의 시간이 항상 제목에 표시될 수 있는 것은 아닙니다. 이러한 경우에 Ostrovsky는 이것이 그의 의도의 일부라면 첫 번째 발언부터 독자와 시청자를 제 시간에 맞춰 특정 "시간 예산"에 맞게 설정하는 방법을 시도합니다. 동시에, 극작가는 때때로 극의 지속 시간을 제한할 가능한 기간에 대한 피상적인 언급에 만족하지 않고 자신의 "랜드마크"를 집요하게 반복합니다.

예를 들어, 드라마 "죄와 문제는 누구에게도 살지 않습니다"의 첫 등장에서 카운티 타운에 도착한 지주 Babaev가 임대 한 아파트 소유자 인 Zaychikha는 그의 하인 Karp에게 묻습니다. 얼마나 오래?" - "여기서 아이들에게 세례를 줄 필요는 없습니다. 중요하게 Karp가 대답합니다. - 물론, 하루나 이틀, 더 이상은 아닙니다. 안주인은 즉시 이 기간을 자신의 창가에 모인 호기심 많은 마을 사람들에게 "이틀 동안"이라고 알립니다. 그러나 극작가는 바바예프가 도시에 머무를 수 있는 기간이 명명되었을 뿐만 아니라 반복되었다는 사실에 국한되지 않습니다. 몇 마디 발언 후에 Karp는 같은 Zaychikha에게 Babaev의 소송이 다루어져야 하는 법정에서 "아마도 5일을 기다릴 것"이라고 말하면서 자신의 정보를 명확히 했습니다. 다음 현상에서 Babaev와 질서 정연한 Shishgalev 사이의 대화에서 토지 소유자가 도시에 머물 수 있는 시기에 대한 질문이 다시 제기됩니다.

“쉿, 쉿. 원하신다면 직접 판단하십시오. 이제 출석이 끝났습니다. 이제 회원을 모을 방법이 없습니다. 내일은 휴일입니다-성적표, 여기 토요일이 있고 일요일이 있습니다 ...

바바예프. 근데 난 뭐야 , 내 사랑, 여기에서 내가 4일을 할 것인가? 끔찍하다!"

따라서 Babayev가 며칠, 아마도 4일 동안만 도시에 머무를 것이라는 것이 독자와 시청자의 마음에 이미 고정되어 있습니다. 요즘 드라마의 액션이 맞을 거라고 짐작할 수 있다. 그러나 저자는 이 용어를 우리 마음속에 몇 번이고 수정합니다. "이 4일 동안 가벼운 일이 있었다면!" Babaev는 첫 장면의 끝에서 말합니다. 다음날 일어나는 두 번째 장면에서 Tanya Krasnova와 Babaev 사이에 다음 대화가 발생합니다.

크라스노프. 언제까지 여기 있을꺼야?

바바예프. 나는 얼마나 오래 머물 것인가? 처음에는 제 케이스를 가지고 있는 서기에게 달려 있다고 생각했습니다. 그러나 이제 나는 그것이 당신에게 달려 있음을 알았습니다. 내 영혼 Tatyana Danilovna.

크라스노프. 저에게는 너무 큰 영광입니다. 아니, 사실은 3박 4일 묵을 건가요?

바바예프. 그들은 내 일을 3일 안에 끝내겠다고 약속했지만 네가 원한다면 나는 아마 3박 4일 더 머물 것이다.

사건의 비극적 전개는 바바예프의 출발을 다소 앞당겼고, 결과적으로 연극의 행동은 3일 동안만 지속되었습니다.

'늦은 사랑'도 3일 동안 이어진다. 그리고 이 용어는 또한 첫 번째 행위에서 "지정"됩니다.

"Snow Maiden"의 마지막 행위 시간은 본질적으로 Biryuch가 모든 Berendeys를 호출 할 때 첫 번째 행위의 맨 처음에 미리 결정되어 있습니다. "내일 모이십시오"-

가드, 떠오르는 태양을 만나다,

야릴 브라이트에게 경의를 표합니다.

그리고 프롤로그에서 우리는 "태양이 Snow Maiden을 파괴 할 것"이라는 것을 이미 알고 있습니다.

따라서 독자와 시청자는 결말을 예상할 때를 줄거리에서 알 수 있습니다.

Voevoda에서는 등장인물의 복제품에서 1막의 사건과 폐막을 구분하는 기간이 2~3일이라는 반복적으로 강조됩니다.

1막의 두 번째 장면에서 Dubrovin은 다음과 같이 말합니다.

우선, 당신이 필요

Voivode가 이틀 동안 떠나도록,

사냥을 하면서도 순례를 가더라도.

2막의 첫 번째 장면에서 주지사는 Marya Vlasyevna에게 다음과 같이 말합니다.

이틀 동안 우리는 정직한 잔치로 지나간다

결혼식을 위해.

그리고 마지막으로 같은 2막의 다음 장면에서 Dubrovin은 Shcherbak에게 다음과 같이 경고합니다.

나는 도시에서 사업을 하고 있다

2, 3일 동안.

숲의 첫 번째 행위에서 Gurmyzhskaya는 Milonov와 Bodaev에게 작별 인사를하며 저녁 식사에 초대합니다. 몇 줄 후에 그녀는 다시 다음과 같이 반복합니다.

"여러분, 저는 모레 기다리고 있습니다." 다음날 "Penkov"의 주인은 상인 Vosmibratov를 초대합니다. 극작가는 왜 이 날을 우리의 기억 속에 완고하게 고정시키는 걸까? 이것은 코미디가 종료되는 날이고 Gurmyzhskaya는 그것에 대해 알고 있기 때문에 종료는 그녀가 예상했던 것과 조금 다르게 발생했습니다.

" 지참금 " 의 첫 번째 막에서는 힌트일 뿐이지만 이후 세 막의 각각의 시간과 장소가 미리 결정되어 있습니다.

"좋은; 내가 당신에게 갈 것입니다.”라고 Knurov Ogudalova는 말합니다. 이것은 두 번째 액트에서 몇 시간 후에 일어날 것입니다.

Karandyshev는 모든 사람을 저녁 식사에 초대하고 커피숍의 하인인 Ivan에게 이렇게 말합니다. 이 만찬은 3막의 내용이 될 것입니다.

그리고 마지막으로 Vozhevatov의 말에는 마지막 4막의 시간과 장소에 대한 힌트가 포함되어 있습니다.

극작가가 연극의 시작 부분에서 전체 연극의 "시간 예산"을 어떻게 설정했는지에 대한 예는 계속될 수 있지만, 우리가 의식적으로 사용하고 일관되게 구현한 극적 장치가 우리 앞에 있다는 것을 감안하면 또한 분명합니다.

행동의 리듬

일반적으로 오스트로프스키의 희곡에서 동작은 매끄럽고 서두르지 않고 전개되며, 긴장되고 서두르는 리듬은 그의 극적 작업과는 낯설다는 것이 일반적으로 받아들여지고 있습니다. 그러한 느낌은 분명히 오스트로브스키의 희곡이 실제로 가장 자연스럽고 행동을 쉽게 전개한다는 특징이 있기 때문에 발생합니다. 그의 희곡에서 사건이 서두르지 않고 흘러가는 느낌은 일상 생활의 이미지를 전면에 내세우고 깊은 내면의 드라마, 말하자면 오스트로프스키의 극작술의 예술적 역동성을 그림자에 남겨둔 연극 전통에 의해 가중되는 것 같습니다. 한편, 주의 깊게 읽으면 많은 연극에서 긴장되고 성급한 리듬까지 쉽게 드러날 것입니다.

이것은 주로 Ostrovsky의 드라마에 적용됩니다. 위대한 극작가의 광대한 유산에는 “네 마음대로 살지 마라”(1854), “뇌우”(1859), “죄와 고난은 누구에게도 살지 않는다”(1862), “ 지참금 "(1878).

그 중 첫 번째에서 행동은 매우 집중되어 있습니다. 하루의 후반부(Afimya: "그들은 기다렸다가 저녁 식사를 기다렸지만 듣지도 않았습니다! ..")에 시작하여 밤 늦게 끝납니다. 같은 날 (Peter: “오늘 밤을 잊을 수 없어요. 바로 그 관까지! 드라마의 팽팽하고도 빡빡한 리듬은 주인공의 열정적이고 중독성 있고 제멋대로인 성격 때문이다. 피터는 야단법석을 쳤고, 그의 영혼은 집에서 찢겨졌고, 미워하는 아내에게서 아름다운 배까지. “완전히 정신이 없었어요!” Peter가 인정합니다. 그가 집에 나타나자 마자 그는 다시 그곳으로 그녀에게 이끌렸다. 그리고 이제 우리는 이미 Spiridonovna의 여관에서 그를 봅니다. 이제 그는 이미 저녁에 돌아올 것을 약속하면서 그의 "kralechka"를 껴안고 키스하고 있습니다. 저녁. 싸움: 배는 피터가 결혼했다는 것을 알게 되었습니다. 표트르와 에렘카는 장난을 친다.

술에 취한 그는 집으로 돌아가서 손에 칼을 들고 곧 회개하고 평화롭게 돌아가기 위해 아내를 찾으러 서두릅니다. 모스크바 강의 구멍 너머로 종소리에 정신을 차렸습니다. .

피터의 정신적 혼란은 말하자면 그의 안절부절에 생생하게 의인화된다. 드라마의 네 장면 각각에서 그는 다시 나타나거나 사라지고, 그는 가만히 있지 못하고, 열정적인 조바심에 압도된다. 이 그림을 상상하려고 할 때, 당신은 피터가 틀림없이 당신 앞에서 움직이는 것을 봅니다. 들어가고, 떠나고, 썰매를 타고 경주하고, 칼을 손에 들고 뛰쳐나가는 ...

극중 극작가의 사상적, 예술적 사상의 실현에 극도로 압축된 행위의 시간이 적극적으로 기여하고 있음이 분명하지 않은가?

썬더스톰의 액션은 아시다시피 중간에 10일간의 휴식으로 끊어지지만(극작가가 극이 시작하기도 전에 경고하는 “3막과 4막 사이에는 10일이 있습니다.”) 매우 긴박한 리듬으로 전개되는 드라마. 우리가 보리스에 대한 Katerina의 사랑에 대해 알게 되자 마자 Tikhon은 다음날 일어나는 다음 막에서 이미 떠났습니다. 그리고 이미 같은 날 밤에 날짜가 지정되었습니다. 카테리나는 상당한 망설임 끝에 "아, 밤이 더 빨리 왔으면! .." 마음의 지시에 따라 행동하기로 결정했다. 그러나 밤은 아직 이르지 않았고, 극작가는 그의 여주인공에게 얼마나 오랜 시간이 걸리는지 우리에게 전달하기 위해 훌륭한 구성 솔루션을 찾았습니다. 그는 Kabanovs의 문에서 중간 장면을 포함하여 오늘 밤을 기다리게 만듭니다. 2막의 끝부분과 계곡의 야경을 분리할 뿐만 아니라 이 장면을 거리두기도 한다. 그리고 게이트에서 지나가는 이 장면에서 우리는 여주인공을 볼 수 없지만(아마도 바로 이 때문에) 그녀의 조바심이 우리에게 전달되는 것 같습니다.

3막과 4막 사이의 인터미션에 해당하는 10일의 동작 시간 간격도 동작을 늦추지 않고 오히려 강렬하고 극적인 리듬을 전달한다. 그러나 열정의 광란에 사로잡힌 Katerina와 Boris에게도 이 열흘은 눈에 띄지 않게 흘러갔다.

뇌우의 마지막 두 행위의 리듬의 강도에 대해 말할 필요가 없습니다. 이러한 점에서 그들은 오랫동안 고전적이고 심지어 교과서적인 예로 인식되어 왔습니다.

드라마 "아무도 살지 않는 죄악"에서 우리가 이미 언급한 바와 같이 시간은 처음에는 일 단위로 측정되었지만, 행동이 발전함에 따라 무대 시간은 일 단위가 아니라 시간 및 분 단위로 측정됩니다. . 이미 두 번째 행위의 첫 번째 장면에서 Lev Krasnov는 "벽시계를 가리키고" 그의 아내에게 경고하여 그녀가 Babaev를 방문하도록 허용합니다. 여기서 30분입니다, 선생님! (바닥을 가리킨다.)바로 이 자리에서, 알았다?" 그러나 Krasnova와 그녀의 자매 Zhmigulina의 대화에서 알 수 있듯이 회의는 30분 이상 계속되었습니다. Zhmigulina는 "나는 어제 그가 우리에게 30분의 마감 시간을 주었다고 농담을 했습니다."라고 Krasnova는 대답합니다. "네, 저도 생각했습니다. 그가 어떻게 달려드는지 보면 그가 얼마나 끔찍해졌는지 알 수 있습니다."

세 번째 막이 끝날 때 Krasnov와 그의 아내를 화해시킨 후 우리는 그가 업무상 1시간 동안 집을 떠나야 한다는 것을 알게 됩니다. 기억하십시오: 한 시간 동안. 그러나 극작가 자신은이 용어를 여러 번 반복하여이 상황을 기억하도록했습니다. "당신은 한 시간 동안 지나가고 있습니다. 그의 재를 가져 가라!" Krasnov는 말합니다. 그의 아내의 위선적인 외침에: "빨리 와라!" - 그는 이렇게 대답합니다. 아니, 농담을 제외하고는, 당신은 시간 전에 돌아서지 않을 것입니다.” 크라스노프가 떠납니다. 들어간 Zhmigulina의 질문에 남편이 얼마나 오래 자리를 비울 것인지 그의 아내는 이렇게 대답합니다.

Krasnova는 이 시간을 이용하여 Babaev와 작별하기로 결정합니다. 다음 장면에서 Babaev는 그녀에게 이렇게 말합니다. 나를 위한 시간! 마치 온몸이 떨리는 것 같아 다리가 무너져 내립니다.”-“조금 진정하세요.”Babaev가 그녀에게 대답합니다.“가자, 나는 해안을 따라 산책을 할 것입니다. 그래도 제 시간에 집에 갈 수 있습니다."

마지막 장면은 Krasnova의 집입니다. 그녀는 아직 거기에 없습니다. “타냐는 왜 안 와!” 자매는 걱정하며 “시간이 됐다. 에카 미쳤어! 탈출해서 다행이지만 갑자기 남편이 모든 기대 이상으로 돌아올 수 있다고 생각하지는 않을 것입니다 ... 1 년의 1 분은 ... ". 크라스노프가 나타납니다. 그는 명랑하고 아무것도 의심하지 않습니다. "여기 있습니다. 무슨 포장! 나는 Tatyana Danilovna와 약간의 농담을했습니다. 한 시간 안에, 그리고 30 분 안에 그는 바로 거기에있을 것이므로 예기치 않은 일입니다.

이것이 극작가가 시간의 흐름을 가속화하고 극적인 긴장을 강화하고 비극적 인 결말을 준비하는 방법입니다.

Ostrovsky의 마지막 드라마인 "Dowry"는 정오 경(Karandyshev는 "시계를 본다": "지금 정오입니다...")에 시작하여 같은 날 자정쯤에 끝납니다(마지막 막의 발언: "밝은 여름 밤"). "). 따라서 드라마의 전체 시간은 12시간을 넘지 않습니다. 이처럼 급격한 액션 전개는 파라토프의 결단력, 라리사의 무모한 열정, 약혼자의 목숨을 앗아간 상처받은 자존심 카란디셰프가 등장인물들의 캐릭터들과 갈등을 빚기 때문이다. 이제 액션의 압축된 시간은 사건의 성격과 캐릭터의 캐릭터와 절대적으로 조화를 이룹니다.

시간의 집중, 리듬의 가속, 액션이 결말을 향해 갈 수록 우리는 드라마뿐만 아니라 많은 오스트로프스키의 희극, 특히 극의 시작이 뚜렷하게 드러난 부분에서 관찰할 수 있다.

예를 들어 가난한 신부를 생각해 보십시오. 상황은 Marya Andreevna가 그녀의 어머니의 주장에 따라 그녀의 결혼을 통해 가족의 일을 개선해야 하는 것과 같습니다. "결혼할 수만 있다면 마샤, 가능한 한 빨리 가세요." 안나 페트로브나는 극 초반에 딸에게 말했습니다. Marya Andreevna는 지금까지 이 주제에 대해 이야기하는 것을 피했습니다. 그러나 Benevolensky가 그녀에게 구애할 것이라는 사실이 밝혀진 후, 그녀는 더 이상 어머니의 주장을 쉽게 설득할 수 없습니다. 그녀는 연기를 요청합니다. "그냥 기다리게 놔두세요... 글쎄요, 한 달, 한 달 ... 동의하십니까?" Anna Petrovna는 동의해야 합니다.

따라서 Marya Andreevna는 아직 그녀보다 한 달이 더 앞섰고, 결과적으로 적어도 한 달은 여전히 우리를 종국에서 멀어지게 만들고 있는 것 같습니다. 그러나 아니요, 저자는 사건의 진행을 점점 더 가속화하고 있습니다. Khorkova에게서 딸과 Merich 사이의 비밀 만남에 대해 알게 된 Anna Petrovna는 기다리기로 한 그녀의 동의를 철회하고 "이제 Maksim Dorofeyich에게 발언권을 줘야 합니다."라고 선언합니다. Marya Andreevna는 이 기간 동안 Merich가 그녀에게 프로포즈를 해주기를 바라며 3일 동안 자신을 거의 선언하지 않습니다. 이것으로 3막이 끝납니다. 네 번째 막은 이미 알고 있듯이 Marya Andreevna의 다음과 같은 말로 시작됩니다. 무슨 뜻이에요? 지독한 고뇌의 3일째! .. 아직 베네볼렌스키가 와서 제안을 해주기를 기다리고 있다. 나는 무엇을 할 것인가?" 그리고 실제로 Benevolensky는 오지 않았지만 공식적인 결혼 제안이 담긴 편지를 보냅니다. 그는 대답을 서둘렀습니다. "나는 당신의 대답이 오늘, 또는 극단적인 경우 내일이 되기를 기대합니다. 그래야 애매모호한 상태에 머물지 않기 때문입니다." Anna Petrovna는 즉각적인 답변을 주장합니다. Marya Andreevna는 다시 어머니에게 연기를 요청합니다.

"잠깐, 어머니, 잠깐만요, 내일 ... 내일 ..." 이번에 Anna Petrovna는 딸의 간청에 굴복합니다. "글쎄, 당신이 원하는 것은 무엇이든! 내일도, 내일도." Meric이 나타나고 Marya Andreevna는 그가 그녀를 속이고 있다고 확신하고 진지한 의도가 없다고 확신합니다. 그녀는 절망에 빠졌다. 절망은 그녀의 어머니에게 다음과 같이 말했습니다. 그리고 "빨리 보내. Darya, Darya! 최대한 빨리 이 편지와 함께 누군가를 Maxim Dorofeyich에게 보내십시오. 가, 다리아, 서둘러.

따라서 극작가는 작업 과정을 가속화합니다. 한 달이 아닌 3일입니다. 다음날 답변을 제공하는 대신 Marya Andreevna는 바로 거기에 답변을 제공하고 답변이 포함된 편지가 "가능한 한 빨리" 보내질 수 있도록 세 번 더 반복합니다.

많은 연극에서 Ostrovsky는 신속하게 결정을 내려야 할 필요성보다 영웅을 우선시합니다.

"글쎄요... 생각해볼게요."라고 Tsyplunov의 제안을 감히 받아들이지 않고 Belesova가 Rich Bides에서 말했습니다. "생각할 시간이 없습니다."라고 Gnevyshev 장군은 아내가 돌아올 때까지 가둔 여자를 손에서 떼어내려고 서둘러 대답했습니다.

"생각해 봅시다."코미디에서 Nastya는 "페니가 없었지만 갑자기 Altyn이있었습니다"라고 그녀의 숙모의 끔찍한 조언에 대한 응답으로 - 부유 한 상인의 유지 보수에 가십시오. "생각해, Nastenka, 내 영혼아, 잘 생각해봐." 그리고 다시 : "생각해, Nastenka! 시간이 거의 없습니다. 상인이 곧 올 것입니다-그에게 무언가를 말해야 할 것입니다 ... "

"잘 알려진 사실, 하품할 일이 없다!" 코미디에서 우유부단한 발자미노프를 격려하는 크라사빈의 중매인 "너 자신의 개는 다투고 다른 사람을 괴롭히지 마라." "뜨거울 때 철을 쳐라!"

"네, 서두르세요." 표트르 악슈샤가 "숲"에서 말합니다. 정오에 우리는 이모와 함께 올 것입니다.

Talents and Admirers의 마지막 막에서 Meluzov는 문자 그대로 Sasha Negina가 출발하기 전에 마지막으로 자신을 설명할 몇 분 남았습니다. 막 시작 부분의 발언은 다가오는 마지막 장면의 긴장되고 격렬한 리듬을 강조합니다. “플랫폼에서 목소리가 들립니다. “역. Bryakhimov 시, 기차 요금은 20분, 뷔페입니다.”; "브라키모프! 기차는 20분 동안 정차합니다.” 20분은 마지막 장면의 지속 시간입니다.

'생각할 시간이 없다', '시간이 얼마 남지 않았다', '철이 뜨거울 때 파업', '내일은 빛과 같다', '기차는 20분 멈춘다' 등의 영웅들이 처한 상황이다. Ostrovsky의 연극은 결정을 내려야 하며, 가능한 모든 방법으로 스테이지 시간을 단축합니다.

Ostrovsky가 행동 시간의 집중을 달성하는 방법 중 하나는 한 행동에서 다른 행동을 분리하는 시간을 최소화하는 것입니다.

"아저씨한테 가서 유리한 곳을 구하러 가자!" - Zhadov의 이 유명한 말은 "Profitable Place"의 4막을 끝냅니다. 마지막 말은 "무심코 모자를 쓰고 아내의 손을 잡는다"는 것이다. 4막과 5막 사이의 시간은 얼마나 됩니까? 분명히, Zhadov와 Polina가 삼촌의 집에 도착하는 데 걸리는 한. 그러나, 아니, 더 적은: 결국 5막은 Zhadov가 도착하기 전의 장면으로 시작됩니다. 5막은 막이 4막을 덮는 바로 그 순간에 시작된다고 가정할 수 있습니다.

Last Sacrifice의 1막과 2막 사이의 휴식에 대해서도 마찬가지입니다. Yulia Dulchin은 "비용이 얼마이든 상관없이 한 시간 안에 돈을 받을 수 있습니다."라고 약속합니다. 두 번째 막은 우리를 Pribytkov의 아파트로 데려가고 Yulia Pavlovna는 막의 중간에만 나타납니다. 이것은 이 경우 실제로 두 액트 사이에 시간적 간격이 없었음을 의미합니다.

코미디 "기묘한 잔치의 숙취"에는 단 두 개의 막이 있습니다. 첫 번째 행위는 심하게 기분이 상한 교사 Ivan Ksenofontych Ivanov가 즉시 돈을 Titu Titych Bruskov에게 반환하기로 결정했다는 사실로 끝납니다. “안녕, 리사!” 그가 딸에게 말하자 그녀는 “안녕, 아빠!”라고 대답한다. 참고: "그를 안아주고 문으로 가십시오." 두 번째 막은 우리를 "상인 Bruskov의 집에 있는 부유한 거실"로 안내하고 Ivan Ksenofontych는 여덟 번째 등장에서만 Titus Titych의 은신처에 들어갑니다. 그러므로 연극 전체는 계속해서 발전하고, 행위의 장소만 변한다.

상황은 조커의 2막과 3막 사이의 휴식 시간과 정확히 동일합니다. Obroshenov는 "jokers"가 그에게 던진 패키지를 두 번째 막이 끝날 때 "사샤!"라는 느낌표와 함께 "도망"합니다. 베라! 여기 있다, 돈, 여기 있다!” 그러나 다음 행위의 다섯 번째 장면에서만 "Obroshenov가 들어가고 그의 딸들이 그에게 키스합니다." 여기에서 두 가지 행위가 연속적으로 이어집니다.

"부자 신부"에서 첫 번째 막은 벨레소바의 dacha의 "Tsyflunova, Tsylunov 및 Belesova가 게이트로 들어가는 것"으로 끝납니다. Gnevyshev도 발언에 따르면 "게이트로 간다". 2막은 "벨레소바의 다차에 있는 방, 우아하게 장식되고 가구가 비치된 방"입니다. 첫 등장 소감: "Gnevyshev와 Tsyflunova가 입장 중입니다." 그러므로 1막과 2막 사이에는 정문에서 방까지 걸어가는 데 걸리는 시간, 즉 2~3분 정도의 시간이 소요되었습니다.

Late Love의 2막이 끝나갈 무렵, Lebedkina와 Nikolai는 여행을 떠납니다. 세 번째 막이 시작될 때 그들은 돌아옵니다. 노동 빵의 세 번째 행위가 끝나면 나타샤는 "떠나고" Korpelov는 "도망"합니다. 네 번째 막이 시작될 때 먼저 "Natasha가 들어갑니다", 다음으로 "Korpelov가 들어갑니다." "Minin"에서 3막의 첫 번째 장면은 Kuzma Zakharich가 모든 사람을 "총독에게 직접"이라고 부르는 독백으로 끝납니다. 다음 장면은 "주요 마당"입니다. 코미디 "페니가 아니라 갑자기 Altyn"에서 Nastenka와 Anna는 첫 번째 막이 끝날 때 "가난한 신부를 위해"수집하러갑니다. 두 번째 막이 시작될 때 우리는 그들이 이미 돌아왔음을 알게 됩니다. (Fetinya: "돌아왔다, 아니면 무엇?" Migacheva: "오, 그들이 돌아왔다").

한 행위와 다른 행위를 분리하는 시간을 최소화함으로써 오스트로프스키는 의도한 대로 행위의 전개에서 연속성을 능숙하게 달성했습니다.

극작가는 극 사이의 간격을 밤으로 이동하여 동일한 목표를 달성했습니다. 그의 많은 희곡에서 1막은 저녁에 끝나고 다음 막은 다음날 아침에 시작됩니다.

"늦은 사랑"에서 첫 번째 액션은 "가을 황혼, 방은 어둡다"라는 말에서 알 수 있습니다. 다음 막이 시작될 때 선술집에서 밤을 보낸 Nikolai는 "테이블에 앉아서 손에 머리를 얹고 잔다." Nikolai의 어머니인 Shablova의 첫 번째 발언 중 하나는 이것이 바로 다음 날 아침임을 확신시켜줍니다.

숲에서 두 번째 막(Neschastlivtsev와 Arkashka의 유명한 만남)은 새벽에 열립니다. 다음 3막의 첫 번째 줄: "Bulanov: 좋은 아침입니다, Raisa Pavlovna!" 이 행동이 이전 행동에 즉시 이어졌음을 의심하지 않기 위해 Karp는 Gurmyzhskaya에게 "신사가 오늘 밤에 도착했습니다"라고 알립니다. 이 희극에서는 밤만이 4막과 5막을 구분합니다. 더 정확하게는 - 네 번째 행위 자체가 "음력 밤"에 일어나기 때문에 밤의 일부입니다.

코미디에서 "페니가 없었지만 갑자기 altyn"이 세 번째 막 "여름 황혼"에서, 네 번째에서 "풍경이 동일합니다. 여명이다." Dawn은 Krutitsky가 깨어 있음을 발견합니다. 구두쇠는 밤새도록 잠을 자지 않고 강도가 공격하기를 기다리고 있습니다.

Snow Maiden의 세 번째 막의 발언은 다음과 같습니다. "숲의 넓은 공터 ... 저녁 새벽이 저물어 가고 있습니다." 네 번째 막의 발언: "야릴린 계곡 ... 새벽."

말하자면 밤은 시간을 숨기고 동작의 연속성을 착각하게 하여 극적 동작의 리듬을 가속화시킨다.

시간과 계절

일반적으로 Ostrovsky는 행동이 발생하는 정확한 시간을 나타내려고 시도하며 극작가는 일반적으로 발언에 국한되지 않고 캐릭터의 복제본에서 시간을 명확하게 만듭니다. 제목에 시간이 표시된 코미디 "젊은이의 아침"을 언급하기 위해).

종종 이러한 오리엔테이션은 교회 예배에 대한 언급으로 오스트로프스키의 희곡에서 제공됩니다. 따라서 "가족 사진"은 Marya Antipovna의 감탄으로 끝납니다. "저녁을 위해 Simonov에게!" "Thunderstorm"의 첫 번째 막에서 우리는 다음과 같이 읽습니다. "Kuligin: 이것은 무엇입니까? 사람들은 저녁 예배에서 움직이지 않았습니다. 코미디 "고양이를위한 모든 카니발이 아닙니다"의 두 번째 장면은 Kruglova의 질문으로 시작됩니다. "Feonushka, 점심 먹었습니까?" 최후의 희생의 첫 번째 막에서 우리는 Yulia Pavlovna가 "파티에 갔다"는 것을 배웁니다. 코미디 "The Heart Is Not a Stone"에서 Apollinaria Panfilovna는 첫 번째 막이 끝날 때 다음과 같이 묻습니다.

'뜨거운 마음'의 비고에는 3막을 제외한 모든 행동의 행동 시간을 가장 가까운 시간으로 표시하고 있다. 1막: "여름 저녁, 8시." 두 번째 작업:

“10시. 액션이 끝나면 무대는 어두워집니다. 네 번째 행위: "저녁 새벽". 5막: "저녁 10시."

극작가는 하루 중 다른 시간에 사람들이 다른 리듬으로 살기 때문에 하루 중 특정 시간에 행동을 "부착"합니다. 그는 종종 하루 중 이 시간 또는 그 시간의 지역 색상, 특히 저녁 장면에서 시청자에게 특정 감정적 분위기를 만드는 데 기여하는 추가 예술적 효과를 추출합니다.

"늦은 사랑"에서 "중년 소녀" 류드밀라의 심리 상태를 이해하는 데 "가을 황혼"이 얼마나 웅변적인가! '어비스'의 세 번째 장면에 나오는 간결한 말은 이례적으로 표현력이 좋다. "탁자 위에는 수지 양초와 종이 더미가 있습니다." 이 촛불은 또한 궁핍한 Kiselnikov의 절망적인 일을 밝혀줄 것입니다. 그녀는 마음의 평화에 대한 대가로 수천을 제안하는 신비한 이방인에 대한 성찰을 던질 것입니다. 3막의 시작 부분에 있는 코미디 "썰매에 타지 마세요"에서 말처럼 "그것은 어둡다"; 그런 다음 이 어둠은 Vikhorev의 하인이 가져온 촛불의 거짓 불꽃에 의해 밝혀집니다. 이 상황은 속인 Dunya의 복제품과 어떻게 조화를 이룹니다. "당신은 나를 어디로 데려갔습니까?"

다른 어떤 극작가에게서도 오스트로프스키의 희곡에서 볼 수 있는 것만큼 많은 야경을 볼 수 없을 것입니다. 하지만 다른 밤! 드라마 "원하는 대로 살지 마"에서 표트르 일리치의 거칠게 취한 밤은 "따뜻한 마음"에서 거의 보드빌의 밤 장면과 얼마나 다른지; The Pupil에서 야행성 모임의 열렬한 리듬이 The Thunderstorm에서 계곡의 유명한 장면의 서정적인 색채와 어떻게 다른지; "Dowry"의 비극적 인 밤은 코미디 "진실은 좋지만 행복은 더 좋습니다"의 바쁜 밤과 어떻게 다른지; The Pretender의 야행성 음모의 극적인 장면을 Forest의 야행성 듀엣의 다채로운 색상과 비교할 수 없다는 사실은 말할 것도 없습니다. 또는 Voyevoda에서 Shalygin의 꿈의 환상적 장면과 함께 밤에 "In a Busy Place" 여관 복도에서 마지막 장면이 재생되었습니다.

왜 우리는 오스트로프스키의 희곡에서 그토록 풍부한 야경을 마주하게 되는가? 밤에 극작가가 행동을 다양화하여 희곡에 독특한 풍미를 주기 때문입니까? 그의 희곡의 등장인물들이 밤을 가리지 않고 관습과 관습의 힘에서 벗어나 자신을 유지할 여유가 있기 때문일까?

아니, 때문만이 아니다. 극작가에게 액션 시간을 밤으로 옮기는 것은 무대 시간을 집중하는 또 다른 방법 중 하나다.

Ostrovsky의 영웅들의 시간은 천천히 그리고 더디게 흘러간다는 전통적인 생각이 있습니다. 물론 Ostrovsky에는 더 많은 수면을 위해 낮을 밤으로 바꿀 준비가되어 있지만 시간을 보낼 준비가 된 캐릭터도 있습니다. Kuroslepov를 기억합시다. "우리는 옛날에 살고 있습니다." "The Dowry"에서 Gavrilo는 "늦은 미사에서 파이와 양배추 수프에 이르기까지 모든 음식을 먹고 빵과 소금을 먹고 나서 7시간의 휴식을 취합니다."라고 서사적으로 설명합니다. 그러나 그는 완전히 다른 캐릭터를 가지고 있습니다. 그들은 시간이 없고, 삶에 욕심이 많으며, 하루가 부족하고, 아침을 기다릴 인내심이 부족합니다.

사실, 그들의 말을 들어보자.

나디아: "밤이 기다려지네요! 그래서 나는 날개를 타고 그에게 날아갈 것 같습니다! (“학생”), Katerina: “오, 밤이 더 빨랐더라면!” ("뇌우"). Parasha: "나는 당신의 마음의 내용에 대해 당신에게 말합니다. 나의 인내는 충분하지 않습니다, 충분하지 않습니다!" ("따뜻한 마음"). Polixena: "밤에 모두가 잠들었을 때 그는 여기 정원에 있을 것입니다! 들리나요, 들리나요? 확실히 ... 나는 당신에게 말합니다 : 그는 밤에 여기에 있습니다! ("진실도 좋지만 행복이 더 좋다"). Aksyusha: "내일 늦게 우리 정원에 잠입하면 우리는 일찍 잠자리에 듭니다."( "Forest"). Yevgenia: "하지만 그는 오늘 밤 떠날 것입니다 ... 그래서 당신이 옵니다 ... 복도에서 당신을 기다릴 것입니다"( "붐비는 곳에서"). 샬리긴: "빨리! 말, 말! .. 밤에 집에 산다”(“ Voyevoda ”). Kalachnik: "밤새 잠을 자지 말고 알람을 기다리십시오!" ( "Dmitry the Pretender and Vasily Shuisky").

그리고 극작가는 그들의 요구를 따릅니다.

Ostrovsky에는 계절에 완전히 무관심한 행동이있는 연극이 있습니다. 여름이나 겨울, 가을이나 봄에 정확히 언제 행동이 일어나는지에 대한 언급을 찾을 수 있는 것들도 있습니다. 비록 이것이 중요한 의미는 없지만 말입니다. 최소한 Ostrovsky 작품의 첫 번째 권을 열고 그의 첫 번째 연극의 첫 번째 줄인 “Maria Antipovna. 이제 여름이 지나고 9월이 마당에 있습니다. 그래서 우리는 처음부터 Family Picture가 9월에 설정되었음을 압니다. 그러나 동일한 성공으로 저자는 1월이나 5월에 조치를 취할 수 있었습니다.

그러나 Ostrovsky에는 또한 그러한 연극이 있으며, 우리의 견해로는 그 행동이 특정 계절과 불가분의 관계가 있습니다. 겨울의 '뇌우', 가을의 '스노우 메이든', 여름의 '네 마음대로 살지 말라', 봄의 '빈곤은 악덕이 아니다'는 상상할 수 없다.

그런 연극에서 계절은 중립적인 풍경이 아니라 극적 행위의 능동적 배경이다.

극의 장르와 등장인물의 태도에 따라 같은 시즌이 극에서 완전히 다른 방식으로 '연주'한다. 여름에는 폭풍우 속에서 Katerina Kabanova의 비극이 일어나고, 여름에는 Misha Balzaminov가 Holiday Dream에서 부자 신부를 찾고 있습니다. 그러나 이 2년을 어떻게 비교합니까! The Summer in the Thunderstorm은 뜨거운 열정의 숨결, 속박의 답답함, 여름 밤의 시적 매력, 피할 수 없는 뇌우의 비극적 예고입니다. "Holiday Dream"의 여름은 더위에 지친 멍한 기분일 뿐입니다. 상인 Nichkina의 첫 번째 발언은 다음과 같습니다. 그리고 점심을 먹으면 더 피곤할 것입니다 ... "그리고 더 나아가 :"아버지, 덥습니다! 그리고 한 가지 더 : "더위를 피할 곳!" 그리고 다시: “아버지, 얼마나 더워요! 나는 옷을 벗고 싶지만 불가능합니다. 휴일, 사람들이 창밖을 내다보고 있습니다. 그리고 다시 : "예 ... 여기 ... 그런 더위, 그리고 우리는 중매를 시작했습니다 ... 지금이 무슨 결혼식 ... 그런 더위에."

코미디 '빈곤은 악덕이 아니다'와 드라마 '네 마음대로 살지 마'의 액션이 연이어 쓰여지며 겨울과 겹친다. 저자의 말에서 우리는 첫 번째에서 "액션이 ... 크리스마스 기간 동안 발생합니다"와 두 번째에서 "액션이 ... 참회 화요일에 발생합니다"라는 것을 배우게 됩니다. 그리고 두 연극 모두 실내에 있지만 , 당신은 그들에게서 러시아의 겨울을 느끼고, 문에서 서리가 내린 증기를보고, 머머가 Tortsovs의 방으로 터질 때, Mitya가 Lyubov Gordeevna를 데려 갈 "썰매 스쿠터"를 분명히 상상합니다. 표트르 일리치(Pyotr Ilyich)의 열광적인 정신 착란을 들을 때 러시아 겨울 풍경이 눈앞에 떠오르지 않습니까? 지금은 겨울이고, 눈이 오고, 당신은 흔적의 모든 것을 볼 수 있고, 달은 빛나고, 낮과 동일합니다.

이 두 연극의 분위기는 크리스마스 주간의 질서 정연한 재미가 옛 러시아인의 삶에서 술 취한 카니발과 달랐던 것과 마찬가지로 서로 다릅니다. Ap는 "드라마에서 눈에 보이는 얼굴만 빼고"라고 한 번에 아주 정확하게 지적했다. Grigoriev, - 보이지 않는 뚱뚱한, 육욕적인 얼굴이 모든 사람을 지배하고 Maslenitsa를 완전히 만지작 거리다("빈곤은 악이 아니다"에서와 같이 - "뇌우"에서와 같이 밝은 주 - 자유로운 향연과 "The Pupil"에서 볼가의 밤) " - 비밀스런 " 흥청망청 " 과 함께하는 봄밤 ... 광기의 사나운 흥청망청이 극한에 달합니다 ."

"Snow Maiden"Ostrovsky는 봄 동화라고 불렀습니다. 그는 "학생"을 봄의 현실이라고 부를 수 있습니다. Nadia와 Snow Maiden의 경우 소녀의 봄은 매우 짧았습니다. 봄의 향기가 두 연극을 감싸고 있지만, 마치 동화가 실화와 비슷하고 비슷하지 않은 것처럼, 그 속의 샘은 비슷하고 비슷하지 않습니다.

시간 방향

시간에 맞춰 연극의 행동을 신중하게 구성한 Ostrovsky는 그의 드라마와 코미디, 연대기 및 장면의 독자와 관객이 행동 시간에 쉽게 방향을 잡을 수 있도록 특별한 주의를 기울였습니다. 이를 위해 우리가 보았듯이 그는 항상 특별한 메모로 다소 긴 휴식 시간을 표시합니다. 이를 위해 우리가 알고 있는 것처럼 그의 연대기에서 그는 거의 모든 장면의 날짜를 가능한 한 정확하게 기록합니다(예를 들어 "Dmitry Pretender and Vasily Shuisky"에서 13개의 장면 중 11개의 날짜가 날짜가 지정되어 있습니다. 비교를 위해 푸쉬킨의 20개 장면 중 "보리스 고두노프(Boris Godunov)" 중 4개만 날짜가 표시됨).

Ostrovsky는 독자들에게 몇 년, 몇 달이 아니라 몇 일, 몇 시간을 두고도 일관되게 안내했습니다. 그리고 해당 논평으로 눈을 돌릴 수 있는 독자뿐만 아니라 논평이 없는 시청자도 마찬가지입니다.

극작가는 원칙적으로 각 막이 끝날 때 다음 막의 행동을 예상할 수 있는 때를 대비합니다. 같은 날, 내일 또는 그 이후: 여러 날.

같은 날 행동이 차례로 이어지는 경우를 먼저 생각해 봅시다. 이 경우 시청자의 방향에 대해 특별한 관심을 나타내지 않는 것이 가능한 것 같습니다. 그는 자신이 상대적으로 방향을 잡기가 쉽습니다. 그러나 Ostrovsky는 행위 사이에 큰 간격이 없을 것이라는 사실에 대해 시청자를 준비시킬 필요가 있다고 생각합니다.

그가 하는 방법은 다음과 같습니다.

Pelageya Egorovna는 코미디 "빈곤은 악덕이 아닙니다"의 첫 번째 행위에서 Mitya를 초대합니다. , 비둘기." 따라서 다음 행위의 행동 시간이 계획됩니다: 같은 날 저녁. 그러나 극작가는 여기서 멈추지 않았습니다. 얼마 후 Mitya는 Lyubov Gordeevna도 초대했습니다. "Mitya, 저녁에 나에게 올래요?" 미타: "올게." 그리고 떠나기 전에 그녀는 다시 "위층으로 오세요!"라고 반복합니다. 그리고 Mitya는 다시 확인합니다. "제가 올게요, 선생님."

일반적으로 극작가는 막이 끝날 때까지 이런 종류의 시간 방향을 저장합니다. 따라서 코미디 "썰매에 타지 마십시오"의 첫 번째 막이 끝날 때 Avdotya Maksimovna는 Vikhorev를 초대합니다. "오늘 저녁에 우리에게 와서 이모와 이야기하십시오." 그런 다음 그녀는 "이미 우리에게로 오세요"라는 초대를 반복합니다. 비호레프: "꼭 올게." 그리고 다시, 이미 행위의 맨 끝에 : "오십시오, 우물로 오십시오."- "나는 반드시 올 것이다."

첫 번째 막의 맨 끝에있는 코미디 "바쁜 장소에서"에서 Evgenia는 출발하는 Milovidov에게 묻습니다. "언제 다시?" “오늘 세 시간 후에요.” 지주가 대답합니다. 그리고 우리는 다음 2막이 같은 날에 있을 것이라는 것을 이미 알고 있습니다. 2막이 끝나면 Evgenia는 Milovidov를 밤에 회의로 임명하고 우리는 이미 3막의 행동이 밤과 일치하도록 시간을 정한다는 것을 알고 있습니다.

우리는 특히 극작가가 보는 사람을 혼란스럽게 하지 않기 위해 그런 언급을 헛되이 하지 않는다는 점에 주목합니다. 극 중 오늘 밤에 대한 언급이 있으면 다음 막이 저녁에 열릴 것이라고 확신할 수 있습니다. "내일"이라는 단어가 이미 언급되어 있다면 다음 행동의 행동은 확실히 내일이 될 것이라고 확신할 수 있습니다.

내일... 이 단어는 오스트로프스키의 거의 모든 희곡에서 찾아볼 수 있습니다. 어쨌든, 며칠 동안의 행동을 하는 모든 희곡에서 말입니다.

Akhov는 작별 인사를하면서 "내일 올게요."라고 말했습니다. 그리고 그의 다음 무대 출연은 하루가 끝났다는 것을 의미합니다.

The Last Victim의 세 번째 막에서 Dulchin은 Dergacheva를 다음과 같이 처벌합니다. 그리고 율리아의 다음 막에 데르가초프가 등장했을 때 이미 3막과 4막 사이에 시간이 얼마나 흘렀는지 알 수 있다.

코미디 "A Heart Is Not a Stone"의 두 번째 막에서 다음 막의 시간은 훨씬 더 정확하게 미리 결정됩니다. 바로 이러한 이유로 내일 저녁 10시에 사무실로 오시기 바랍니다. 그리고 실제로 세 번째 액트의 시작 부분에서 같은 Erast는 "벽시계를 보고 있습니다." "아직 10시까지 20분입니다."라고 말합니다.

"우리는 언제 Turusina에 가나요?" Glumov는 Mamaev에게 묻습니다("모든 현명한 사람에게는 충분한 단순함이 있습니다"). 그는 “내일 밤”이라고 대답한다. 그리고 다음 막에서 Mamaev가 Turusina에게 Glumov를 소개할 때, 우리는 이것이 두 번째 막 다음 날 일어나고 있다는 것을 이미 알고 있습니다. 그건 그렇고, 2막에서는 말 그대로 Glumov의 다음 날 방문 일정이 작성되는 것이 궁금합니다. 사실, Krutitsky는 그에게 "일찍, 8시에" 오라고 합니다. Gorodulin은 그를 초대합니다. "내일 12시에 전화하세요." Mamaev는 언급했듯이 저녁에 Turusina를 소개할 것을 약속합니다. 그리고 저자는 우리에게 이 세 번의 방문 중 마지막 방문만을 목격하게 하였지만(그리고 그때에도 Turusina 방문이 시작될 때 막이 내려갔습니다) 위의 언급에서 우리는 야심 찬 Glumov의 "근무일"이 얼마나 가득 찼는지 느낍니다. 그의 일이 얼마나 빨리 진행되는지입니다.

때로는 한 번의 발언으로 Ostrovsky가 한 번에 한 행동뿐만 아니라 두 가지 후속 행동의 지속 시간을 결정합니다. 따라서 부자 신부의 두 번째 행위에서 Gnevyshev는 Belesova에게 다음과 같이 말합니다. 이것은 Gnevyshev가 없을 때 세 번째 행위가 내일 일어나고 그의 참여로 하루나 이틀 후에 네 번째 행위가 일어날 것임을 의미합니다.

시간에 따른 관객의 방향에 대해 Ostrovsky가 부여한 중요성은 S. Gedeonov가 쓴 연극 Vasilisa Melentiev의 원본 버전에 대한 그의 작업으로 입증됩니다. 오스트로브스키의 집에서 말류타는 첫 장면에서 보로틴스키 왕자에게 이렇게 말합니다.

우리는 당신을 오랫동안 끌지 않을 것입니다.

오늘 우리는 그것을 왕실에 올릴 것입니다.

기데오노프에게는 이 "오늘"이 부족했기 때문에 다음 장면인 완고한 보야르의 재판 장면이 같은 날 일어날 것이라고 예상할 수 있다. 그는 가졌다:

당신은 반역 혐의를 받고 있습니다. 당신 위에

Duma의 왕이 심판을 집행할 것입니다.

Voyevoda의 새 판을 작업하는 동안 Ostrovsky가 자신의 연극 시간에 관객을 훨씬 더 명확하게 안내하려고 노력했다는 것도 흥미롭습니다. 그래서 초판에서 우리는 미즈기르가 2박 3일 동안 순례를 떠나도록 주지사를 설득해야 한다는 것을 Dubrovin에서 배우지만, 이 주지사의 여행은 과감한 계획의 실행에 매우 중요할 때 언급되지 않습니다. Dubrovin과 Bastryukov가 열릴 수 있습니다. 두 번째 판에는 Mizgir가 주지사에게 "내일 순례를 갈 것입니다. 그리고 갈 것입니다."라고 되어 있습니다.

그러나 Ostrovsky는 시청자에게 다음 막까지의 시간을 알려주는 것뿐만 아니라 시청자에게 이전 막 이후에 얼마나 많은 시간이 흘렀는지 알려주는 데 주의를 기울였습니다. 다음 행위의 시간이 이전 행위에서 예언된 거의 모든 경우에 우리는 다음 행위 자체에서 그것이 예상한 대로 같은 저녁, 다음 날, 또는 그 다음날에 실제로 일어났다는 확인을 발견할 것입니다. .

이미 제공된 몇 가지 예를 살펴보겠습니다. Vikhorev와 1막에서 저녁에 올 것이라고 동의한 Avdotya Maksimovna는 2막이 시작될 때 다음과 같이 말했습니다. 이 말은 시간상 2막과 1막을 연결하는 연결 고리 역할을 합니다. 이제 우리는 두 막이 같은 날에 일어난다는 것을 이미 확실히 알고 있습니다.

코미디 "In a Busy Place"의 2막이 1막과 같은 날에 일어난다는 것을 의심하지 않도록, Ostrovsky는 Milovidov가 이미 언급한 "3시간 후에" 돌아올 약속에 만족하지 않고 Annushka의 입에 다음과 같은 말을 했습니다. 두 번째 행위에서 : "보세요, 그가 얼마나 자주 ... 그는 나를 사랑했기 때문에 하루에 두 번 가지 않았습니다."

최후의 희생자 4막에서 율리아가 "어제 갑자기 일이 생겨 돈이 필요했다"는 말을 들으면 극이 시작된 지 하루가 지났음을 알 수 있다. 코미디 "양과 늑대"의 두 번째 막에서 Lynyaev는 Murzavetskaya를 언급하면서 "하루에 두 번 그녀를 보는 것은 나에게 너무 많은 것입니다."라고 말할 때 두 번째 막이 첫 번째와 같은 날에 일어난다고 생각합니다. 같은 희곡의 4막에서 쿠파비가 글라피라에게 "어제 그는 당신에게 매우 친절했습니다."라고 말하고 Murzavetskaya의 편지에는 "어제 당신은 내 조카를 받아들이는 것을 좋아하지 않았습니다."라고 말할 때, 우리는 이 4막이 행위는 세 번째 다음날 발생합니다.

Ostrovsky의 희곡에서 "내일"이라는 단어를 만난다면 다음 막에서 "어제"라는 단어를 만날 것이라고 거의 확실하게 가정할 수 있습니다. 오스트로프스키는 행동할 때 청중의 미래 지향적인 방향에 만족하지 않고, 말하자면 역지향으로 그것을 강화한다. 어쨌든 그는 우리가 그의 연극에서 시간의 흐름을 정확하게 상상할 수 있도록 모든 것을 다합니다.

Ostrovsky의 "인생극"에서 행동 시간의 전체 조직은 한편으로는 현실의 풍부함과 다양성을 흡수하고 다른 한편으로는 생명 자체의 형태로 생명을 집중적으로 재생산하는 드라마투르지의 특징.

14장

장면

행위의 시간을 최대한 집중시키려는 오스트로프스키의 노력이 모든 증거와 함께 드러난다면, 그의 극작에서 행위의 장소가 집중되는 경향은 그다지 명백하지 않다.

사실 오스트로프스키의 희곡 중 단막극 '가족사진'과 '청년의 아침'을 제외하고는 모든 액션이 같은 풍경에서 일어난다. , 그러나 갑자기 Altyn". 여기에 한 집의 경계를 넘지 않는 여섯 가지 연극을 더 추가하십시오. "우리 민족 - 우리는 계산할 것입니다!", "불쌍한 신부", "가난은 악덕이 아닙니다", "붐비는 곳에서" , "노예", "이 세상에 속하지 않음". 이 연극에 "동공"과 "숲"이라는 동일한 영역 내에서 행동이 전개되는 두 개의 연극을 더 추가하면 아마도 이것으로 Ostrovsky가 통일의 원칙을 고수 한 모든 경우를 소진하게 될 것입니다. 장면의 - 우리가 이 원칙을 집이나 부동산의 단일체로 넓게 이해하더라도.

그의 다른 모든 연극에서 Ostrovsky는 드라마에서 장면을 집중할 필요성을 전혀 고려하지 않는 것 같습니다.

그러나 그것은 단지 보인다. 사실, Ostrovsky는 이 필요성을 결코 잊지 않았으며, 그는 그것을 좁게 독단적으로가 아니라 광범위하고 창의적으로 이해했을 뿐입니다.

공간에서의 행동 집중

Ostrovsky는 원칙적으로 연속적인 행동 장소의 수를 엄격하게 제한했다는 사실부터 시작하겠습니다. 그의 희곡 중 47개에는 총 208개의 장면이 있습니다. 다른 장면에서 반복되는 같은 풍경을 제외하면 그의 모든 연극에서 164개 장소만 계산됩니다.

5가지 경우(그 중 4가지가 역사적 희곡)에서만 극작가가 액션을 시작하고 전개하고 전개하기 위해 6개 이상의 장면이 필요했습니다. 나머지 연극의 장면 수는 2편이 각각 한 장면씩, 3편은 2편, 8편은 3편, 17편은 4편, 8편은 5편, 4편은 6편으로 배분된다. 따라서 그의 "장편"극의 대다수에서 Ostrovsky는 3, 4 또는 5 개의 장면으로 처리했습니다.

그건 그렇고, 이것은 각각의 새로운 장면이 반드시 새로운 액션 장면을 수반한다는 것을 의미하지는 않습니다. 극작가는 14개의 희곡(전체 수의 3분의 1 미만)에서만 각 새로운 장면에서 새로운 장소로 액션을 가져옵니다. 다른 경우에는 그의 연극의 영웅이 조만간 우리에게 이미 익숙한 장면으로 돌아갑니다.

그러나 오스트로프스키의 많은 희곡이 같은 풍경에서 극의 시작과 끝을 순환 구조에 의존한다는 점은 흥미롭다. 연극의 마지막 막에서 "당신이 원하는대로 살지 마십시오", "수익성있는 곳", "천둥", "오래된 친구가 두 명의 새 친구보다 낫습니다", "가는대로 찾을 것입니다", "Kuzma Zakharyich Minin, Sukhoruk", "Hot heart", "Forest", "모든 것이 고양이를 위한 카니발은 아니다", "Wolfs and sheep", "Dowry", "마음은 돌이 아니다" 및 "Slaves"를 만난다. : “1막의 풍경”.

이것은 우연이 아닙니다. 극작가는 등장인물을 원래 위치로 되돌리고 시작 지점에서 액션을 펼치며 자신의 희곡에 특별한 구성적 완성도를 부여합니다.

Pyotr Ilyich는 극이 시작되기를 간절히 바랐던 그의 집으로 평화롭게 돌아갑니다. Zhadov는 삼촌에게 "Vyshnevsky 집의 큰 홀"에서 수익성 있는 자리를 요청하러 옵니다. 그곳에서 그는 1년 전에 자신이 어떤 삶을 살든 자신이 받아야 할 신념의 백만 분의 1도 양보하지 않을 것이라고 자랑스럽게 선언했습니다. 그의 양육. Katerina는 볼가 강둑에서 그녀의 죽음을 발견합니다. 그녀는 첫 번째 행동에서 그녀를 너무 놀라게 한 미친 여자의 예언을 들었습니다. " Prokhor Gavrilovich Vasyutin은 그의 Olinka로 돌아갑니다. 그리고 이 귀환은 연극의 구성에 생생하게 구현되어 있습니다. 마지막 행동은 연극이 시작될 때 Olinka가 Vasyutin으로부터 그녀를 떠나 다른 사람과 결혼할 것이라는 소식을 들은 가난한 방에서 일어납니다. 부유한 상인의 아내에 의해 행복해진 발자미노프는 그에게 헌정된 3부작의 마지막 부분에서 부유한 신부를 위한 세 번의 여행 모두의 출발점인 어머니의 방으로 돌아갑니다. "Minin"의 에필로그 - Nizhny Novgorod에서 민병대의 출구 - 우리는 Kuzma Zakharyich를 처음 본 크렘린 근처의 동일한 Nizhny Posad로 돌아갑니다. 민병대의 꿈은 그것이 시작된 곳과 같은 곳에서 이루어집니다. (그런데 이 아이디어는 모인 군중의 말에서 에필로그에서 직접 표현됩니다. "이봐, 우리 Nizhny Posad는 빵과 소금으로 보내고 싶어합니다. - 이것은 평소와 같이입니다. Nizhny Posad에서 모든 것이 시작되었습니다. 그것은 Gostiny Dvor에서 시작되었습니다. 여기에서 그들은 죽을 양조하고 무슨 일이 일어 났는지보십시오). 첫 번째 행위에서 Parasha의 열정적 인 고백을 목격 한 동일한 Kuroslepovsky 법원 : "모든 것, 모든 것을 나에게서 빼앗아 가지만 나는 내 의지를 포기하지 않을 것입니다 ... 나는 그녀를 위해 칼에 갈 것입니다" 따뜻한 마음의 승리. Penka 부동산에서 일어난 이야기의 종결은 우리를 Gurmyzhskaya 집의 같은 홀으로 이끕니다. 그곳에서 우리는 코미디의 영웅들과 친해지기 시작했습니다. Akhov는 Kruglovs의 같은 겸손한 작은 방에서 예기치 않은 "모욕"을 받았으며, 첫 번째 막에서 너무 주제넘게 허세를 부렸습니다. Murzavetskaya의 음모는 그들이 잉태된 바로 그 장소에서 마침내 좌절됩니다. Larisa는 같은 철 창살에서 죽고 연극이 시작될 때 볼가를 내려다 봅니다. 집주인이 첫 번째 막에서 자신의 의지를 지시하는 Karkunov 집의 거실은 마지막 막에서 심장이 돌이 아니라는 것을 우리에게 확신시켜주는 사건의 증인이됩니다. 그리고 마지막으로 노예 아내에 대한 Styrov와 Koblov 사이의 분쟁은 당사자의 주장을 들은 동일한 응접실에서 해결됩니다.

Ostrovsky가 희곡의 장면 수를 결정할 때 의도적이고 일관되게 자신을 제한했다는 사실은 그의 원고에 의해 입증되며, 많은 경우에 원저자의 개요와 계획이 보존되어 있습니다. 극작가는 원래 계획과 비교하여 장면이나 막의 수를 거의 늘리지 않았지만 매우 자주 행동의 집중화 방향으로 계획을 변경했습니다.

예를 들어, 저자가 M. Semevsky에게 기증하고 "Russian Antiquity"에 출판된 "My People"의 원고에서 "5막의 희극"이라고 읽습니다. Semevsky는 극작가의 말을 인용합니다. 현상은 그대로 유지되었습니다. 그런 식으로 코미디는 더 긴 액션을 취했습니다."

4막 "Dowry"도 원래 5막으로 구상되었습니다. 5막에서 Ostrovsky는 드라마 "원하는 대로 살지 마세요"를 쓰려고 했지만 나중에 3막(4장면)으로 제한했습니다. "오래된 친구가 두 명의 새 친구보다 낫다", "3막으로 된 모스크바 생활 사진"도 5막 연극으로 구상되었습니다.

오스트로프스키에게 자제를 가르친 간결한 글쓰기의 진지한 학교는 단편 희곡에 대한 그의 작품이었습니다. Ostrovsky는 Solovyov에게 이렇게 썼습니다. 악덕이 아니야", "이렇게 살지마", "남의 잔치에", "축제 꿈" 등.

원래 계획에 따르면 코미디 "빈곤은 악덕이 아닙니다"의 첫 번째 행위는 Mitya의 어머니 Ustinya Petrovna의 집에서 일어나는 것이 었습니다. 따라서 캐릭터 목록에는 "Ustinya Petrovna, 가난한 과부"가 포함되었습니다. 액션을 집중하기 위해 Ostrovsky는 Ustinya Petrovna를 캐릭터 목록에서 제외하고 첫 번째 막의 장면을 Gordey Tortsov의 집에 있는 사무원의 방으로 옮깁니다. 희극의 세 가지 행위는 Tortsovo 집의 세 가지 인테리어에 해당합니다.

당시에 필요한 예술적 경험이 없었던 오스트로프스키는 장면의 최대한 집중을 위해 작은 연극에서 노력했지만 이 목표를 달성하기 위해 때로는 자연스러움과 액션 전개의 용이함을 희생하기도 했다.

오스트로프스키에 대한 현대의 비판은 극작가가 최대한 행동에 집중하려는 노력을 무시하지 않았지만 이러한 노력의 결과를 다양한 방식으로 평가했습니다. 예를 들어, 1854년의 Moskvitianin과 Sovremennik에서 극작가는 극적 행동의 집중 문제와 관련하여 희극인 Poverty Is Not a Vice에 대해 정반대의 두 리뷰를 읽을 수 있었습니다.

예. Moskvityanin에서 코미디의 첫 번째 막을 분석하는 Edelson은 "특별한 무대 트릭 없이 묘사된 삶의 단순성 덕분에 작가는 이 작은 경기장에서 코미디에 참여하는 거의 모든 사람들에게 여러분을 소개할 수 있습니다. 그들 각각을 지정하기 위해 서로에 대한 상대적 위치를 알 수 있게 하고, 각각이 코미디의 추가 과정에 참여할 예정인 참여에 대해 추측하고, 마침내 전체 코미디를 시작합니다.

Sovremennik은 Moskvityanin의 명백히 편향된 검토자가 코미디에서 감탄한 모든 것을 비판했습니다. Sovremennik의 비평가는 첫 번째 행위에서 많은 불일치와 불일치를 보았습니다. 특히 '코르네유와 라신의 비극의 맛'에서 작가가 필요로 했던 바로 그 인물들이 박람회와 코미디의 시작을 위해 잇달아 등장하게 된 동기가 부자연스럽다.

Chernyshevsky는 Sovremennik에 실린 기사의 저자였습니다. 우연의 일치가 아닙니다. Ostrovsky의 다음 연극에 대한 리뷰에서 - "원하는 대로 살지 마세요" - "Sovremennik"은 젊은 극작가가 어떤 희생을 치르더라도 "무대를 기쁘게 해주기를 바라는" 사실에 다시 주의를 기울인다고 가정해야 합니다. 조건 - 긴 것을 피하기 위해 "는 행동의 자연 스러움과 동기를 손상시킵니다. "이 욕망은 서두르고 과장된 간결함으로 인해 목표를 달성하지 못합니다. 예를 들어 2막 후반부에 나오는 '원하는 대로 살지 마' 같은 욕망 때문에 스크라이브가 어울리지 않아도 모든 캐릭터를 여관에 모은다는 게 믿기지 않는다. 프랑스인이 해냈습니다. 돌아온 피터의 갑작스러운 변화에 관객의 마음은 혼란스러울 수밖에 없고, 배우의 연기는 아무리 강조해도 지나치지 않다. 왜 Ostrovsky 씨는 모스크바 강의 환상적이고 무시무시한 이 야경을 우리에게 보여주고 싶어하지 않았습니다. 무대 조건이 그를 방해했습니다. 이 무대 조건으로 신의 축복을!

Sovremennik에 실린 이 기사의 저자는 Nekrasov입니다. Nekrasov는 일반적으로 간결함을 반대하지 않습니다. 즉, 극적인 행동의 집중에 반대하는 것이 아니라 "과장된 간결함"에 반대합니다. 그는 젊은 극작가가 "목표를 달성하지 못한다"고 지적하지만 이 목표 자체에는 반대하지 않는다.

코미디 "썰매에 타지 마십시오"의 유사한 단점은 "조국의 메모"평론가가 지적합니다. “첫 막의 6~7개 장면에서 관객은 거의 모든 등장인물을 알게 되며, 바로 거기 눈앞에 드라마의 주요 매듭이 묶여 있습니다. 액션은 대화로 시작됩니다. 선술집 점원과 함께 하인 Vikhorev, 다음으로 Malomalsky와 Malomalsky와 함께 Borodkin, Rusakov와 함께 Dunya의 만남으로 끝납니다. Vikhorev는 즉시 그녀를 설득하여 그와 함께 도망칩니다. 이 모든 것은 풍경의 변화 없이도 일어납니다. 같은 선술집에서 Stepan이 청어를 먹고 있는 같은 방에서 Borodkin과 Malomalsky가 lisabonchik를 마시고 있는 곳 Rusakov가 Erofeicha 한 잔을 마시고 있는 곳에서 마침내 Vikhorev와 Baranchevskiy(얼굴이 거의 불필요함)가 샴페인을 마시고 있는 곳 - 즉시 Vikhorev와 Dunya와의 만남; 그리고 이 장면에 더 많은 신빙성을 주기 위해 성(그는 혼자임에 틀림없다)은 방에서 쫓겨나고 여관 주인의 아내 자신이 경비를 받게 됩니다... 글쎄요, 당신이 원하는 대로, 이것은 너무 아리스토텔레스적이며, 우리의 새로운 드라마는 그들의 움직임이 조금 더 자유로울 수 있습니다.

그러나 요점은 젊은 극작가가 극적 행위 집중의 원칙을 일관되고 제약 없이 구현하는 이 경우에 성공하거나 실패했는지 여부가 아닙니다. 우리는 Chernyshevsky, Nekrasov 및 Otechestvennye Zapiski의 익명의 비평가의 의견을 인용했는데, 주로 젊은 Ostrovsky가 "간결함", 특히 우주에서의 행동 조직에서 최대한의 경제를 추구하는 것을 보다 명확하게 드러내기 위해, 즉, 행동 장소의 선택에서.

실패의 원인은 원리가 틀렸다는 것이 아니라, 초심자 극작가가 아직 필요한 경험이 부족했기 때문입니다. 또한 슬라브화 집단 "Moskvityanin"의 극작가에게 일시적인 이념적 영향이 가장 분명한 영향을 미쳤던 50년대 전반부에 쓰여진 오스트로프스키의 바로 그 세 개의 희곡이 비판. 삶의 진실로부터의 이탈은 필연적으로 구성 착오로 이어졌다.

시인 Nekrasov는 "이 무대 조건과 함께 신이 그들과 함께합니다!"라고 외칠 수 있었습니다. 그러나 극작가 Ostrovsky는 무대 조건을 단순히 무시할 수 없었습니다. 그는 장면을 가능한 한 생생하게 재현해야 하는 요구 사항에 종속시키기 위해 그것들을 마스터해야 했습니다. 즉, 그는 드라마의 관습성과 현실 그 자체의 절대성 사이의 모순을 극복해야 했다.

Dobrolyubov는 Ostrovsky 희곡의 독창성을 "삶의 희곡"으로 반영하면서 이 객관적으로 존재하는 모순, 즉 드라마에서 단일 행위의 시간과 장소를 조직하는 관습과 무조건적인 재생산의 불가능성 사이의 모순을 최대한 명확하게 공식화했습니다. 삶 자체의 행동 시간과 장소의 상황.

그는 이렇게 적었다. “어떻게 30분 동안 열 명이 한 방이나 광장의 한 장소로, 정확히 필요한 사람들에게 차례로 온다는 것을 정말로 믿게 만들 수 있습니까? 여기에서 필요한 동안 필요한 사람을 만나고 필요한 것에 대해 갑작스러운 대화를 시작하고 떠나서 필요한 것을 하고 필요할 때 다시 나타납니다. 인생에서 이런 식으로 이루어 졌습니까? 그것이 진실처럼 보입니까? 인생에서 가장 어려운 일은 한 가지 유리한 상황을 다른 것으로 조정하고 논리적 필요에 따라 일의 과정을 조정하는 것임을 누가 모릅니까? 보통 사람은 무엇을 해야 할지 알고 있지만 작가가 그토록 쉽게 처분할 수 있는 모든 수단을 자신의 작업에 투입하기 위해 그렇게 많은 돈을 쓸 수는 없습니다. 적절한 사람이 오지 않고, 편지가 오지 않고, 대화가 올바른 방향으로 진행되지 않습니다. 누구나 살다 보면 할 일이 많고, 우리 드라마처럼 작가가 움직이는 기계처럼 역할을 하는 사람은 드물다.

그러나 동시에 Dobrolyubov는 극작가가 삶의 과정을 자연주의적으로 재현할 수 없다는 것을 완벽하게 이해했습니다. 그는 계속해서 “우리는 모든 창의성에 대한 부정에 빠지고 다게레오타입의 형태 외에는 예술을 인정하지 않는다는 말을 듣게 될 것입니다. 더욱이, 우리는 우리의 의견을 더 발전시켜 극단적인 결과에 도달하도록 요청받을 것입니다. 즉, 극작가는 자신의 목적을 위해 어떤 것도 버릴 권리와 의도적으로 어떤 것도 조정할 권리가 없으며 단순히 적어야 할 필요가 있음을 알게 됩니다. 그가 만나는 모든 사람들의 모든 불필요한 대화는 일주일 동안 지속 된 행동이 드라마에서 같은 주를 극장에서 상영해야하고 또 다른 사건을 위해 산책하는 수천 명의 모든 사람들의 존재를 요구합니다. Nevsky Prospekt 또는 영어 제방을 따라 필요합니다 ... ".

그러나 모순을 공식화한 Dobrolyubov는 이 모순에서 벗어날 방법을 나타내지 않았으며 나타낼 수도 없었습니다. 그는 그렇게 할 수 없었습니다. 왜냐하면 이 모순은 바로 드라마의 본질에 있기 때문입니다. 이 모순의 화해, 말하자면 이 모순의 제거는 작가 자신의 작업이다. 재능과 경험이 많을수록 예술의 법칙과 현실 자체의 법칙을 더 깊이 이해할수록 삶의 움직임을 드라마의 형태로 더 완전하고 자연스럽게 구현할 수 있습니다.

이 모순을 극복 한 Ostrovsky는 우리가 알고 있듯이 "인생 연극"이라는 새로운 유형의 드라마를 만들었습니다.

그러나 이 모순은 매번 극작가에게 계속해서 맞닥뜨리게 되었다. 왜냐하면 그것은 한번에 해결될 수 없기 때문이다. 그것은 각각의 새로운 희곡에 적용하여 새롭게 해결되어야만 하기 때문이다. 그리고 매번 공간에서 연극의 행동을 조직화할 때, 즉 행동의 장소를 결정할 때마다 극작가는 드라마에서 싸우는 두 힘의 결과인 원심력과 구심력을 새롭게 살펴보아야 했습니다.

물론 삶 자체가 이끄는 대로 캐릭터를 따라가는 것은 유혹적이지만 장면이 자주 바뀔수록 관객의 관심을 캐릭터에 집중하기가 더 어려워질수록 더 많은 노력을 기울여야 합니다. 관객들에게 점점 더 새로운 것들에 익숙해지면서, 장소의 상황에 따라 불필요한 등장인물과 2차적인 플롯 모티브의 침입으로부터 극을 보호하기가 더욱 어려워질 것이다.

반면에 액션 장소의 고전적인 통일성을 유지하는 것은 좋겠지만, 그러면 거의 불가피하게 액션 전개에서 자연스러움을 포기해야 하고, 게다가 당신의 캐릭터를 보여주는 것도 불가능할 것입니다. 하나의 인테리어 밖에서는 다른 "장소의 상황"에서 자신의 행동을 확인하는 것이 불가능합니다. 집에서뿐만 아니라 거리에서도 집에서뿐만 아니라 다른 사람들과도 친숙한 조건에서뿐만 아니라 그것도 비정상적인 상황에서.

어떤 경우에는 Ostrovsky가 닫힌 구성을 선호했고 다른 경우에는 열린 구성을 선호했습니다. 그러나 모든 경우에 그는 극적 행동의 가장 완전하고 제한되지 않으며 동시에 내부적으로 편리한 개발의 작업에 구성 솔루션을 종속시켰습니다.

Ostrovsky가 제안한 공간 솔루션은 일반적으로 선택 사항인 것 같습니다. 이 명백한 선택성은 그의 연극에 비의도성과 궁극적인 자연스러움의 매력을 부여합니다. 그러나 오스트로프스키의 극작의 참신함을 이해하지 못하고 그의 작품이 선택적으로 보이는 이면에 있는 그들의 철적인 예술적 논리를 분별하지 못한 근시안적 비평은 불필요한 얼굴, 불필요한 대화, 불필요한 장면, 불필요한 장면에 대해 극작가를 비난할 수밖에 없었다. 행동한다.

다음은 가장 인상적인 몇 가지 예입니다.

디엠 Averkiev는 The Jokers의 St. Petersburg 제작에 대한 그의 리뷰에서 다음과 같이 말합니다. 게이트와 빈 연설에 종사. 몇몇 얼굴들은 윤곽이 흐릿하지 않은데 왜 그럴까.. 3막도 액션에 전혀 추가되지 않는다.

Russkiye Vedomosti의 비평가는 Labor Bread에서 "2막은 완전히 도입부이며 연극의 내용에 손상을 주지 않고 버릴 수 있다"고 확신합니다. 분명히 Moskovskie Vedomosti의 비평가도 그와 동의합니다. 같은 Moskovskie Vedomosti는 Voyevoda에 대한 리뷰에서 "2막의 두 번째 장면에서 액션은 한 순간도 앞으로 나아가지 않는다"며 "3막도 드라마에서 완전히 불필요한 것처럼 보인다"고 지적합니다. "조국의 아들"평론가는 "수익성있는 장소"에서 "극에 따르면 완전히 불필요한 세 번째 막이 예술적 측면에서 최고"라고 단호하게 결정합니다. E. Utin은 "따뜻한 마음"에 대한 리뷰에서 다음과 같이 씁니다. 그것은 전혀 필요하지 않으며, 한 코미디에 삽입될 수 있고, 다른 코미디에 삽입될 수 있으며 "Hot Heart"는 그것 없이 안전하게 할 수 있습니다. 우리는 이것을 지적하는 이유는 장면이 아무리 좋아도 잉여가 되자마자 코미디의 바로 그 기획의 필요성에 의해 요구되지 않으면 확실히 전개를 지연시키고 액션을 멈추기 때문이다... , 이 장면이 유일하게 불필요한 것이 아니라 Ostrovsky가 4막의 2번째 장면에서 우리에게 제시한 모든 것이 불필요해 보입니다. 알렉산드리아 극장 F.A.의 배우 Burdin은 친구로서 Ostrovsky에게 보낸 편지에서 The Last Victim의 극작가에게 "3막을 완전히 버리면 연극이 10번 이겼을 것"이라고 무례하게 제안했습니다. "M-Pe"라는 가명 뒤에 숨어있는 러시아 연대기의 비평가는 "Mad Money"- "모스크바 극작가의 최악의 연극"- "돈 때문에 아마도 5막에 걸쳐 펼쳐질 것입니다. "

다른 근시안적인 동시대의 극작가들에게는 불필요해 보였던 장면과 행위가 실제로는 예술 전체에 절대적으로 필요하다는 것을 증명하는 것은 이제 거의 필요하지 않다. 위에서 언급한 모든 비판적 리뷰에서 예외 없이 바로 극작가가 행동의 장면을 변경하는 장면과 행위가 불필요한 것으로 인식된다는 사실에만 주목합시다. 우리는 이 "추가" 장면의 거의 모두가 닫힌 집 내부 외부, 열린 놀이터로 액션을 취한다는 점에 주목합니다.

실제로, 장난 꾸러기의 두 번째 막은 "그림이 판매되는 문"입니다. "Voevoda"- "forest gorge"의 두 번째 행위의 두 번째 장면; "Hot Heart"의 세 번째 행동 - "도시 외곽의 광장"; "마지막 희생자"의 세 번째 행위 - "클럽 정원의 놀이터"; 사실 '수익성 좋은 곳'의 3막은 '선술집', 즉 인테리어지만, 이 경우 여기서도 공공의 장면이라는 것이 중요하다. 인용된 모든 것 중 한 가지 경우에만 "Working Bread"에서 불필요한 것으로 인식된 두 번째 행위는 공개된 장소가 아닌 공개된 장소로 안내하지 않고 Korpelov의 전 친구이자 부유한 관리인 Potrokhov의 아파트로 안내합니다. ; 그러나 이번에도 극작가는 친숙한 집 내부에서 영웅을 끌어내고 그를 위한 새로운 행동 장소로 데려온다는 점에 유의해야 합니다.

인테리어에서 장면을 제거하려는 Ostrovsky의 이러한 끈질긴 욕망의 의미는 무엇입니까?

이 질문에 답하기 전에 먼저 극작가를 따라 그의 등장인물들의 거실로 가자.

내부

아시다시피 Ostrovsky는 영웅의 삶의 외부 상황 무대에서 진실한 재생산에 큰 중요성을 부여했습니다. 그는 “인생에서와 마찬가지로 사람이 살고 있는 환경을 보면 사람을 더 잘 이해하므로 무대에서 실제 상황은 즉시 인물의 위치를 알려주고 파생 된 유형을 더 생생하게 만듭니다. 청중이 이해할 수 있습니다. 배우들에게 있어 사실적인 풍경은 연기에 큰 도움이 되며 자연스러운 위치와 배치가 가능하다. "기억나네요." Ostrovsky는 같은 ""극적 작품에 대한 제국 극장 상금에 관한 규칙" 초안에 대한 메모에서 계속해서, Shumsky는 연극 Late Love의 작고 가난한 방에 대해 장식가 Isakov에게 감사를 표했습니다. 그는 “여기서 놀 필요는 없다. 여기서 살 수 있다. 들어가자마자 바로 리얼 톤을 공략했다.

Ostrovsky는 그의 연극에서 "당신이 살 수 있는" 그런 인테리어를 창조합니다. 사실, 그의 말은 원칙적으로 매우 간결합니다. "Bolshov 집의 거실", "Bruskov 상인 집의 부유 한 거실", "Kabanovs 집의 방", "가난한 Balzaminovs의 방", "Antrygina 집의 부유 한 거실"등. 이러한 간결함은 Ostrovsky가 끊임없는 후회와 억울함에 대해 장식가의 관심을 그의 발언에 의존 할 수 없다는 사실에 의해서만 발생하지 않습니다. 요점은 또한 극작가가 일반적으로 의도적으로 자신의 캐릭터를 표준, 즉 인테리어에 배치한다는 것입니다. 그리고 바로 이 표준, 평범, 고정 관념, 주택에 흔적을 남길 수 있는 개성의 부재입니다. 가난한 사람과 좋은 사람, 그들은 동등합니다.

예를 들어, "Profitable Place"의 두 번째 액트의 보조 노트를 살펴보겠습니다. "Kukushkina의 집에 있는 방: 가난한 집의 평범한 거실; 가운데 문과 왼쪽 문. 그리고 그게 다야! 보통 - 그게 요점입니다. 대학 평가원의 미망인 Felisata Gerasimovna Kukushkina는 집에 있는 모든 것이 "사람과 같은" 상태로 다른 대학 평가자보다 나쁘지 않은지 확인하는 데 일생을 바쳤습니다. 그녀는 스스로에 대해 매우 만족할 수 있습니다. 주문, 문자열에 모든 것이 있습니다! 관료적 응접실은 문이 왼쪽에 있고 문이 오른쪽에 있다는 점에서만 다를 수 있습니다. 극작가는 문을 언급하는 것을 잊지 않습니다. 그러나 Ostrovsky의 인테리어에 있는 문에 대한 특별한 논의가 있을 것입니다.

"Ostrovsky에서" V.G. Sakhnovsky는 그의 저서 "A. N. Ostrovsky's Theatre"에서 대부분의 연극에서 무대 위의 상황을 목적으로 한 무대 연출에서 많은 세부 사항을 상상할 수 없는 간결함으로 구별됩니다. 마치 고골이 <경감>의 마지막 장면에서 그렸던 것처럼 펜으로 스케치한 그림을 눈앞에서 보는 것과 같다. 행동이 일어나는 곳, 고골을 알아차리고 묘사하는 그런 대가인 작은 것들을 사랑스럽게 쓰지 않고. "많은 세부 사항을 상상할 수 없다"는 발언의 간결함은 받아들일 수 없습니다. 반대로 우리가 세부 사항을 상상할 수있게 해주는 것은 바로이 간결함입니다. 그러나 대부분의 Ostrovsky의 말에서 "사소한 일을 쓰는 사랑"을 찾을 수 없다는 것은 절대적으로 사실입니다.

여기에 오스트로프스키의 희곡에서는 자세한 설명이 매우 드물다는 점을 덧붙일 수 있습니다. 그렇지 않으면 극작가가 한 극에서 다른 극으로 거의 그대로 옮겨야 했을 것이기 때문입니다.

실제로 "볼쇼프 집의 거실"은 "상인 브루스코프 집의 부유한 거실" 또는 "안트리지나의 집의 부유한 거실"과 어떻게 다릅니까? 이 거실이 어떤지 알고 싶습니까? 첫 페이지에서 Ostrovsky의 첫 번째 희곡을 펼치고 다음과 같이 읽으십시오. 소파 위의 초상화, 천장의 낙원의 새들, 창가의 다양한 색상의 커튼과 팅크병. '가족사진'의 이 발언은 '본인-정장하자!', '남의 잔치에 숙취', '힘든 날', '소울견 쟁탈전, 성가시게 굴지 말라'와 같은 연극에서도 거의 변함없이 반복될 수 있다. 다른 사람!", "썰매에 앉지 마십시오.", "죄와 문제는 누구에게도 살지 않습니다.", 아마도 다른 사람들에게는.

그리고 여기에 더 높은 순위의 상인 내부가 있습니다. "뒷벽에는 소파가 있고 소파 앞에는 원형 테이블과 6 개의 안락 의자가 있고 측면에는 3 개가 있습니다 ... 벽에는 거울과 작은 그 밑에 테이블." 이 말은 코미디 "빈곤은 악덕이 아니다"에서 가져온 것이지만 실제로 Gordey Karpych Tortsov뿐만 아니라 Amos Panfilich Baraboshev의 주택을 특징 짓는 것만큼 잘 할 수 있습니다 ( "진실은 좋지만 행복은 더 좋습니다" ) 또는 Potap Potapych Karkunov("마음은 돌이 아닙니다")입니다.

같은 방식으로 코미디 "축제의 꿈 - 저녁 식사 전"에서 발자미노프의 "불량한 방"을 묘사한 극작가는 Kruglovs의 "가난하지만 깨끗한 방"을 묘사할 수 없었습니다. 고양이 "), Tatyana Nikonovna가 Olinka와 함께 사는 "작은 방"( "오래된 친구가 두 명의 새 친구보다 낫습니다"), "Obroshenov의 집에있는 방"( "Jokers"), "가난하고 작은 방 Zybkina의 아파트에서”(“진실은 좋지만 행복은 더 좋습니다”). 그리고 Ostrovsky는 패턴이 있는 소부르주아 인테리어에 하나 또는 다른 특징적인 세부 사항을 추가하는 것으로 자신을 제한합니다. 근면한 Agnia Kruglova의 방에는 "후프"가 있고 양장점 Olinka는 테이블 위에 "다양한 재봉 액세서리"를 가지고 있습니다. Platosha의 Zybkins의 소파 "학교 찬사 목록"은 "프레임에 매달려" 있습니다.

같은 방식으로 토지 소유자 Gurmyzhskaya ( "숲")의 부동산에있는 홀을 설명하는 말에 따르면 데코레이터는 토지 소유자 Ulanbekova ( "The Pupil") 또는 토지 소유자 Murzavetskaya ( "늑대와 양"). 개별 표지판 및 여기에서 최소화됩니다.

간단히 말해서, 사실주의 오스트로프스키의 내부는 주로 그의 등장인물이 살고 있는 전형적인 상황을 특징짓기 위한 것입니다.

그러나 때때로 Ostrovsky는 그의 영웅을 그들이 사는 방식이 아니라 그들이 원하는 방식으로 특징짓습니다. 이 경우 그들의 주거는 실제 모습이 아니라 그들이 원하는 모습을 보여줍니다.

Yermil Zotych Akhov ( "It's All Cat's Shrovetide")는 이미 알려진 "Family Picture"의 상인 인테리어에 가장 적합합니다. 천장에 새들이 있고, 창문과 병에 여러 가지 빛깔의 커튼이 달려 있습니다. 팅크. 하지만 최초의 길드 상인 아호프는 상인이 아닌 왕자처럼 살고 싶어 한다. 수다스러운 Feona가 말했습니다. “우리에게는 낡고 호화로운 집이 있습니다. 한마디만 하면 윙윙거리는 소리가 난다. 그래서 그는 혼자 방을 돌아다닌다. 어제 나는 황혼에 갔다가 내 집에서 길을 잃었습니다. 경비원은 좋은 외설로 소리 지르지 않습니다. 내가 억지로 그를 찾아내어 데리고 나왔다.” Akhov는 왕실에서 편안하지 않지만, 왕실 아파트는 그의 엄청나게 부풀어 오른 야망을 아첨합니다. 자신의 집에서 길을 잃은 남자의 이미지는 Ahov의 본질과 그의 주장 사이의 모순을 완벽하게 드러냅니다.

극작가가 우리에게 Karandyshev의 집(" 지참금")을 소개하기 전에도 우리는 Vozhevatov의 말을 통해 Larisa Dmitrievna의 행복한 약혼자가 "자신의 아파트를 장식할 생각을 하는 것이 이상하다는 것을 이미 알고 있습니다. 연구에서 그는 페니 카펫을 벽에 못 박고 단검과 툴라 권총을 걸었습니다. 자체로 드래그하여 표시합니다. 칭찬해야합니다. 그렇지 않으면 교만하고 부러워하는 사람을 화나게 할 것입니다. Karandyshev는 자신의 삶을 거대한 규모로 정리하려고 노력하지만 그의 모든 속임수는 희극 효과로만 이어집니다. 이것은 Karandyshev의 사무실이 말없이 우리에게 말하는 것입니다. "가식으로 꾸민 방, 그러나 맛은 없습니다."

The Last Victim의 Dulchin은 Karandyshev와 전혀 비슷하지 않지만 다른 방식이지만 과시하는 것을 좋아합니다. "풍부하게 꾸며진 사무실"은 품위있는 사람이 어떻게 살아야하는지에 대한 그의 개념에 해당합니다. 그러나 "책도, 서류도, 정신 활동의 흔적도 전혀 없습니다." 그래서 마지막 막의 내부는 Vadim Grigoryevich Dulchin의 초상화로 완성됩니다.

Akhov, Karandyshev 또는 Dulchin이 없을 때 집에 들어가면 아마도이 인테리어의 주민들에 대해 잘못된 의견을 형성했을 것입니다. Akhov는 우리에게 오래된 신사처럼 보일 수 있습니다. Karandyshev는 열정적인 사냥꾼이고 Dulchin은 존경할만한 사람입니다. 극작가는 말하자면 내부에 캐릭터를 "부여"하고 불일치를 보여줍니다. 이 불일치는 때때로 사람의 성격과 거주지의 조화로운 대응보다 성격에 대해 더 많은 것을 말해 줄 수 있습니다.

"Late Love"에서 Ostrovsky의 한 연극에서만 모든 행동이 같은 내부에서 전개됩니다. 극작가는 장면을 다양 화하고 인테리어를 기꺼이 변경하는 것을 좋아합니다. 동시에 그는 자신의 연극이 더 화려할 뿐만 아니라 주의를 기울입니다. 다양한 인테리어의 도움으로 더 많은 캐릭터를 특성화하는 것뿐만 아니라.

오스트로프스키 희곡의 내부는 공존할 뿐만 아니라 병치, 병치뿐만 아니라 대조, 대조, 갈등도 함께 존재한다.

Ostrovsky 연극의 장면은 Dobrolyubov의 잘 알려진 표현에 따르면 "두 당사자의 충돌 - 나이가 많은 사람과 젊은 사람, 부자와 가난한 사람, 고의와 짝사랑"이 일어나는 중립적인 발판이 아닙니다. 아니요, 그 내부는 극적인 충돌의 무관심한 목격자가 아니라 말하자면 이러한 충돌에 직접 참여합니다.

따라서 Dokhodnoye Mesto에서 "Vyshnevsky의 집에있는 큰 홀, 풍부하게 가구가 배치 된 큰 홀"과 Zhadov가 Polinka와 함께 사는 "매우 가난한 방"사이에 근본적인 이데올로기 적 갈등이 발생합니다. 이 두 인테리어는 삶의 다른 수준을 나타낼 뿐만 아니라 양립할 수 없는 삶의 원칙을 나타냅니다.

'노동빵'의 1막과 2막 내부의 대비와 깊은 의미가 가득하다. Korpelov 교사가 살고있는 "부엌 옆 가난한 방"은 Korpelov의 전 동료 인 부유 한 관리인 "Potrokhov 집의 방"과 비교할 수 없습니다. 첫 번째 방-“작은 책상 위에 책이 흩어져 있습니다. 테이블 앞의 의자; 더 나아가 모퉁이에 책이 있는 언덕. 두 번째 방에는 "우아하고 편안한 가구가 많이 있습니다." 그러나 Korpelov는 "어리석음과 돈에 취한"부유한 동지를 부러워하지 않습니다. "예, 저는 ... 저는 ... 부자가 되고 싶지 않습니다." Korpelov는 자랑스럽게 선언합니다. 여기에 돈이 있지만 귀족을 구하는 방법을 몰랐지 만 춥고 쌀쌀했습니다. , 배고프지만 여전히 신사입니다.

코미디에서 "자신의 개는 말다툼, 다른 사람을 괴롭히지 마십시오!" “발자미노프가의 가난한 방”과 “안트리지나의 집에 있는 부유한 거실”이라는 대조되는 말을 우리는 만납니다. 그러나 이 대조의 이념적 의미는 여기에서 상당히 다릅니다. Zhadov 또는 Korpelov가 Vyshnevsky 또는 Potrokhov의 불의한 부에서 영혼의 모든 힘을 다해 밀어 넣으면 Balzaminov도 그의 영혼의 모든 힘으로 Antrygina의 부를 향해 돌진합니다. "Profitable Place"와 "Labor Bread"에서 화려한 인테리어는 불명예의 상징이고, "Own Dogs"에서는 이상, 궁극적인 꿈입니다.

가난과 부만이 대조될 수 있는 것이 아니라 사치와 빈곤만이 충돌할 수 있는 것이 아니다.

코미디 '그들은 어울리지 않았다!' 속 첫 두 그림의 인테리어보다 더 대조적인 광경은 상상하기 어렵다. Prezhnevs의 영주의 저택과 Tolstogorazdovs의 상인 법원은 접점이 없는 두 개의 다른 세계입니다.

한 세계에서 코미디 영웅 Paul Prezhnev가 자랐습니다. 여기 이 세상이 있습니다. 모서리의 쪽모이 세공 마루 바닥이 상당히 처졌습니다. 왼쪽에는 정원으로 통하는 창문과 기둥이 있는 나무 발코니로 통하는 문이 있습니다. 직진하면 오른쪽에 있는 출구 문이 있으며 내부 방으로 향합니다. 좁은 교각을 따라 청동 다리에 대리석 테이블이 있고 그 위에는 금박 프레임으로 확장된 좁고 긴 거울이 있습니다. 가구는 낡고 무겁고 초라한 금도금이 있습니다. 테이블에는 구식의 청동이 있습니다. 천장에는 편도선 형태의 작은 유리로 만든 샹들리에가 매달려 있습니다. 두세 개의 봉제 스크린. 모든 것이 완전히 쇠퇴하고 이전 사치품의 잔재를 보여줍니다.

코미디 Serafima Tolstogorazdova의여 주인공은 다른 세계에서 자랐습니다. 그러나 이 세계는 훨씬 더 간결하게 설명되어 있지만 우리가 상상 속에서 끝내는 수고는 가치가 없습니다. “마당. 오른쪽에는 집의 갤러리가 있고 배경에는 정원이 있습니다. 왼쪽 별채; 두 개의 문, 하나는 지하실에, 다른 하나는 sennik으로.

바울과 스랍은 처음 두 장면에서 만나지 않습니다. 우리는 세 번째 마지막 사진에서만 이미 결혼한 함께 함께 있고 그들의 단절을 목격하는 증인이 됩니다. 그리고 우리가 그들에 대해 아무것도 모르고 주인공과 여주인공의 계부의 집에 대해서만 알게된다면 우리는 헤어진 이유를 이해할 것입니다. 우리는 캐릭터에 동의하지 않았습니다!

드라마 '네 마음대로 살지마'의 두 인테리어는 전혀 다른 원리에 따라 대립한다. 그 중 하나는 영웅이 어떻게 사는지 보여주고 다른 하나는 그가 어떻게 살고 싶은지를 보여줍니다. 피터가 사랑하지 않는 아내와 함께 사는 '러시안 룸'과 그의 '요람'이 사는 '여관 속 오두막'은 지칠 줄 모르는 피터의 영혼이 서두르는 두 가지 원칙을 의인화한 듯하다. 하나의 시작 - 집, 가족, 수백 년 된 기초, 마음의 평화. 또 다른 시작은 여관, 흥청망청, 무모한 열정입니다. 극은 피터가 집에서 도망치는 것으로 시작하여 그가 집으로 돌아오는 것으로 끝납니다. 집착은 끝났다.

위치 - 도시

우리가 이미 알고 있듯이 Ostrovsky는 연극에서 내부에 큰 공간을 제공하여 캐릭터의 거실에 우리를 초대하는 데 그치지 않았습니다. 그의 희곡의 거의 절반(47편 중 21편)에서 그는 가족 관계뿐만 아니라 더 넓은 사회적 관계에서.

일반적으로 말해서, 오스트로프스키의 모든 희곡을 취하면 144개의 장면에서 내부에서 액션이 발생하고 나머지 64개에서는 내부 외부에서 발생합니다. 그러나 이 경우 우리는 일반적으로 인테리어가 아니라 사적인 인테리어에 관심을 가져야 합니다. 내부 외부의 모든 출구가 아니라 공공 행동 장소로의 출구입니다(열린 무대를 나타내지 않더라도). 이러한 관점에서 오스트로프스키 희곡의 모든 장면을 그룹화하면 155개의 경우에 집에 인접한 사적 내부 또는 사적 외부에서 행위가 발생한다는 것이 밝혀졌습니다(축제의 꿈에서 니치키나의 정원, 쿠로슬레포프의 Hot Heart "등의 안뜰). 나머지 53개의 경우 극작가는 "심연"과 같은 Neskuchny 정원이든, "Tushino"와 같은 여관의 입구이든, "와 같은 기차역이든 공공 장소로 행동을 취합니다. 재능과 찬사".

따라서 오스트로프스키의 희곡 전체 장면의 약 4분의 3이 영웅이 살고 있는 곳을 찾고, 전체 장면 수의 약 4분의 1이 이를 "공개적으로" 보여준다. 이러한 "공개" 장면은 "비공개" 장면보다 3배는 적지만 오스트로프스키의 희곡에서 예외적으로 중요한 역할을 합니다. 매우 중요한 연극을 포함하여 그의 희곡 중 일부에서는 비율이 완전히 다르다는 것을 즉시 주목합시다. 예를 들어, Thunderstorm의 6개 장면 중 하나만 Kabanovs의 집으로 소개되고 나머지 5개는 내부 외부입니다.

"볼가 강 높은 은행에 공공 정원". "크렘린 근처의 니즈니 포사드의 일부입니다." 크렘린 정원의 동굴. "도시의 광장". "지루한 정원". "페트로프스키 공원, 삭스 정원에서." 볼가(Volga) 강둑에 있는 도시 대로입니다. 여름 클럽 정원.

그런 말로 오스트로프스키는 "Thunderstorm", "Minin", "Hard Days", "Voevoda", "Abyss", "Mad Money", "Dowry", "Handsome Man"을 시작합니다.

왜 이 희곡의 극작가는 자신의 등장인물을 집이 아니라 열린 무대에서 우리에게 친숙하게 하는 것을 선호하는가? 왜 그는 그들을 정원으로, 공원으로, 광장으로, 대로로 데려가나요? 그는 왜 무작위로 지나가는 행인들 사이에서 자신의 주인공을 알아보도록 강요하는가?

그냥 공개 장면이 너무 편해서 캐릭터들이 자연스럽게 뭉쳐서 관객들에게 바로 소개되기 때문인가요?

아니요, 물론 아닙니다. 문제의 이러한 측면은 극작가에게도 중요합니다. 그러나 여러 연극에서 Ostrovsky가 열린 공간에서 행동을 시작하도록 촉발한 주된 이유는 이것이 그가 그의 등장인물이 살고 있는 사회적 분위기에 청중을 즉시 소개할 수 있게 했기 때문입니다.

Ostrovsky가 "액션은 Kalinovo 시에서 발생합니다" 또는 "액션은 Bryakhimov라는 대도시에서 발생합니다."라고 쓸 때 그는 그의 등장인물이 살고 있는 정확한 도시에 대해서만 알려주는 것이 아닙니다. 아니요, 이러한 언급은 가장 문자 그대로의 의미로 이해되어야 합니다. 연극의 액션은 실제로 도시에서 발생합니다. 도시는 실제로 연극의 배경이 됩니다.

Ostrovsky의 원래 계획에 따르면, 뇌우의 첫 번째 행위는 원고 초안의 메모에 나와 있는 것처럼 "Dikov의 집에 있는 방"에서 발생하는 것이었습니다. 그러나 원고의 텍스트로 판단할 때 이미 이 초판 작업 과정에서 극작가가 의도를 변경했다고 가정할 수 있습니다. 그렇지 않으면 Kuligin이 Dikoy의 집에 나타나는 이유, Kabanov 가족이 거기에 어떻게 왔는지 등을 이해하기 어렵습니다. 배경 없이는 Katerina의 드라마를 이해하는 것이 불가능합니다.

학자 P.A. Pletnev는 Uvarov Prize에 대한 드라마 지명과 관련하여 "Thunderstorm"에 대한 리뷰를 작성했습니다. 그는 이렇게 적었습니다. “얼굴과 성격의 일반적인 변형을 가진 가족은 혼자가 아닙니다. 그것이 시인의 연구 주제입니다. 그는 어떤 면에서 러시아의 작은 마을의 사회 생활을 이용하고 싶었습니다. , 볼가 강 유역의 훌륭한 위치, 우리 반 시골 및 반 도시 관습의 특성, 여전히 눈에 띄게 지배적인 무지와 이미 우연이지만 엿보는 교육의 충돌. 저자는 항상 자신이 실제로 연구 한 내용 만 설명하고 두 번째로 공간이 풍부하고 지역 생활의 모든 다양성에 퍼져 있기 때문에 첫 번째로 강력합니다. 5막 드라마."

그러나 언뜻보기에는 "작은 러시아 마을의 사회 생활"이 주인공의 비극적 인 운명과 거의 합쳐지지 않는 것처럼 보일 수 있습니다. 사실, 이 사회 생활의 두 가지 극단적인 표현인 Kuligin과 Dikoy의 가장 저명한 대표자는 전체 연극을 통해 Katerina와 단 한 마디도 교환되지 않습니다. 하지만 극의 경계를 허무는 '현지 생활 속으로' 극의 한계를 뛰어넘는 극작가는 결국 여주인공을 벼랑으로 몰아넣은 여론의 압제적 힘을 보여준다.

Kuligin의 유명한 말을 상기해 봅시다. 변비 뒤에 흐르는 보이지 않고 들리지 않는 눈물에 대한 그의 덜 유명한 독백을 기억합시다. Kabanikha가 사람들이 다음과 같이 말할 것이라는 사실에 얼마나 몰두했는지 기억해 봅시다. 그녀가 젊은이들이 "선한 사람들에게 복종과 웃음에 혼란스러워"라는 명령을 모른다는 사실에 대해 얼마나 경멸하는지. 보리스는 그것에 대해 생각하지 않을 수 없습니다. "당신은 그녀를 결코 볼 수 없으며 아마도 어떤 종류의 대화가 나올지조차 그녀를 문제로 이끌 것입니다. 자, 마을에 도착했습니다! Kudryash는 같은 말을 합니다. 알 잖아. 그들은 그것을 먹고 관에 넣을 것입니다.” 처음에는 Katerina만이 Kalinov 주민들의 여론을 생각하고 싶지 않습니다. 내가 너희를 위하여 죄를 두려워하지 아니하면 사람의 심판을 두려워하겠느냐? 그러나 그녀는 또한 "인간 법정"의 부담을 견딜 수 없다는 것이 밝혀졌습니다. "모두가 하루 종일 나를 따르고 있습니다. 그리고 그들은 내 눈에서 바로 웃습니다."

도시의 눈앞에서 카테리나의 드라마가 펼쳐진다. 공개석상에서 그녀는 남편에게 반역죄를 고백했다. 사람들은 그녀가 볼가 강으로 절벽에서 어떻게 몸을 던졌는지 보았습니다. "Kuligin과 사람들"이라는 말과 같이 그녀가 죽은 후 강에서 끌려 나왔을 때 "Katerina를 나르십시오". 멧돼지 "사람들에게 절합니다": "좋은 사람들이여, 당신의 봉사에 감사드립니다!" 비고: "모두 절합니다."

우리는 연극의 마지막 페이지를 닫고서야 "액션은 칼리노보 시에서 발생합니다."라는 문구의 문자 그대로의 진정한 의미를 완전히 이해합니다.

Kalinov시에서는 "Thunderstorm"이후 거의 10 년 동안 쓰여진 코미디 "Hot Heart"의 액션이 발생합니다. 도덕은 동일합니다. - 아리스타르코스를 한탄합니다 - 글쎄요, 마을 사람들이여! 사모예드! 예, 그리고 차, 그것이 더 정중합니다. 이미 '뇌우'에서 쿨리긴의 입에서 들은 아리스타르크의 말이 칼리노프 주민들의 특성화를 그대로 반복하고 있는 것이 사실이 아닙니까? 그러나 "Hot Heart"에서 도시는 마을 사람들뿐만 아니라 시 당국도 대표합니다. Gradoboev는 시장이고 Kuroslepov는 시장입니다.

위에서 어느 정도 인용한 E. Utin의 의견에 동의하는 것은 결코 불가능합니다. "시장 법원의 장면은 코미디에서 완전히 불필요합니다." 아니, 이 장면이 없었다면 칼리노프의 도덕 그림은 완전하지 않았을 것이고, 이러한 도덕이 없었다면 우리는 따뜻한 마음의 드라마를 이해하지 못했을 것이고, 파라샤가 취하기로 결정한 필사적인 조치가 칼리노프의 조건에서 의미하는 바를 충분히 느끼지 못할 것입니다. .

우리가 알고 있듯이 Kuroslepov는 "시장에게 그녀를 붙잡고 군인과 함께 밧줄을 타고 경비원을 위해 도시를 안내하도록 명령했습니다." 사실, 바라샤에게는 따뜻한 마음이 있을 뿐만 아니라 자랑스럽고 독립적인 성격이 있습니다. 그녀는 Kalinov의 마을 사람들의 법정에 대해 신경 쓰지 않는 것 같습니다. “그리고 그들이 그것을 알게 되더라도 얼마나 큰 문제입니까! - 그녀는 용감하다 - 나는 얼마나 부유한 아버지의 딸인가, 나는 이제 군인이다, 대부. 그러나 그녀는 도시 여론의 법원에 무관심하지 않습니다. 그녀가 다가오는 승리를 꿈꾸며 같은 칼리노프스크 주민들에 대해 생각하는 것은 아무 것도 아닙니다.

그녀는 Vasya에게 "우리는 당신과 함께 이 도시로 갈 것입니다. 당신과 손을 잡고 갈 것입니다. 그러면 우리의 악당들이 우리를 바라보도록 합시다.

코미디 "Don't get into your sleigh"에서 말에서 알 수 있듯이 "액션은 Cheremukhin의 카운티 타운에서 발생합니다." 아시다시피 Ostrovsky는 즉시 도시 이름을 찾지 못했습니다. 초안 원고에서 Malinov라고합니다. 그리고 이 희극이 뇌우 이후에 쓰여졌다면 극작가는 그를 이미 발견하고 좋아했던 이름인 Kalinov라고 불렀을 것입니다.

그러나, 그것은 이름이 아닙니다. 이 초기 코미디에서 이미 Ostrovsky는 작은 러시아 마을의 분위기를 전달하려고 노력하고 있다는 점에 주목하는 것이 더 중요합니다. 이 코미디에서 이미 도시는 연극의 장면으로 간주 될 수 있습니다. 첫 번째 막이 일종의 도시 클럽 인 Malomalsky 선술집에서 캐릭터를 찾는 것은 결코 아닙니다. 이미 이 코미디에서 마을의 여론은 연극의 중요한 제안 상황 중 하나가 된다.

"속담에 선한 영광이 거짓말을 하고 악한 자가 달려간다는 말이 있다." 극 초반에 이 속담을 회상하는 Borodkin은 자신에 대해 이렇게 말합니다. 혀를 묶인 말로말스키도 이 속담의 힘을 알고 있습니다. 불행이 Avdotya Maksimovna에게 닥쳤을 때 그는 최악의 상황을 예상했습니다. 그것?" Rusakov는 또한 우선 딸의 슬픔이 아니라 Cheremukhins 법원에 대해 생각합니다. 너에 대해 말해줘." Avdotya Maksimovna는 공포에 대해 스스로 생각합니다. "도시 전체가 나에게 손가락질을 할 것이다."

예, Cheremukhin은 Kalinov와 크게 다르지 않습니다.

당신은 Bryakhimov에 대해 같은 말을 할 수 없습니다.

Kalinov와 Cheremukhin은 카운티 타운입니다. 지참금', '재능과 찬사', '잘생긴 남자'의 액션이 펼쳐지는 브리아키모프는 지방 도시다. 극작가는 특히 " 지참금 " 에 대한 언급에서 이것이 대도시임을 강조합니다 . 그러나 이 큰 도시에서도 모두가 서로를 알고 있습니다. 따라서 여기에도 도시 여론의 법원이 있습니다.

자랑스러운 크누로프도 이 법원을 생각하지 않을 수 없습니다. Vozhevatov가 샴페인을 마시도록 초대했을 때 그는 거절했습니다. 사람들은 볼 것이고 말할 것입니다. 빛도 새벽도 아닙니다. 그들은 샴페인을 마십니다. 그의 결혼, 그의 출발, 사냥 무기 수집, 저녁 식사에 대해 도시 전체가 그에 대해 이야기하도록 잠자고 보는 Karandyshev에 대해 무엇을 말할 수 있습니까? 그는 Larisa에게 이렇게 말합니다. “저는 자존심 때문에 주사를 맞았습니다. 이제 나는 자랑스러워하고 영화롭게 할 권리를 원하고 갖고 있습니다. Kharita Ignatievna Ogudalova는 또한 도시의 소문에 매우 민감합니다. "당신은 나와 함께 빛날 것입니다." 그녀는 딸에게 "당신이 여기서 한 번도 본 적이 없습니다."라고 말합니다.

우리는 브랴키모프를 " 지참금 " 의 장면으로 느끼는 이유는 드라마가 도시의 대로에서 시작되고 끝나기 때문만은 아닙니다. 극작가가 액션을 내부, Ogudalova의 거실로 옮기더라도 우리는 도시에서 무슨 일이 일어나고 있는지 느낄 수 밖에 없습니다. Larisa는 창 밖을 내다보고 집시 Ilya를 집으로 초대합니다. 거실에서 "거리에서 소리"가 들립니다. "가세요, 주인님이 오셨습니다!" Karandyshev로부터 우리는 Paratov의 도착과 관련하여 Bryakhimov에서 지배하는 흥분에 대해 더 자세히 배웁니다. 택시 기사들은 모두 활기차고 거리를 뛰어다니며 서로에게 "주인님이 오셨습니다. 주인님이 오셨습니다."라고 외칩니다. 선술집의 점원들도 빛을 발하며 거리로 뛰쳐나와 선술집에서 선술집으로 서로에게 “주인님 오셨습니다, 주인님 오셨습니다”라고 부릅니다. 집시들이 미쳐버렸고, 갑자기 손을 흔들며 소리를 지르고 있습니다. 호텔에는 많은 사람들이 모여 있는 의회가 있습니다. 이제 마차를 입은 네 명의 집시들이 도착을 축하하기 위해 호텔로 차를 몰고 왔습니다. 어떤 그림인지 궁금해! 그리고 우리 앞에는 도시의 그림이 있습니다.

"재능과 찬사"는 여배우에 대한 연극이므로 여기에 Briakhimov의 여론이 대중의 의견으로 제시됩니다. "대중은 비난받을 수 없습니다."라고 Dulebov 왕자는 중요하게 선언합니다. 이 또한 여론이고 이에 대해 불평하는 것은 어리석은 일”이라고 말했다. Bakin은 "대중의 의견이 만장일치로 표현될 때 매우 좋습니다."라고 말했습니다. 그러나 극작가는 대중의 의견이 결코 만장일치가 아니며 대중이 대중으로 나뉘어져 있음을 보여줍니다. 사실, 왕자는 청중을위한 "라욕"을 인식하지 못합니다. "어떤 청중? "체육관 학생, 신학생, 상점 주인, 하급 관리들!" 온통 손뼉을 치며 기뻐하며 네기나를 열 번 부르는데… ". 그는 기업가 Migaev에게 "당신은 지역이 아니라 세속적인 고귀한 대중을 기쁘게 해야 할 의무가 있습니다"라고 가르칩니다.

Meluzov와 Dulebov 및 Bakin의 갈등은 첫 번째 좌석 행이있는 "raik"의 갈등입니다. 그리고 극작가가 이 사회적 갈등의 무대를 도시 정원, 기차역과 같은 공개 장면으로 만드는 것은 우연이 아닙니다.

'잘생긴 남자'가 시티 클럽 정원의 한 장면으로 시작되는 것은 우연이 아니다. 정원은 공공 장소이지만 클럽 정원이며 특정 서클의 사람들이 여기에서 만나고 모두 여기에서 서로를 알고 있습니다. 유일한 예외는 방문하는 모스크바 신사 Lotokhin입니다. 그리고 코미디의 나머지 장면은 실내에서 이루어지지만 이 경우 Bryakhimov 시가 연극의 진정한 배경이라고 안전하게 말할 수 있습니다. Okoyomov와 Zoya의 이야기는 "전체 도시"의 눈앞에서 발전하고 있습니다. 적어도 코미디 배우에게는 이것이 진정으로 "전체 도시"입니다.

세 개의 연극으로 구성된 Briakhimov는 독자와 관객을 위해 하나의 지방 도시로 합쳐집니다. Negina의 자선 공연에서 Knurov 또는 Okoyomov를 쉽게 상상할 수 있습니다. Bakin 또는 Oleshunin은 Karandyshev와 저녁 식사에 초대되었을 수 있으며 여름 클럽 Pierre와 Georges의 정원에서는 Lotokhin 대신 Velikatov를 만날 수 있습니다.

언급된 내용의 대부분은 극작가의 현대적 주제에 대해 쓰여진 희곡뿐만 아니라 오스트로프스키의 일부 역사적 희곡에도 기인할 수 있습니다.

Voevoda에서 도시 이름이 지정되지는 않았지만 극작가가 우리에게 목격하게 한 사건의 경기장은 정확히 도시(및 그 주변)입니다. Nechay Grigoryevich Shalygin 자신을 시작으로 "도시를 책임지는 사람"으로 임명된 voivode, 그리고 목록에 "최고의 사람들로부터의 도시인" 및 "중간 사람들로부터의 도시인"으로 지정된 보조 캐릭터로 끝나는, - 연대기의 모든 캐릭터는 어떻게 든 도시 전체의 이벤트와 연결됩니다.

그건 그렇고, Voyevoda에 대한 그의 리뷰에서 Ostrovsky가 "자신의 희곡의 행동을 그것이 될 특정 장소에 연결하지 않은 극작가의 "가장 행복한 고려 사항 중"에 기인 한 P. Annenkov에 완전히 동의 할 수 있습니다. 문서에서 쉽게 선택할 수 있습니다. 코미디의 첫 페이지에서 그는 간단히 이렇게 말했습니다. "액션은 17세기 중반 볼가의 대도시에서 일어납니다." 행동 장소와 전개 연도에 대한 정확한 표시가 없기 때문에 그의 손이 풀렸고 그의 예술적 사상을 어떤 재료에도 속박하지 않으려는 의도가 드러났습니다.

사실, 그의 다른 역사적 연대기에서 Minin에서 Ostrovsky는 Nizhny Novgorod를 직접 호출합니다. 이것이 그가 17세기 러시아 도시의 삶에 대한 광범위한 역사적 그림을 재창조하는 것을 막지는 못했습니다. 그러나 여기에서 많은 설명 없이도 알 수 있듯이 극작가는 Voevoda에서와는 완전히 다른 작업에 직면했습니다. 여기에 있는 도시는 캐릭터를 위한 행동의 장소 이상입니다. 니즈니 노브고로드 자체가 연대기에서 집단적 캐릭터로 나타납니다.

당신과 내가 Kalinov "Thunderstorms"와 "Hot Heart"에서 끝난다면 우리는 아마도 즉시 이 도시를 알아볼 것입니다. 여기가 도시 외곽에 있는 광장입니다. 왼쪽에는 현관이 있는 도시의 집이 있고 오른쪽에는 죄수의 집이 있고 창문에는 철창이 있습니다. 우리 바로 앞에는 강과 보트를 위한 작은 부두가 있고 강 너머에는 전원 풍경이 펼쳐져 있습니다. 우리는 적당한 노크와 "이봐!" 이 견고한 문 뒤에, 높은 울타리 뒤에는 Kuroslepov 시장의 집이 있습니다. 문을 간단히 살펴 보겠습니다. 왼쪽에 주인 집 현관, 오른쪽에 별채, 별채 앞에 큰 나무, 테이블 및 벤치가 있습니다. 더 가자... 여기 문 앞에 벤치가 있다. 카바니크와 페클루샤가 여유롭게 대화를 나누던 곳이 여기가 아니었을까? 멧돼지 정원 뒤편에 덤불로 덮인 계곡이 있어야 합니다. 우리는 Katerina가 그녀의 첫 데이트에서 달렸던 것과 같은 길로 그에게 인도될 것입니다. 앞으로 나아가자... 우리의 주의는 무너지기 시작하는 오래된 건물의 둥근 천장이 있는 좁은 갤러리에 의해 멈춥니다. 벽 너머에는 은행과 볼가의 전망이 있습니다. 우리는 해안을 따라 걷고 공공 정원으로 나갑니다. 두 개의 벤치와 몇 개의 덤불. 근처 어딘가에 Katerina가 몸을 던진 웅덩이가 있을 것입니다. 무대에서 그를 본 적이 없지만 우리는 그를 쉽게 찾을 수 있습니다... 츄... 도시의 시계가 칩니다. 하나... 둘... 셋... 우리는 8타를 세었는데 왜 쿠로슬레포프는 15타를 상상했을까요? “그래, 우리의 죄를 위해 조금이라도! 더 있을거야!" 이제 길로 나가서 숲을 통해 약 5 마일을 걸으면 숲길의 갈림길에서 비문이있는 두 개의 보드가 못 박혀있는 페인트 기둥이 보입니다. 오른쪽: "칼리노프 시로." 왼쪽: "Gurmyzhskaya 부인의 지주인 Penka의 저택으로." 네, 바로 이곳에서 Arkashka Schastlivtsev와 Gennady Neschastlivtsev의 유명한 만남이 있었습니다...

Kalinov에서 Volga를 따라 "Dowry", "Talents and Admirers" 및 "Handsome Man"의 도시인 Bryakhimov에 도착할 수도 있습니다. 증기선 (아마도 이것은 Vozhevatov에게 판매 된 Paratov의 "Airplane"또는 아마도 "Swallow"일 것입니다)에서도 볼가 강둑에있는 도시 대로와 커피 숍 앞 플랫폼을 인식합니다. 그리고 여기에 Larisa가 서서 절벽에서 내려다 본 주철 화격자가 있습니다 ( "그리고 떨어지면 ... 특정 죽음이라고 말합니다. 서두르는 것이 좋을 것입니다"). 부두로 가서 시내를 걷자. Negina가 공연 한 도시 정원의 극장은 다음과 같습니다. 여기가 광장입니다. 간판: "선술집 "파리". 우리가 무대에서 이 선술집을 본 적이 없다는 것이 중요하지만 Vozhevatov가 Robinson에게 속임수를 사용하여 그를 파리로 데려가겠다고 약속한 다음 바로 이 선술집으로 보낸 것을 아주 잘 기억합니다. 근처에는 Paratov가 머물렀던 호텔이 있으며 멀지 않은 곳에는 우리가 Brakhimov의 황금빛 젊음인 Pierre와 Georges를 처음 본 클럽 정원인 미망인 Ogudalova의 집이 있습니다. 그러나 우리가 떠날 시간입니다. 여기 멜루조프가 사샤 네기나에게 작별 인사를 했던 것과 같은 기차역인 일등석 승객을 위한 홀이 있습니다. 플랫폼과 마차가 유리문 뒤에 보입니다. 플랫폼에서 "역. Briakhimov의 도시, 기차 비용은 20분, 뷔페입니다. 수석 지휘자가 들어갑니다. "여러분, 차에 타시겠습니까?" 그리고 Briakhimov는 뒤에 남겨졌습니다 ...

오스트로프스키는 극의 동작이 실내를 벗어나지 않는 경우에도 몇 번의 스트로크로 도시의 이미지를 포착할 수 있다. 따라서 코미디 "썰매에 타지 마십시오"에서 우리는 Cheremukhin, Malomalsky의 선술집에서 Rusakov의 집, 근처에 Borodkin의 상점, 도시 성벽 뒤의 다리 및 Vikhorev가 Avdotya Maksimovna, Yamskaya Sloboda의 여관과 Baranchevskoe 마을, 도시에서 7개의 verst.

그건 그렇고, Cheremukhin에서 실패를 겪은 Vikhorev는 수익성있는 결혼으로 자신의 일을 개선 할 희망을 잃지 않습니다. "나는 다른 곳으로 갈 것입니다 ... 그들은 Karavaev에 부유 한 상인이 있고 멀지 않은 곳에 50 버스트.” Ostrovsky는 "Sled"를 따라 코미디 "Poverty is not avice"를 작업하기 위해 처음에는 코미디가 나오는 카운티 마을에 Karavaev라는 이름을 부여하고 싶었지만 나중에 이 계획을 포기했습니다. 왜요? 아마도 Ostrovsky는 일반적으로 도시가 실제로 연극의 배경이 되는 경우에만 도시의 이름을 제공하기 때문일 것입니다. 코미디 "빈곤은 악덕이 아니다"에서 엔드 하우스의 한계 내에서 닫힌, 도시는 실제로 거의 나타나지 않습니다. 그의 이름을 부를 필요가 없었다.

새로운 장면 기능

Ostrovsky에게 헌정된 문헌에서 그의 희곡에서 풍경이 얼마나 훌륭한 위치에 있는지 반복적으로 언급되었습니다. Ostrovsky의 첫 번째 연극에서 행동이 내부를 넘어서지 않는다면 "축제의 꿈 - 저녁 식사 전"과 "발자미노프의 결혼"과 같은 연극에서 정원은 다소 중립적 인 행동 장면으로 만 사용된다면, 이미 "The Pupil"에서, 그리고 The Thunderstorm에서, The Voyevoda에서, The Forest에서 Snow Maiden은 말할 것도 없고 풍경은 필수적이고 매우 필수적인 극적 요소가 됩니다.

눈동자의 나디아와 레오니드의 야경이나 숲의 악슈샤와 피터의 야경을 떠올릴 때면 우리는 언제나 매력이 넘치는 시적 그림을 떠올린다. 우리는 이 밤 풍경을 마치 레비탄이나 쿤지(Kuindzhi)의 캔버스에서 본 것처럼 선명하게 상상합니다. 극작가는 어떻게 이것을 달성합니까?

그의 말은 매우 신중합니다. “정원의 일부, 배경에는 연못이 있고 해안 근처에 보트가 있습니다. 밝은 밤 "(" 눈동자 "). "정원의 또 다른 부분: 오른쪽에는 정자가 있고 왼쪽에는 정원 벤치가 있으며 멀리 나무 사이로 호수가 보입니다. 달빛 밤"( "숲"). 사실 이것이 우리가 무대 지시에서 이 야경의 풍경에 대해 배우는 전부입니다. 하지만 극작가는 풍경에 대한 묘사를 등장인물들의 입에 넣었을까? 아니요, The Pupil에서 Nadia의 유일한 말을 제외하고는 아무도 자연의 아름다움에 관심을 기울이지 않는 것 같습니다. "여기에 나이팅게일이 숲에서 노래합니다." 숲에서 등장인물들이 야경에 열광하는 것은 사실이지만, 이러한 과장된 감상적 즐거움은 밤의 시를 아이러니하게도 "제거"하는 것만큼 긍정하지 않는다. 사실, Neschastlivtsev는 "지금 이 아름다운 밤에 사후 세계의 주민들과 이야기하고 싶다"고 거의 패러디에 가까운 거만함을 표현합니다. 오늘 밤은 사기꾼 Julitta에게 서정적으로 맞춰져 있습니다. "밤은 이미 매우 ..." - 부식성 Karp는 확인합니다. "정말로 ... 처리 ... 글쎄, 산책!" 늙은 여자 Gurmyzhskaya는 "나는 자연을 사랑합니다."라고 선언하고 그녀의 너무 소심한 젊은 연인을 비난합니다. 호수가 어떻게 빛나는지, 나무에서 오는 그림자를 보십시오! 당신은 모든 것에 차가워요?" 그리고 Aksyusha 혼자 주위에 쏟아진 아름다움에 대해 한 마디도 말하지 않았지만, 우리는 그녀가 - 비록 그녀가 지금 그것에 이르지 않더라도 - 누구보다 더 깊이 이 여름 밤의 진정한 시를 느끼는 그녀라고 깊이 확신합니다. 모두, 그녀는 사랑합니다 ... 그녀의 마음 상태 (The Pupil에서 Nadia의 마음 상태)는 마치 마법이 세련된 말을 바꾸는 것처럼 이러한 야경의 모든 매력을 이해하는 데 도움이됩니다. 아름다운 그림.

P. Annenkov는 Voevoda에 관한 자신의 기사에서 다음과 같이 썼습니다. 그 자연과 그것이 스스로를 발전시키는 한가운데 있는 지역성을 표현하도록 강요했다. 인간 마음의 열정, 나약함, 악덕에 대한 묘사와 함께 낭독, 실화, 발레의 존재감, 참을 수 없는 예술 장르의 혼합으로 드라마를 위협했던 그러한 혁신의 대담함은 충분히 정당화되었다. 놀랍도록 창의적인 인재만이 달성할 수 있는 결과입니다.

오스트로프스키는 말하자면 러시아 극문학에서 최초의 풍경화가였다.

액션 장면을 정원이나 대로, 광장이나 거리로 옮기면서 말 그대로 Ostrovsky는 무작위로 지나가는(더 정확하게는 행인) 등장인물을 위한 연극을 열었습니다. 이 지나가는 사람들은 그를 방해하지 않습니다. 오히려 극작가가 거리 생활의 자연스러운 그림을 만드는 데 도움이 됩니다. 게다가 주인공도 모르는 경우가 많고 알고 싶지도 않은 채 각자의 삶을 살아가고 있음에도 불구하고 이 '행인'들은 하나의 행동에 힘차게 동참하며 극의 이념적 개념을 드러내는 데 적극적으로 기여하고 있다.

Thunderstorm을 시작으로 그의 여러 연극에서 Ostrovsky는 대중 거리 장면의 시학을 조심스럽게 발전시킵니다. 우리는 역사적 연대기의 훌륭한 대중 장면에 대해 이야기하는 것이 아닙니다. 여기에서 Ostrovsky는 셰익스피어의 전통으로 돌아가는 푸쉬킨 전통을 계속 발전시킵니다. 오스트로프스키의 혁신은 그가 인민대중을 현대의 일상극에 과감하게 도입했다는 점에서 드러난다.

조커의 2막을 예로 들어보겠습니다.

우리는 이미 그 Dm을 보았습니다. 극작가이자 드라마 이론가인 Averkiev는 여기에서 "코미디가 오락으로 변한다"고 믿고 "시청자의 전체 관심이 초점에 집중된다"고 믿으면서 이 두 번째 "거리" 코미디 행위를 완전히 불필요하다고 단호히 선언했습니다. 성문 아래에 서 있는 공공장소." 그러나 이것이 바로 이 극작가가 문 아래에서 비를 기다리며 청중만을 끌어내는 것이 아니라 요점입니다. 그는 연극에 제목을 붙인 바로 그 장난꾸러기들과 Obroshenov가 첫 번째 막에서 그러한 분노로 말한 사람을 보여줍니다. 우리는 무방비 상태의 작은 남자에 대한 마을 사람들의 무리의 무의미한 조롱을 목격하고 있습니다.

모든 현대 비평이 극작가의 의도에 대해 그렇게 귀머거리로 판명된 것은 결코 아니라는 점에 유의해야 합니다. 그래서 , 예를 들어, En-kov라는 가명으로 The Jokers에 대한 자신의 리뷰에 서명한 러시아 무대의 비평가는 Ostrovsky에서 이 장면이 "극의 일반적인 과정에서 의미가 있으며 독창성을 위한 것이 아니라 작가가 자신의 생각을 실현하는 데 필요한 장면으로." 그러나 비평가는 즉시 다음과 같이 덧붙입니다. "그러나 우리는 거리 나 광장에서 지나가는 사람들과 서있는 사람들로 붐비는 그러한 장면이 극장에 불편하고 결코 자연스럽게 나오지 않는다는 것을 알게되었습니다 ... 군중이 모여, 소문, 웃음 , 노래; 주인공이 등장하고 군중은 마치 그 얼굴이 시청자뿐만 아니라 특히 흥미롭고 주요 인물인 것처럼 침묵합니다. 마침내, 이 얼굴들은 작가가 필요로 하는 것을 말했어요. 그리고 군중은 다시 소란을 피우고, 가수는 허디-거디(hurdy-gurdy)와 함께 나타났습니다. 이 모든 것이 읽기에는 좋지만 무대에서는 거짓되고 웃깁니다.

러시아 무대 평론가가 염두에 둔 알렉산드린스키 극장의 공연에서 이 장면이 정말 부자연스럽게 나왔을 가능성이 있다. 그러나 극작가에게는 책임이 없습니다. 그는 연극에 대한 혁신적인 과제를 제시했고, 무대 루틴과 감독 문화의 부재로 인해 제국 극장이 이러한 문제를 창의적으로 해결하지 못한 것은 그의 잘못이 아닙니다.

Ostrovsky가 The Jokers의 2막을 만드는 동안 무대 기회를 놓치지 않았다는 사실은 F. Burdin과의 서신에 의해 입증됩니다. 극작가가 코미디의 2막과 함께 주요 역할의 출연자들을 절망적인 상황에 처하게 한다는 Burdin의 주장에 대한 응답으로 Ostrovsky는 다음과 같이 썼습니다. , 모스크바에서. - 전.)는 훌륭하고 큰 효과를 냅니다(매번 더 많이). 미샤가 무슨 일인지 설명해줬고, 많이 당황하셨을 텐데 내 잘못이 아니라고 확신했다. 우리가 하는 방법은 다음과 같습니다. 거의 막 바로 옆에 있는 Novogorodsk 컴파운드의 바깥쪽(경관은 삶에서 그렸음), 가운데에는 상당한 두께의 실물 크기 문이 있고 Ilyinka 문 뒤 뒤막에는 Gostiny Dvor가 있습니다. 모두가 뒤에서 입장하며 관객 앞에서는 허용되지 않습니다. 관객들과 배우들 사이에 끼어들면서 말없이 끼어들고 방해만 할 줄은 상상도 못했다. 오브로셰노프와 골초프가 입장하자 군중은 줄어들고 필요한 6명만 남게 된다. Obrochenov와 Goltsov는 게이트 아래에 있으며 귀하처럼 비행 중이 아닙니다. 물론, 그들은 앞서 있습니다. Goltsov는 청중을 향해 다소 눈에 띄고 게이트 모퉁이에 기대어 서 있습니다. Obroshenov만이 그의 말을 들을 수 있도록 그는 귀에 대고 말하는 것처럼 말합니다. 그런 다음 연설이 끝날 무렵 새로운 사람들이 점차 게이트 아래에서 모집됩니다. 따라서 2막은 신빙성과 활력을 얻으면서도 생동감에서 조금도 잃지 않는다. 어떤 연극도 스스로 할 수 없는데 왜 감독이 있느냐”(XIV, 119-120).

인용 된 편지에서 볼 수 있듯이 Ostrovsky는 대중 장면을 구축하면서 무대 결정을 명확하게 상상했습니다 (이 경우 다른 많은 사람들과 마찬가지로 모스크바 무대에서 연극 제작을 지시했습니다). 그는 "신뢰와 활력에서 승리", "그림에서 전혀 잃지 않는" 방식으로 그들을 구축했습니다.

오스트로프스키의 극작은 높은 수준의 연출 문화를 요구했고, 그 존재 자체만으로도 모스크바 예술 극장의 창설과 관련된 감독의 예술에서 혁명을 위한 조건을 마련했습니다.

Ostrovsky의 연극은 예술가와 감독에게 독창적인 무대 솔루션과 표현적인 미장센 조각을 위한 훌륭한 재료를 제공합니다. 극작가의 인색한 입담은 전경뿐만 아니라 무대의 깊숙한 곳까지, 태블릿의 평면뿐만 아니라 다양한 크기의 놀이터에서도 무대 액션을 펼치는 것을 가능하게 한다. 그리고 때때로 그들은 허용할 뿐만 아니라 명령하기도 합니다.

그의 첫 번째 "장편"극에서 이미 코미디 "자신의 사람들 - 정착하자!"에서 Ostrovsky는 마치 섹션에있는 것처럼 상인의 집을 제공합니다. 2막의 논평에서 “왼쪽에 계단이 있다”는 말을 읽지 않았더라도 볼쇼프 집의 거실이 사무실 위 2층에 있다는 것은 여전히 알 수 있을 것이다. 이 계단을 보기도 전에 우리는 이미 첫 번째 장면에서 숨이 막히는 Ustinya Naumovna로부터 “Ugh, fa, fa! 당신은 무엇입니까, 은색 것들, 가파른 계단 : 당신은 오르고, 오르고, 힘으로 기어갑니다. Bolshov 집의 "위쪽"을 첫 번째 막에서 보여준 후 두 번째 극작가는 우리에게 "아래쪽"을 알려줍니다. 두 번째 막이 시작될 때 Podkhalyuzin과 Tishka 사이의 짧은 발언 교환을 통해 집 배치에 대해 방향을 잡을 수 있습니다(Podkhalyuzin: "들어보세요, Tishka, Ustinya Naumovna가 여기 있습니까?" - Tishka: "위쪽"). 그리고 실제로 잠시 후 "Ustinya Naumovna와 Fominishna가 위에서 내려옵니다." 그들은 계단에서 첫 말을 주고받았을 가능성이 큽니다. 극작가는 이것을 예상하지 못하지만 결코 배제하지 않습니다. 이것은 극작가가 의도한 무대 배치가 감독에게 제시하는 가능성 중 하나일 뿐입니다.

Ostrovsky는 역사 코미디 "17 세기 코미디언"에서 무대 비행기의 비행기를 "파괴"했습니다. 2막에서는 "와드 한가운데에 네모난 플랫폼 형태의 낮은 무대가 있다." 막의 후반부에는 무대와 무대 앞에서 동시에 액션이 일어난다.

위에서, 우리는 이미 다른 기회에 코미디의 두 번째 사진의 말을 인용한 적이 있습니다. "우리는 사이가 좋지 않았습니다!". 이 그림의 작업은 위층, 갤러리, 소유자, 아래층, 마당, 하인 사이에서 교대로 발생합니다. 이 경우 극작가는 흥미로운 계획 가능성뿐만 아니라 한 놀이터에서 행동을 중단하고 매번 다른 놀이터를 포함하도록 그럴듯하게 동기를 부여하는 데 신경을 썼습니다. 조건부 단계 장치는 여기에서 신뢰할 수 있는 현실적인 정당성을 받습니다.

두 가지 계획에서 액션은 발자미노프의 결혼의 두 번째 그림에서 번갈아 전개됩니다. 여기서 "장면은 울타리로 중간에 분리된 두 개의 정원을 나타냅니다. 청중의 오른쪽에는 Pezhenov 정원이 있고 왼쪽에는 Belotelova가 있습니다. 첫 번째 발현은 "왼쪽 정원에서", 다음 네 번은 "오른쪽에서", 마지막 세 번은 다시 "왼쪽에서" 나타납니다.

Voyevoda의 네 번째 막에서 행동의 중단은 완전히 다른 문체 및 철학적 의미를 갖습니다. 우리 앞에는 Shalygin 총독이 불안한 잠에서 자신을 잊어 버린 농부 오두막과 꿈에서 본 환상 - 크렘린 궁전의 침대 베란다, Bastryukovs의 캐노피 일부 ' 집, 다음 볼가 확장합니다. 말할 필요도 없이, 이러한 종류의 실제 요소와 환상적인 요소의 교대에서 데코레이터와 감독에게 얼마나 흥미로운 가능성이 열리겠습니까?

깊이 생각하고 신중하게 설계된 액션 장면 레이아웃의 예는 "한 푼도 없었지만 갑자기 알틴이있었습니다"라는 코미디의 발언이 될 수 있습니다. 단층 석조 집. 세 개의 계단이 있는 문과 돌 베란다, 그리고 무대 위로 열리는 철창이 있는 창문. 집 모퉁이에서 무대를 가로질러 울타리가 흐르고 울타리 근처 집 근처에는 산재와 마른 아카시아 덤불이 있습니다. 울타리의 일부가 무너져 에피쉬킨 상인의 집 지붕이 보이는 나무 뒤에 빽빽한 정원으로 가는 무료 입구가 열립니다. 담장을 이어가다 보면 무대 한가운데 작은 나무야채 가게가 있고 가게 뒤편에 골목이 시작된다. 상점에는 두 개의 입구가 있습니다. 하나는 전면에서 유리 문이 있고 다른 하나는 차선에서 열려 있습니다. 오른쪽, 전경에서 문이 있고, 그 다음 부르주아 Migacheva의 단층 목조 주택; 집 앞, 아르신, 울타리, 그 뒤에 손질 된 아카시아 이상의 거리에. 그 뒤의 울타리와 정원이 골목에 보인다. 멀리 모스크바가 보입니다.

오스트로프스키는 코미디의 5막이 모두 이 풍경에서 일어나기 때문만이 아니라 그에게 드문 일인 만큼 철저하게 액션 장면을 묘사합니다. 요점은 또한 극작가가 행동 장소의 통일성을 유지하면서 동시에 등장인물의 각 그룹에 대해 별도의 놀이터를 울타리로 막는다는 것입니다. 그리고 이것은 극작가의 변덕이 아닙니다. 우리는 Nastya가 타락한 환경의 소부르주아, 탐욕적인 도덕에서 그러한 배치에 대한 중요한 정당성을 찾습니다. 이 모든 마을 사람들은 "사람들에게" 구멍에서 기어 나오는 데 익숙하지만 집요하게 자신의 재산을 보호합니다. 이 모든 울타리, 울타리, 개찰구, 막대기는 한 목소리로 외칩니다. "내 것, 가까이 오지 마십시오. 만지지 마십시오!"

Ostrovsky에서 거의 항상 그렇듯이 공간 솔루션은 극장에 가장 풍부한 계획 기회를 제공할 뿐만 아니라 활력을 불어넣을 뿐만 아니라 매우 의미 있는 기회를 제공합니다.

Ostrovsky는 무대의 보이는 부분 너머로 장면을 확장하는 방법을 능숙하게 알고 있습니다. 우리는 그들의 눈을 통해 봅니다.

Ostrovsky의 첫 번째 희곡인 The Family Picture에서 Maria Antonovna와 Matryona Savishna의 눈을 통해 우리는 Puzatov의 집 창문을 통해 하얀 펜을 든 장교를 분명히 봅니다. 그리고 "Hard Days"에서 Nastasya Pankratievna는 "창 밖을 내다보고"고 뉘우치며 말합니다. 타란타스에 겁에 질려 숨은 Tit Titych 자신. 그리고 가난한 신부의 마지막 막에서 "장면은 작은 방을 나타냅니다"지만 결혼식이 열리는 문 뒤에서 일어나는 모든 일을 명확하게 상상할 수 있습니다. 우리는 두 사람과 함께이 문을 통해 봅니다. 호기심 많은 젊은이들이여, 우리는 Benevolensky와 함께 이 문으로 들어가고 Marya Andreevna와 함께 이 문을 떠나면 홀에서 음악이 흘러나오는 소리가 들립니다. 코미디가 끝날 무렵, 주인공은 한 명도 무대에 남지 않고 결혼식을 보기 위해 모여든 호기심 많은 사람들만 남게 된다. 그들의 눈을 통해 우리는 홀에서 무슨 일이 일어나고 있는지 봅니다. 극작가는 장식가의 도움 없이 우리의 상상 속에 또 다른 파빌리온을 세우는 것 같습니다.

"Dowry"의 세 번째 막이 열리는 Karandyshev의 사무실에는 "3개의 문이 있습니다. 하나는 가운데에, 두 개는 측면에 있습니다." 그리고 이 문이 어디로 연결되는지는 언급하지 않았지만, 행동 과정에서 Karandyshev의 아파트 전체 레이아웃을 정확하게 상상할 수 있습니다. 왼쪽 문에서 율리 카피토노비치와 함께 식사를 했던 손님들이 차례로 나온다. 식당이 있다는 뜻이다. Efrosinya Potapovna는 과일 음료 디캔터를 위해 보병과 함께 중간 문을 통과합니다. 분명히 이것은 식료품 저장실이나 부엌으로 통하는 문입니다. 오른쪽에는 Efrosinya Potapovna 자신의 방이 있습니다. "예, 뭔가가 당신에게 옳지 않다고 느껴진다면"그녀는 숙녀들을 초대합니다. "내 방에 오신 것을 환영합니다." 참고: "Ogudalova와 Larisa는 오른쪽 문으로 갑니다."

우리는 특히 왼쪽 문이 이어지는 방을 명확하게 상상합니다. Karandyshev가 손님을 놀라게 할 빈약 한 저녁 식사의 잔재가있는 테이블입니다. 여기에서 Yuli Kapitonovich의 외침이 들립니다. "이봐, 우리에게 부르고뉴를 줘"; 이것은 Paratov와 Karandyshev가 형제애를 마시러 가는 곳입니다. 그들은 강당에서 볼 수 없지만 즐거운 로빈슨의 눈을 통해 그들을 따릅니다. 라이브 사진. Serge의 미소를 보세요! 꽤 Bertram... 글쎄, 그는 그것을 삼켰다. 그들은 키스한다." 그리고 우리 눈앞에 실제로 "살아있는 그림"이 나타납니다.

그건 그렇고, 인테리어에 대한 설명이 아무리 간결하더라도 Ostrovsky는 문을 언급하는 것을 잊지 않고 항상 이러한 문이 어떻게 위치하는지 정확하게 나타냅니다. 창문, 소파, 안락의자, 탁자와 의자에 관한 설명에서 아무것도 배울 수 없을지 모르지만, 분명히 읽게 될 것입니다. “가운데에 문이 있고 왼쪽에 문이 있습니다.” 또는: "뒷벽에 두 개의 문이 있습니다." 또는: "왼쪽 모서리에 문이 있고, 문을 따라 측벽에 있고 모서리 뒤쪽에 문이 있습니다."

극작가가 문에 특별한 관심을 기울이는 이유를 이해하는 것은 어렵지 않습니다. 그에게는 캐릭터가 들어오고 나가는 위치가 중요합니다. 따라서 그는 Profitable Place에서 "왼쪽은 Vyshnevsky의 사무실 문이고 오른쪽은 Anna Pavlovna의 방"이라고 언급하는 것을 잊지 않았습니다. 따라서 그는 정문과 내부 방으로 이어지는 문을 구별하는 것을 잊지 않을 것입니다.

문의 위치를 나타내는 Ostrovsky는 일반적으로 청중이 아닌 배우 대신 자신을 배치한다는 점도 주목할 가치가 있습니다. “배우들의 오른쪽에는 또 다른 방으로 통하는 문이 있다”(“죄책감 없는 죄책감”). 또는: "배우들의 오른쪽에는 안방으로 통하는 문이 있습니다"("잘 생긴 남자"). 또는: "배우의 오른쪽에는 다른 홀으로 이어지는 아치형 문이 있습니다"( "재능 및 찬사"). 또는 : "배우 오른쪽에는 커피 숍 입구가 있습니다."( " 지참금 "), Ostrovsky가 우리를 "배우로부터"가 아니라 "관객으로부터"지향하는 발언은 훨씬 덜 일반적입니다. 이것은 우연이 아닌 것 같습니다. 말하자면 극작가는 자신이 캐릭터를 위해 세운 내부에 살고 외부에서 이러한 내부를 보지 않습니다.

Ostrovsky는 연극의 액션을 관객에게 예상치 못한 장소로 옮기는 경우가 거의 없습니다. 대부분의 경우 그의 희곡에서 이어지는 각 장면은 미리 결정됩니다.

코미디에서 Ippolit의 질문에 대한 세 번째 장면의 끝에서 "고양이를 위한 모든 카니발은 아닙니다": "아저씨! 근데 날 어디로 데려가는거야?" - Akhov는 "Kruglova에게"라고 대답하면 네 번째 장면이 Kruglova의 집에서 일어날 것이라고 확신할 수 있습니다. 두 번째 행위가 끝날 때 "Late Love"에서 Lebedkina가 Shablova에게 "기다려, 우리는 당신과 함께 차를 마시러 돌아올 것입니다."라고 말하면 다음 행위가 같은 풍경에서 일어난다는 것을 의미합니다.

"오늘은 쿠파비나로 데려가겠습니다." Murzavetskaya가 늑대와 양 1막에서 Glafira에게 말합니다. 2막의 발언: "Kupavina 저택의 우아하게 꾸며진 방."

Felicita Zybkina는 코미디의 첫 번째 막에서 "이미 저녁이 되면 마당에서 나가서 수십 개 또는 두 개를 가져올 것입니다. 진실은 좋지만 행복은 더 좋습니다."라고 약속합니다. 2막의 발언: "Zybkina의 아파트에 있는 불쌍한 작은 방."

"오늘 좋은 저녁 식사와 함께 집에서 무엇을 준비하고 싶습니까?" 3막 "Without Guilt of the Guilty"에서 Nil Stratonych Dudukin에게 Korinkin을 설득합니다. 4막에 대한 언급: "오래된 린든으로 둘러싸인 큰 저택 정원의 놀이터." 극작가는 이것이 Dudukin의 정원이라고 덧붙일 필요조차 없습니다.

Ostrovsky는 일반적으로 각 후속 장면의 장면을 미리 결정하는 것을 선호합니까? 분명히 극작가는 다음 장면의 액션이 일어나는 곳을 막이 열릴 때마다 추측해야 하는 필요성 때문에 연극의 사건에서 우리의 주의가 산만해지는 것을 원하지 않기 때문입니다. 극작가가 우리에게 다가오는 액션 장면을 알려줄 뿐만 아니라 제안된 상황에 따라 액션을 새로운 장소로 옮기도록 동기를 부여하는 것도 중요합니다.

그러나 때때로 극작가는 다음 장면이 어디에서 일어날지 우리를 준비시키지 않을 뿐만 아니라, 그와는 반대로 완전히 예상치 못한 발판으로 행동을 취합니다. 예를 들어, 3막에서 Dunya Rusakova가 "여관의 작은 방"에서 Vikhorev와 함께 있는 자신을 발견하는 것은 우리에게 절대적으로 예상치 못한 일입니다. 이 놀라움은 극작가가 상황의 드라마, 여주인공의 혼란스러운 마음 상태를 전달하는 데 도움이 됩니다. "날 어디로 데려갔어?" Avdotya Maksimovna Vikhoreva는 걱정스럽게 묻는다. 그리고 우리는 Vikhorev가 Dunya를 어디로 데려왔고 왜 여기로 데려왔는지 모르기 때문에 그녀의 당혹감과 불안이 우리에게 전달됩니다.

그러나 Ostrovsky는 드문 경우에만 그러한 기술에 의존합니다. 일반적으로 그는 공간에서 연극의 행동을 조직하고 관객을 놀라움으로 놀라게하지 않고 점차적으로 다가오는 장면 변화에 대비하는 것을 선호합니다.

Ostrovsky의 희곡에서 장면의 구성에 대한 관찰은 그가 제안한 모든 다양한 공간 솔루션과 함께 모든 경우에 극작가가 이러한 솔루션을 가장 완전하고 제약이 없으며 동시에 내부적으로 편리한 개발의 작업에 종속시킨다는 것을 보여줍니다. 단 하나의 극적인 행동.

우리는 드라마 구성의 다른 모든 요소와 마찬가지로 시간과 행동의 장소 조직의 특징이 "인생 연극"으로서의 그의 작품에 대한 Ostrovsky의 독창성에 의해 결정된다고 확신할 수 있었습니다.

다음 장들에서 우리는 그의 희곡이 구성뿐 아니라 언어적인 면에서도 '인생의 희곡'이라고 부를 수 있음을 알게 될 것이다.

아빠. 플레트네프. 드라마 '비터 페이트'와 '뇌우' 리뷰. - 책에서 : P.A. 플레트네프. 조항. 시. 편지. M., "소비에트 러시아". 1988. S. 246.

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